Samlingsutstillinger / Pågående utstillinger

OPPLEV BREDDEN AV MUNCHS KUNSTNERSKAP

I tillegg til årets spennende nykommerne kan du fordype deg i Edvard Munchs fantastiske kunst og liv i våre pågående utstillinger: 

EDVARD MUNCH - UENDELIG

Bli med på en ny og enestående oppdagelsesreise i Edvard Munchs kunst. Opplev verdenskjente motiver som Skrik og Madonna, og la deg overraske av ukjente hovedverk og uventede blikk inn i dette mangfoldige kunstnerskapet.

I denne utstillingen tar vi deg med inn i Edvard Munchs egen verden verden – hans ideer, hans arbeidsprosesser, og de dypt menneskelige problemstillingene han var opptatt av, og som fortsatt berører mennesker i dag. Gjennom et bredt utvalg fra museets samling, kan du oppleve rikdommen i Munchs kunstnerskap og hans utrettelige vilje til eksperimentering og nyskapning.

Utstillingen legger til rette for en fri vandring gjennom temaer og motiver som Munch utforsket hele livet, både som maleri, grafikk, tegning, fotografi og skulptur – fortellinger om angst, død, kjærlighet og ensomhet, og som er felles for alle mennesker. Munch ble selv aldri ferdig med å utforske kunstens muligheter. På samme måte inviterer vi publikum til å oppdage og gjenoppdage ham i en helt ny ramme ved Oslofjorden. Kom og bli kjent med en av modernismens viktigste kunstnere på nye måter – eller for aller første gang.

EDVARD MUNCH - MONUMENTAL

Opplev Munchs største og mest ambisiøse malerier i en helt ny ramme.

I en spesialbygget sal som strekker seg over to etasjer kan du oppleve noen av de største maleriene Edvard Munch noensinne laget. Disse enorme kunstverkene er versjoner av motiver Munch utviklet til Universitetet i Oslos nye aula i forbindelse med 100-årsjubileet i 1911.

Munch deltok i konkurranse med flere andre, og jobbet utrettelig med motivene i flere år, et arbeid som resulterte i flere hundre arbeider og skisser. For å klare å male i formater på opptil femti kvadratmeter, bygget han en rekke utendørsatelierer på eiendommen sin, og lagde flere versjoner av motivene i ulike størrelser.

Vi inviterer publikum på innsiden av Munchs kreative prosess i hans første store prosjekt for et offentlig rom, og viser hvordan han med en usedvanlig energi, iderikdom og pågangsmot lyktes med å realisere disse arbeidene. Solen løftes frem som et nytt hovedmotiv i Munchs karriere – et symbol på livets kraft og idérikdom, og et verk som rommer en rekke historier knyttet til naturvitenskap, religion og universets tilblivelse.

EDVARD MUNCH - SKYGGER

Kom tett på mennesket Edvard Munch i en banebrytende interaktiv museumsopplevelse.

Edvard Munch tilbrakte de siste 30 årene av sitt liv på eiendommen Ekely utenfor Oslo. Selve huset ble revet i 1960, men i denne utstillingen gjenreiser vi kunstnerhjemmet i en multimedial installasjon hvor lys, lyd og levende bilder forteller historier fra Munchs liv.

Selv sa Munch at hjemmet var hans hjerne. Det var kanskje også grunnen til at han så sjelden inviterte til besøk – for ham var det som å la folk komme i berøring med selve nervetrådene i hans private og skapende liv. Likevel hadde han et stort nettverk av venner og bekjente som alle virket inn på hans kunstnerskap. Det samme gjorde tiden han levde i, som var preget av teknologisk nyvinning og et samfunn i sterk utvikling, men også av politisk uro og krig.

Når vi nå vekker Ekely til live, får ikke publikum bare tre inn i Munchs private hjem, men også i hans liv, hukommelse og tanker. Gjennom en spesialbygget utstillingsvegg kommer publikum tett på tingene Munch eide og brukte i hverdagen. Bli med på en sanselig tidsreise hvor vi utvider forståelsen av mennesket Edvard Munch og hans omgivelser, i en biografisk utstilling uten sidestykke.

EDVARD MUNCH - STENERSEN

Opplev Munch sammen med store nordiske kunstnere fra hans egen levetid, og oppdag sporene han etterlot seg i kunsthistorien.

Edvard Munch var banebrytende innen den moderne kunsten, både i Norge og internasjonalt. I motsetning til mange andre av hans samtidige kolleger, var han ikke del av en bestemt kunstgruppering og underviste heller ikke på kunstakademier – hans innflytelse gikk først og fremst gjennom det å stille ut kunst.

Derimot hadde han nære støttespillere som var viktige for ham, slik som kunstsamleren og forretningsmannen Rolf Stenersen, som ga sin samling til offentligheten i 1936. Denne samlingen er i dag en del av museets samling.

Stenersen-samlingen begynte med Munch, men ble etter hvert utvidet med en lang rekke av datidens unge kunstnere som Olav Strømme, Kai Fjell, Ludvig Karsten, Reidar Aulie, Rolf Nesch og Jakob Weidemann. Flere av disse var direkte eller indirekte påvirket av Munch, som også ga Stenersen råd om hvilke kunstnere han burde satse på.

Publikum får i denne utstillingen en helt spesiell anledning til å se Munch sammen med norske og nordiske kunstnere fra hans egen samtid – en fremvoksende generasjon modernister som til dels befant seg i skyggen av den store, norske innovatøren.

Med utgangspunkt i sentrale verk fra norsk kunsthistorie i forrige århundre, viser vi hvordan Munch virket inn på sine kolleger, både når det gjelder metode, form og temaer. De fleste bildene vil være hentet fra Stenersen-samlingen, men blikket løftes også utenfor Norges grenser, med innlån fra andre samlinger. På den måten vil publikum kunne oppleve Munch sammen med betydningsfulle nordiske kunstnere, som for eksempel Asger Jorn.

EDVARD MUNCH - INNTIL

Utforsk Edvard Munchs nyskapende arbeid innen tresnitt med utgangspunkt i en mystisk trykkplate hvor ikke et eneste avtrykk er bevart. Utstillingen viser den slående bredden i Munchs tresnitt, fra de tidligste motivene han utarbeidet til det siste tresnittet han trykket.

Edvard Munch eksperimenterte med ulike kunstneriske metoder hele livet, og oppdaget grafikken som 30-åring. Den ble etter hvert en stor og viktig del av hans kunstnerskap. Tresnitt var den siste grafiske teknikken Munch tok i bruk, og kanskje var det den som tillot ham å utforske med størst frihet. I det spontane og uforutsigbare samspillet mellom kunstner og materiale – mellom det levende treverket, papiret og trykksverten – oppsto noen av Munchs fineste arbeider.

Teamet for denne utstillingen er hentet fra en av trykkplatene i museets samling hvor ikke et eneste avtrykk er bevart. Den har tittelen Møte i verdensrommet, og er datert rundt århundreskiftet.

Platen skåret ut og satt inn med svart trykksverte, men vi vet ikke om den noen gang ble brukt til å trykke med. Heller ikke vet vi hvorfor Munch eventuelt valgte å forkaste motivet. I utstillingen utforsker vi Munchs nyskapende og overraskende teknikker gjennom 20 avtrykk som alle viser et nytt møte mellom mennesker. Hvert trykk er utstilt sammen med sine tilhørende trykkplater, og inviterer publikum til et nært møte med Munchs arbeid og store påvirkningskraft. 

OPPLEVELSER FOR BARN I UTSTILLINGENE

Vil du hilse på musen «Herr Storm»? Eller oppdage kikkehull med egne fortellinger?

I noen av utstillingssalene våre gir vi egne innganger til Edvard Munch og kunstens tankesett og muligheter, for å inspirere og engasjere våre yngre besøkende.

Her får du en oversikt over hva du kan forvente: 

OPPDAG KIKKEHULL I VEGGEN

Hvor: 4. etasje, i utstillingen Edvard Munch uendelig

Barn i alderen 3 til 10 år tilbys en egen opplevelse av samlingsutstillingen Edvard Munch uendelig gjennom små kikkehull i veggen, utformet av utstillingsarkitekten manthey kula. I de samme salene som hovedverkene Skrik, Madonna og Pikene på broen befinner seg, kan barna kikke inn på motiver basert på spesialskrevne fortellinger av forfatteren Lene Ask, som formidler temaene Munch arbeidet med på deres premisser. For de eldre barna har vi oppgaver og spørsmål skrevet på veggen, som åpner for refleksjon rundt Munchs kunst.

MØT MUSEN «HERR STORM»

Hvor: 7. etasje, i utstillingen Edvard Munch skygger

I denne banebrytende utstillingen gjenreiser vi kunstnerens hjem på Ekely i en multimedial installasjon, der lys, lyd og levende bilder forteller historier fra Munchs liv. Om barna følger musesporene i utstillingen, vil de finne musehull i møbler, kasser og trapper. Her utspiller det seg scener med musen «Herr Storm» i hovedrollen, laget av kunstnerne Pjotr Sapegin og Kristin Günther, som driver selskapet Norwegian Toolbox.

UTFORSK OPPDAGELSESBORDET

Hvor: 6. etasje, i utstillingen Edvard Munch monumental

I utstillingen som er viet Edvard Munchs største malerier, deriblant Solen og Forskerne, står et spesiallaget oppdagelsesbord midt i salen. Bordet, som er utformet av utstillingsarkitekten manthey kula, byr på interaktive opplevelser og formidling rettet mot barn og unge. Her vil de kunne utforske og erfare med utgangspunkt i naturelementer- og prosesser knyttet til Munchs monumentale verk.

LAG DINE EGNE TRYKK

Hvor: 7. etasje, i utstillingen Inntil

I utstillingen Inntil, som viser et utvalg av Munchs tresnitt, tilbyr vi en trykkeoppgave til både barn og voksne, der de kan gni en fargestift eller blyant over et papir for å lage en frottasje, en eldgammel trykkemetode. På et arbeidsbord vil man finne figurer hentet fra trykkeplatene i utstillingen, som kan kombineres på ulike måter for å lage personlige trykk.

Full oversikt over vårt tilbud til barn og unge finner du her

MAT & DRIKKEPÅ NYE MUNCH

Mat og drikke kan du nyte i restauranten i 12. etasje, kaféen på bakkeplan, eller i baren på toppen av bygget.

I MUNCH deli & kafé på bakkeplan kan man slå seg ned for en kaffe og hjemmebakst både inne og på terrassen mot sjøen. Her serverer vi sandwicher, varmretter og fersk sjømat både til lunsj og middag.

I MUNCHs toppetasje finner du cocktailbarenKranen, som byr på fantastisk utsikt over Bjørvika. Baren har også servering på byggets lune takterrasse, hvor man under åpen himmel kan observere alt som skjer i fjordbyen i fugleperspektiv.

Restauranten Tolvte, som ligger i muséets 12. etasje, lener seg på kontinentale tradisjoner med et avslappet smil. En slags europeisk bistro sett gjennom rause amerikanske briller. Her skal du få østers, burger, eller en treretter med helstekt flyndre og rekecocktail på samme meny. I restauranten vil det være åpent for alt fra klassisk frokost, til en deilig ettermiddagsbrunsj, og full middag eller en helaften for å feire gledene i livet.

Restauranten Tolvte, som ligger i muséets 12. etasje, lener seg på kontinentale tradisjoner med et avslappet smil. En slags europeisk bistro sett gjennom rause amerikanske briller. Her skal du få østers, burger, eller en treretter med helstekt flyndre og rekecocktail på samme meny. I restauranten vil det være åpent for alt fra klassisk frokost, til en deilig ettermiddagsbrunsj, og full middag eller en helaften for å feire gledene i livet.

MUNCH DELI & KAFÉ 

Man-tirs:   09-18
Ons-tors:  09-21
Fredag:      09-22
Lørdag:      11-22
Søndag:    11-18

Vi har god kapasitet og kjører kun drop-in. 

BISTRO TOLVTE

Man-lør: 16-24
Søndag: stengt

Kjøkkenet stenger kl 21 mandag til onsdag, og kl 22 torsdag til lørdag.

Bestill bord

Se meny

KRANEN BAR

Man-ons:   17-24 
Tors-lør:     17-02
Søndag:    stengt

Siste innslipp 1 time før stengetid. 

Veien til baren er via kaféen på sjøsiden av bygget, med en glassheis opp til 13. etasje.

Et museum ulikt alt annet i Oslo:

FLOP er en morsom, nostalgisk og overraskende opplevelse der du møter historiens mest legendariske produktflopper – idéene som skulle bli enorme suksesser, men som gikk spektakulært galt.

Her får du latter, gjenkjennelse og fascinerende historier på rekke og rad, med ett befriende budskap i bunn: Skal man lykkes med innovasjon, må man også tørre å feile. Åpent hele sommeren.

I en fiktiv verden der alt kan skje, samles fire unike alter egoer under ett tak. Vi møter karakterene Hasansen, Kari Max, The Urban Legend og Shasta Geaux Pop i en kunstutstilling som er vanskelig å beskrive. Med Grønland som kulisse blir det i hvert fall uforutsigbart, lekent og litt absurd.

I denne kunstutstillingen møter vi Sayed Sattar Hasan som Hasansen, fabrikkeier og kulturell innovatør, som har invitert tre andre alter egoer til sin fabrikk på Grønland. Kirsty Kross overbeviser som den tvilsomme, Pepsi Max-avhengige eiendomsmegleren Kari Max, mens superhelten The Urban Legend, gitt liv av Josef Tzegai Yohannes, kjemper de unges kamp mot gentrifisering. Ayesha Jordan leverer som manager for den glamorøse divaen Shasta Geaux Pop, som sprer sitt budskap om positiv vekst.

Med humor, satire, glam, karaoke og superkrefter som verktøy utforsker alter egoene identitet, gentrifisering og byutvikling på Grønland.

En utstilling som er vanskelig å beskrive. Bør oppleves.

Se også de andre avdelingene i Oslo Museum

Opplev sommeren på Oslo Museum

I sommer kan du blant annet bli med på gratis byvandringer rundt omkring i Oslo, ta turen inn i vakre Frogner hovedgård, bli kjent med byen gjennom varierte utstillinger, bli med inn i den historiske arbeiderleiligheten på Sagene og la barna prøve seg på historiske uteleker.

Du kan også nyte forfriskninger i de hyggelige museumskaféene på Grønland, Sagene og Frogner.

Vi har flere spennende utstillinger både på Sagene, Grønland og Frogner. På Arbeidermuseet på Sagene og Interkulturelt Museum på Grønland er det gratis inngang for alle alle dager, og på Bymuseet og Teatermuseet i Frognerparken er det gratis inngang for alle på torsdager – og alltid gratis for barn.

I tillegg til utstillingene har vi også sommervandringer rundt omkring i Oslo fire tirsdager i juli/august, sommeromvisninger på Frogner hovedgård hver dag fra tirsdag til søndag gjennom hele sommeren, minivandringer og omvisning i arbeiderbolig på Sagene hver helg, og flere barneaktiviteter på Bymuseet.

Velkommen til oss i sommer!

Sjekk programmet her:

UTSTILLINGER

Nasjonalmuseet i Oslo, 11. juli–10. oktober 2026

En rik sommer og tidlig høst med død, hytter, pastell, arkitektur, kopier og nye blikk på malerihistorien

Nasjonalmuseet går inn i perioden 11. juli–10. oktober 2026 med et program som er uvanlig godt egnet for både én intensiv museumsdag og flere besøk: Den faste samlingen ligger som den store ryggraden, mens sommer- og høstprogrammet beveger seg mellom Asta Nørregaards portretter, Wenche Selmers nøysomme arkitektur, kunstens forhold til døden, kopiens skapende kraft, arkitektur for barn og en ny utstilling om kvinnelige malere i Europa.

Oversikten under bygger på Nasjonalmuseets egne kalender-, samlings-, aktivitets- og billettsider; kalenderen dekker blant annet Nasjonalmuseet, Nasjonalmuseet – Arkitektur, Villa Stenersen og Mellomstasjonen, mens billettsiden samler inngangsbilletter.

Arrangementer, aktiviteter og events 11. juli – 10. oktober 2026

Løpende sommerprogram og familieaktiviteter

11. juli–16. august, flere tidspunkt

En kort introduksjon til tre utstillinger

Korte introduksjoner til «Ikke vær redd», «Wenche Selmer» og «Asta Nørregaard». Flere oppføringer viser blant annet 11. juli kl. 11.00–11.15 og 13.30–13.45.

Arrangement · Inngangsbillett

11. juli–slutten av august, flere tidspunkt

Sommer i samlingen

Omvisning/introduksjon i samlingen, blant annet oppført 11. juli kl. 11.30–12.15. Nasjonalmuseet markedsfører sommeren med åpent alle dager og flere samlingsopplevelser.

Arrangement · Inngangsbillett

11. juli–23. august, flere tidspunkt

Guided tour: Norway Collected

Engelskspråklig omvisning i samlingen, blant annet oppført 11. juli kl. 14.00–15.00. Oppføringer viser at omvisningen er gratis med gyldig inngangsbillett og krever registrering i infoskranken.

Arrangement · Inngangsbillett

11. juli–2. august, kl. 12.00–16.00 på oppførte dager

Sommerverksted: Lag en sommerskissebok

Familieverksted der barn og voksne lager sin egen skissebok for sommeridéer, tegninger og minner.

Arrangement · Inngangsbillett

Fra 11. juli og videre gjennom høsten, flere tidspunkt

Familieverksted: Urskogen Silva

Et familieverksted som er oppført med flere tidspunkt mellom 11. juli og 26. desember 2026. Kalenderoppføringer viser økter kl. 12.00–13.30 og 14.30–16.00.

Aktiviteter og verksted · Inngangsbillett

9., 16. og 23. august, kl. 12.00–16.00

Familieverksted: Stol på meg

Verksted der deltakerne bygger en stol av tre, tau og hull.

Arrangement · Inngangsbillett

6.–20. september, flere tidspunkt

Tegn portrett i pastell

Verksted inspirert av Asta Nørregaards pasteller: tegn selvportrett eller portrett av noen du kjenner med myke pastellkritt.

Arrangement · Inngangsbillett

Dato for dato: arrangementer og events

9. august

Barna bestemmer!

Tid/sted: Kl. 12.00, Nasjonalmuseet – Arkitektur
Dette er et familiearrangement knyttet til sluttfasen av BOOM! på Nasjonalmuseet – Arkitektur.
Billett: Se arrangementssiden og inngangsbillett.

11. august

Arkitekturverksted: Å finne plass et sted

Tid/sted: Kl. 17.00 og 18.00, Nasjonalmuseet
Et arkitekturverksted som handler om å finne plass, forstå sted og tenke romlig.
Billett/påmelding: Se arrangementssiden og inngangsbillett.

19. august

Dypdykk: Se med hendene – en sanselig omvisning

Tid/sted: Kl. 17.30, Nasjonalmuseet
En sanselig omvisning i tilknytning til «Ikke vær redd. En utstilling om døden», med kunstner og kurator Marit Roland.
Billett/påmelding: Se arrangementssiden og inngangsbillett.

Hele Norges samling
Tid/sted: 19. august kl. 18.30–19.15, Nasjonalmuseet

Dette er en bred introduksjon til museets samling. Serien er også oppført 26. august og 30. august.
Billett: Arrangement · Inngangsbillett

20. august–29. september

Nysgjerrig på: Wenche Selmer. Hva kan du unnvære?

Tid/sted: Flere tidspunkt i Lyshallen, blant annet oppføringer 20. august, 3. september, 8. september, 24. september og 29. september; flere av øktene er kl. 14.00–14.45, med enkelte kveldstider kl. 18.30–19.15.
Dette er korte formidlingsøkter for alle som vil forstå Selmers arkitektur før eller etter selve utstillingsbesøket.
Billett/påmelding: Nasjonalmuseets oppføring viser påmelding i infoskranken for denne typen økter. Se arrangementssiden og inngangsbillett.

25. august

Dødskafé – en åpen samtale om døden

Tid/sted: Kl. 17.00–19.30, Verksted C
Et samtalearrangement i forlengelsen av «Ikke vær redd», der publikum møtes for å dele tanker om døden. Oppføringen viser begrenset antall plasser og at påmelding åpner 18. august.
Billett/påmelding: Arrangement · Inngangsbillett

Tåler vi ikke eleganse?
Tid/sted: Kl. 13.00–17.00, Auditorium

Et seminar-/samtaleprogram knyttet til Asta Nørregaard og hennes samtid, med utgangspunkt i spørsmålet om eleganse, smak og norsk kunstoffentlighet. Arrangementssiden er oppført med «Kjøp billett».
Billett: Kjøp billett via arrangementssiden

25. august–6. oktober

Nysgjerrig på: Asta Nørregaard. Sannhet og skjønnhet

Tid/sted: Flere tidspunkt i perioden, blant annet 25. august, 1., 6., 10., 13. og 15. september, samt 1., 4. og 6. oktober. Oppføringer viser typiske tider kl. 14.00–14.45 og enkelte kveldsøkter kl. 18.30–19.15.
Dette er den beste raske inngangen til Asta Nørregaard-utstillingen, særlig for besøkende som vil få med seg portrettene, pastellene og spørsmålene om kjønn, mote, posisjon og kunstnerskap.
Billett/påmelding: Arrangement · Inngangsbillett

26. august

J.C. Dahls første Norgesreise. Fra fjell og skyer til båter og mennesker

Tid/sted: Kl. 17.30–19.00, Auditoriet
Et miniseminar som markerer 200 år siden J.C. Dahls første reise til Norge. Arrangementssiden er oppført med «Kjøp billett».
Billett: Kjøp billett via arrangementssiden

Dypdykk: Asta Nørregaards pasteller
Tid/sted: 26. august, Nasjonalmuseet

Papirkonservator Alexandra Pogost ser nærmere på Asta Nørregaards pasteller fra et teknisk og konserveringsfaglig perspektiv.
Billett/påmelding: Arrangement · Inngangsbillett

Hele Norges samling
Tid/sted: Kl. 18.30–19.15, Nasjonalmuseet

Andre oppføring i serien i denne perioden.
Billett: Arrangement · Inngangsbillett

30. august

Kuratoromvisning i «Ikke vær redd. En utstilling om døden»

Tid/sted: Kl. 14.00–14.45, Nasjonalmuseet
Kuratoromvisning i dødsutstillingen kort tid før den avsluttes 6. september. Oppføringen viser påmelding i infoskranken.
Billett/påmelding: Arrangement · Inngangsbillett

Hele Norges samling
Tid/sted: Kl. 12.00–12.45, Nasjonalmuseet

Tredje oppføring i serien i denne perioden.
Billett: Arrangement · Inngangsbillett

2. september

Møtepunkt: Kjemikeren, musikeren og kunsten

Tid/sted: Kl. 17.30–18.30, Salongen
Samtale med kjemiker Alexander Sandtorv og musiker Kristopher Schau om kjemi, musikk og kunst.
Billett/påmelding: Arrangement · Inngangsbillett

9. september

Asta Nørregaard: Religion på lerretet

Tid/sted: Kl. 17.30–18.30, Nasjonalmuseet
Seniorkurator Ellen Lerberg ser nærmere på Asta Nørregaards religiøse motiver. Arrangementet er oppført med «Kjøp billett».
Billett: Kjøp billett via arrangementssiden

14.–18. september

ICOM-CC 2026. Internasjonal forskningskonferanse

Tid/sted: 14.–18. september, Oslo Congress Centre, Youngs gate 21
Nasjonalmuseet er knyttet til ICOM-CC 2026, en internasjonal forskningskonferanse for konserveringsfeltet. Konferansen har egen registrerings- og konferanseinformasjon.
Billetter/registrering: Nasjonalmuseets arrangementsside · Konferanseside

30. september

Dypdykk: Asta Nørregaards barneportretter

Tid/sted: Kl. 17.30–18.00, Nasjonalmuseet
Seniorkurator Ellen Lerberg ser nærmere på Asta Nørregaards barneportretter.
Billett/påmelding: Arrangement · Inngangsbillett

1., 4. og 6. oktober

Nysgjerrig på: Asta Nørregaard. Sannhet og skjønnhet

Tid/sted: Oppført blant annet 1., 4. og 6. oktober, med økter typisk kl. 14.00–14.45 og enkelte kveldstider i serien.
Dette er siste del av formidlingsprogrammet i brukerens periode og passer spesielt godt sammen med nyåpningen «Maleri̶n̶n̶e̶» 8. oktober.
Billett/påmelding: Arrangement · Inngangsbillett

8.–10. oktober

Maleri̶n̶n̶e̶

Tid/sted: Utstillingen åpner 8. oktober i Lyshallen
Dette er ikke bare en utstilling, men periodens store programskifte: Fra 8. oktober kan publikum se «Maleri̶n̶n̶e̶», som flytter kvinnelige malere fra randsonen til sentrum av Europas kunsthistorie.
Billett: Utstilling · Kjøp inngangsbillett

Den faste kjernen: samlingen

Et besøk i perioden bør starte eller avsluttes i Samlingen. Nasjonalmuseet presenterer Norges største samlinger innen kunst, arkitektur og design, og den digitale samlingen omfatter rundt 60 000 verk og objekter av en totalsamling på rundt 400 000.

Det betyr at de midlertidige utstillingene ikke står alene, men kan leses inn i et større bilde: norsk og internasjonal billedkunst, grafikk og tegning, design, kunsthåndverk, arkitekturmodeller, fotografi, møbler, mote, historiske objekter og samtidskunst. For publikummere som bare har én dag, er samlingen den beste måten å få “hele museet” inn i besøket på. For dem som har flere dager, fungerer den som en nøkkel til de midlertidige utstillingene: Asta Nørregaard kan speiles mot Munch og 1800-tallets portrettkunst, Wenche Selmer mot arkitektursamlingen, og «Kopiens verdi» mot grafikk, tegning og kunstutdanningens historie.

Lenker: Utforsk samlingen · Kjøp inngangsbillett

I det nye Nasjonalmuseet kan du for første gang oppleve verk fra ulike deler av museets samling under samme tak. Museet rommer nesten dobbelt så store utstillingsarealer som de gamle museumsbygningene.

Norges mest omfattende samling

I samlingspresentasjonen får du oppleve rundt 6 500 verk fra Norges største samling av kunst, arkitektur og design – fra oldtiden og fram til i dag. Her vises norsk kunst, design og arkitektur i en internasjonal kontekst.

Presentasjonen er kronologisk og viser hovedtrekk i norsk kunsthistorie, sammen med sentrale utenlandske verk fra samlingen. Her skapes det samspill mellom de ulike delene av samlingen både innenfor historiske perioder og på tvers av historien.

I utstillingsrommene er det også plass til fordypning, avkobling og aktiviteter. Her kan du skape dine egne fortellinger.

Samlingspresentasjonen:

• Vises i 1. og 2. etasje i over 80 rom.

• Dekker et historisk spenn på nærmere 3 000 år.

• Inneholder over 6 500 verk fra hele samlingen.

• Rom 1–18 (1. et): Design før 1900.

• Rom 19–31 (1. et): Design og kunsthåndverk fra 1900 til i dag.

• Rom 33–61 (2. et): Kunst 1500–1900.

• Rom 63–74 (2. et): Kunst 1900–1960.

• Rom 75–88 (2. et): Kunst fra 1960 til i dag.

• Utstillingsarkitektur og designkonsept: Guicciardini & Magni Architetti. Hovedarkitekt: Marco Magni.

Fra keiserlig porselen til norsk samtidsmote

I 1. etasje møter du design og kunsthåndverk fra oldtiden fram til i dag. Maleri, skulptur og arkitektur utgjør også en sentral del av presentasjonen. Her kan du blant annet oppleve romerske keiserbyster og det nesten tusen år gamle Baldishol-teppet fra nåværende Innlandet fylke. Her tematiseres den politiske og sosiale kraften design og kunst har hatt gjennom tidene. 

Her får du også se store deler av Dronning Maud og Dronning Sonjas kongelige draktsamling. I salen for norsk samtidsmote presenteres etablerte designere som Per Spook og Peter Dundas, sammen med yngre designere som har markert seg de senere årene.

Storslåtte landskapsmalerier, politikk og samtidskunst

I 2. etasje finner du blant annet stilleben fra 1600-tallet, de eldste skildringene av norske landskap, og Edvard Munchs mange framstillinger av menneskets følelsesliv, blant annet Skrik. Hannah Ryggens tekstilarbeider og John Savios tresnitt er viet stor plass, og i Eventyrrommet kan du oppleve Theodor Kittelsens mystiske univers.

Her kan du se noen av museets mest sentrale verk innenfor nasjonal og internasjonal samtidskunst. I denne delen av samlingspresentasjonen kan du oppleve tre installasjoner: Per Inge Bjørlos Indre rom V, Ilya Kabakovs Søppelmannen og samarbeidsverket Blikk av bildekunstner Irma Salo Jæger, komponist Sigurd Berge og poet Jan Erik Vold. En egen sal er dedikert arkitekten Sverre Fehn. 

Besøk samlingen virtuelt

Har du ikke anledning til å besøke museet, eller foretrekker du uansett å utforske Samlingen hjemmefra? Opplev samlingspresentasjonen virtuelt her:

• Samlingspresentasjonen første etasje. 

• Samlingspresentasjonen første etasje: Gipsrommet. 

• Samlingspresentasjonen andre etasje del 1. 

• Samlingspresentasjonen andre etasje del 2. 

Nasjonalmuseets digitale samling

Utforsk dine favoritter og lag egne samlinger blant over 47 000 kunstverk og objekter fra Nasjonalmuseets samling. Se de digitaliserte verkene fra samlingen her. 

Kreditering av digitale installasjoner og lydproduksjoner

Alle utstillinger i perioden

1. Samlingen

Type: Fast utstilling / museets hovedsamling
Når: Hele perioden, 11. juli–10. oktober 2026
Sted: Nasjonalmuseet, Brynjulf Bulls plass 3
Billetter: Kjøp inngangsbillett

Samlingen er museets store, faste fortelling. Her møter du kunst, arkitektur og design i lange historiske linjer, fra eldre verk og nasjonale ikoner til moderne og samtidige uttrykk. Den passer både for førstegangsbesøkende og for dem som vil sette sommerens midlertidige utstillinger inn i sammenheng.

Utstillings-/samlingslenke: Samlingen

2. Søylerommet. 2025—2026

Type: Samlingsbasert / midlertidig presentasjon
Når: 2025–2026, tilgjengelig i perioden
Sted: Nasjonalmuseet
Billetter: Kjøp inngangsbillett

Søylerommet. 2025—2026 viser verk fra The Fredriksen Family Collection og kretser rundt fragmentering som både tematikk og kunstnerisk metode. Utstillingen omfatter blant andre Firelei Báez, Louise Bourgeois, Mark Bradford, Roni Horn, Simone Leigh, Wangechi Mutu, Shahzia Sikander og Sarah Sze.

Dette er en av de utstillingene som belønner langsom lesning: rommet samler kunst som arbeider med brudd, spor, erindring, materialitet og kropper i endring. Den fungerer godt som en overgang mellom museets faste samling og de mer tematiske sommerutstillingene.

3. Kopiens verdi

Type: Midlertidig utstilling
Når: 16. januar–11. oktober 2026
I brukerens periode: Hele perioden, til og med 10. oktober; utstillingen stenger dagen etter
Sted: Nasjonalmuseet, Galleri grafikk og tegning
Billetter: Kjøp inngangsbillett

Kopiens verdi undersøker kopiering ikke som ren etterligning, men som øvelse, analyse, kunnskapsoverføring og kunstnerisk motor. Utstillingen vises i Galleri grafikk og tegning og omfatter blant annet sjeldnere vist kunst- og arkivmateriale fra 1800-tallet, miniatyrer, grafiske arbeider, malerier og marmorskulpturer.

Dette er en utstilling for alle som er opptatt av hvordan kunstnere lærer: gjennom å se, tegne, gjenta, oversette og forvandle. Den er særlig relevant å kombinere med samlingens grafikk- og tegningsspor.

4. BOOM!

Type: Midlertidig arkitekturutstilling
Når: 8. mars–9. august 2026
I brukerens periode: 11. juli–9. august 2026
Sted: Nasjonalmuseet – Arkitektur, Bankplassen 3
Billetter: Se arrangements-/utstillingssiden og inngangsbillett

BOOM! vises på Nasjonalmuseet – Arkitektur og markerer at arkitekturarenaen er tilbake etter rehabilitering. Utstillingen varer til 9. august 2026, og i sluttfasen inngår også familiearrangementet «Barna bestemmer!».

Dette er utstillingen du bør prioritere tidlig i perioden, fordi den avsluttes allerede 9. august. Den er særlig relevant for familier, arkitekturinteresserte og alle som vil oppleve museets arkitekturavdeling på Bankplassen.

5. Wenche Selmer. Hva kan du unnvære?

Type: Midlertidig utstilling
Når: 7. mai–4. oktober 2026
I brukerens periode: 11. juli–4. oktober 2026
Sted: Nasjonalmuseet, Lyshallen
Billetter: Kjøp inngangsbillett

Wenche Selmer. Hva kan du unnvære? løfter frem arkitekten Wenche Selmers nøkterne, stedstilpassede og materialbevisste arkitektur. Nasjonalmuseets omtale peker på hytta som mer enn en bygningstype: den er både oppgave, ideal og metafor. I Lyshallen kan publikum blant annet oppleve et fullskala Strandhus som man kan gå inn i.

Utstillingen stiller et enkelt, men ubehagelig presist spørsmål: Hva trenger vi egentlig? I en tid med overforbruk og arealpress kan Selmers små bygg leses som både arkitekturhistorie og samtidskritikk.

6. Ikke vær redd. En utstilling om døden

Type: Midlertidig utstilling
Når: 7. mai–6. september 2026
I brukerens periode: 11. juli–6. september 2026
Sted: Nasjonalmuseet, Lyshallen
Billetter: Kjøp inngangsbillett

Ikke vær redd. En utstilling om døden spør om kunsten kan hjelpe oss å forstå døden. Utstillingen samler nær 100 verk og objekter fra ulike perioder, med navn som Sverre Fehn, Nan Goldin, Utagawa Hiroshige, Gustav Vigeland, Sandra Mujinga og Adolph Tidemand, i tillegg til gjenstander som urner og sarkofager.

Dette er en av sommerens mest eksistensielle museumsopplevelser. Den passer ikke bare for kunsthistorisk interesserte, men også for dem som vil bruke museet som rom for ettertanke, samtale og stillhet.

7. Asta Nørregaard. Sannhet og skjønnhet

Type: Midlertidig utstilling
Når: 28. mai–18. oktober 2026
I brukerens periode: Hele perioden
Sted: Nasjonalmuseet, 1. etasje
Billetter: Kjøp inngangsbillett

Asta Nørregaard. Sannhet og skjønnhet er en større presentasjon av Asta Nørregaard, med rundt 50 verk fra 1870- til 1920-årene og særlig tyngde på 1880- og 1890-tallet. Utstillingen vektlegger portretter, pasteller, skisser, religiøse motiver, interiører og Nørregaards interesse for drakt og mote.

Dette er en nøkkelutstilling i perioden. Nørregaard trer frem som mer enn en kunstner “ved siden av” den etablerte kanon: Hun blir en egen inngang til modernitet, kvinnelig profesjonalitet, portrettkunst og kunstnerisk selvbevissthet.

8. Maleri̶n̶n̶e̶

Type: Midlertidig utstilling
Når: 8. oktober 2026–7. februar 2027
I brukerens periode: 8.–10. oktober 2026
Sted: Nasjonalmuseet, Lyshallen
Billetter: Kjøp inngangsbillett

Maleri̶n̶n̶e̶ åpner helt på tampen av perioden, 8. oktober. Utstillingen handler om kvinnelige malere som ikke som unntak, men som sentrale aktører i Europas kunstliv.

For besøkende 8.–10. oktober blir dette periodens store nyåpning. Den kan med fordel sees i sammenheng med Asta Nørregaard-utstillingen, som fortsatt står til 18. oktober.

Beste besøksstrategi i perioden

For én museumsdag i juli: Start med Asta Nørregaard, gå videre til Ikke vær redd og Wenche Selmer i Lyshallen, ta en pause i samlingen, og avslutt med Kopiens verdi. Familier bør legge inn Lag en sommerskissebok eller Urskogen Silva dersom datoen passer.

For august: Prioriter BOOM! før 9. august, og få med deg overgangen fra sommerprogram til høstens mer faglige arrangementer: dødskafé, kuratoromvisning, J.C. Dahl-miniseminar og flere Asta Nørregaard-dypdykk.

For september: Dette er den mest formidlingsrike måneden. Asta Nørregaard-programmet fortsetter, Wenche Selmer-introduksjonene går mot slutten, og ICOM-CC bringer et internasjonalt konserveringsfaglig miljø til Oslo.

For 8.–10. oktober: Dette er en sterk “åpningshelg” for Maleri̶n̶n̶e̶, samtidig som Asta Nørregaard fortsatt står og Kopiens verdi er inne i sin siste helg. Det gjør disse dagene til en spesielt god anledning for et besøk med vekt på kunsthistorie, kjønn, maleri og kunstnerisk opplæring.

Billettlenker samlet

• Generell inngang: Kjøp inngangsbillett til Nasjonalmuseet

• Program og arrangementer: Hva skjer?

• Familieaktiviteter og verksted: Aktiviteter

• Samlingen: Utforsk samlingen

• Nasjonalmuseet – Arkitektur: BOOM! og Barna bestemmer!

Åpningstider

Opening hours this week

Sunday, monday, thursday and friday10–17

Tuesday and wednesday10–20

Saturday10–16

Kilde: Nasjonalmuseet

Tekst: Nasjonalmuseet

Astrup Fearnley Museet

Adresse: Strandpromenaden 2, Tjuvholmen, Oslo.

Åpningstider: Tirs–ons–fre 12:00–17:00, tor 12:00–19:00, lør–søn 11:00–17:00 (man stengt)afmuseet.no.
Billett: Vanlig museumsbillett (kjøpes på nettet via TicketCoafmuseet.no) gir adgang til alle utstillinger.

Flere av familierettede aktiviteter er gratis (se nedenfor), mens noen arrangementer krever påmelding eller medlemskap. Medlemmer har fri entré og får invitasjoner til åpninger og egne arrangementer.

Vi ser frem til å se deg på museet!

Utstillinger ved Astrup Fearnley i 2026

Til 4. januar 2026 — Lutz Bacher: Burning the Days
Denne utstillingen gikk inn i 2026 fra høsten 2025 og ga Oslo-publikummet den første posthume surveyutstillingen av den amerikanske kunstneren Lutz Bacher. Museet og WIELS presenterte den som en stor gjennomgang av fem tiår med kompromissløs kunst, der fotografi, skulptur, video og installasjon bindes sammen av et skarpt blikk for seksualitet, vold, humor, politisk paranoia og flytende identitet. Oppbyggingen var bevisst ikke rent kronologisk, men assosiativ, i tråd med et kunstnerskap som hele tiden glapp unna faste kategorier.

Gjennom 2026, til 30. desember — Astrup Fearnley Collection
Samlingen er museets bærende visning gjennom hele 2026. Den nåværende presentasjonen løfter fram verk kjøpt inn de siste fem årene, side om side med kjente arbeider, og viser hvordan museet både utvider og fordyper samlingen sin. Blant verkene som trekkes fram er nyanskaffelser av Nina Beier, Julia Rommel, Kara Walker, Robert Grosvenor og Klara Lidén, satt inn i nye sammenhenger for å åpne nye lesninger i stedet for å fungere som en fast, urørlig basisutstilling.

6. februar–10. mai 2026 — Grammars of Light
Dette er en av Astrup Fearnleys viktigste utstillinger i 2026: en trekunstnerutstilling med Cerith Wyn Evans, Ann Lislegaard og P. Staff. Utstillingen undersøker lys som kunstnerisk medium, ikke bare som belysning, gjennom immersive installasjoner, storskala video, neon og gjenbrukte lyskilder som påvirker hvordan man beveger seg og sanser i rommet. Museet plasserer prosjektet både i forlengelsen av lyskunstens historie og i et mer åpent, sanselig og tankevekkende felt der grensene mellom inne og ute, kropp og rom, blir mindre stabile.

12. juni–11. oktober 2026 — Beatriz González
Sommerens og høstens store utstilling er en retrospektiv over Beatriz González med mer enn 150 verk fra 1960-tallet og fram til i dag. Astrup Fearnley beskriver den som både visuelt kraftfull og politisk skarp: González bruker funne bilder fra kunsthistorie, aviser og trykkultur til å undersøke vold, smak, makt, fordrivelse og hvordan bilder former offentlig bevissthet. Utstillingen er tydelig forankret i Colombia, men peker også langt utover den konkrete konteksten og treffer en global samtid.

27. november 2026–14. mars 2027 — Pushwagner
Sent på året åpner museet en stor Pushwagner-utstilling. Her går Astrup Fearnley tilbake til sentrale serier fra 1970-, 80- og 90-tallet, og fokuserer på tegning, maleri, grafikk og friser fra de tidlige fasene av kunstnerskapet. Museet framhever hvordan Pushwagner fanget moderne liv, massekultur og dystopiske framtidsbilder i et tegneserieaktig formspråk, samtidig som han pekte på likeretting, teknologisk makt og språklig absurditet. Det understrekes også at dette er den første store museumsutstillingen av Pushwagner i Norge siden han døde.

Arrangementer og program i 2026, kronologisk

8. april, 18:30–19:30 — Grammars of Light: P. Staff & Betzy Bromberg | Cinemateket
Dette er det tydeligste eksterne arrangementet i programmet: en filmvisning på Cinemateket, laget i samarbeid med LUX og tett knyttet til Grammars of Light. Sammenstillingen av P. Staffs La Nuit Américaine og Betzy Brombergs Voluptuous Sleep utvider utstillingens interesse for lys, atmosfære og forholdet mellom ytre og indre verdener inn i et filmatisk rom.

10. april, 17:30–18:15 — Curator walk-through of the Astrup Fearnley Collection | Members
Direktør Solveig Øvstebø tok medlemmer gjennom den aktuelle samlingspresentasjonen med fokus på nyinnkjøpene og museets strategi for å skape nye forbindelser mellom verkene ved hver ny montering. Arrangementet ble holdt på norsk og krevde påmelding.

15. april, 17:00–18:30 — Bingen Bok x Astrup Fearnley Museet
Den andre lesesirkelen med Bingen Bok tok igjen utgangspunkt i The Left Hand of Darkness, denne gangen via Ann Lislegaards Crystal World. Temaet var oversettelse som kunstnerisk og verdensskapende metode, og arrangementet koblet science fiction-litteratur til det fortolkende arbeidet i samtidskunst. Deltakelse kostet 80 kroner og foregikk, som i mars, i utstillingen etter stengetid.

29. april, 18:00–18:45 — Artist on the Collection | Members Only
Camille Norment møtte kurator og publikasjonssjef Steinar Sekkingstad til en samtale om verket Everyting but Noting og andre arbeider i samlingen. Arrangementet ga en mer personlig inngang til samlingen gjennom Norments eget kunstnerskap, særlig hennes idé om «cultural psychoacoustics» og hennes interesse for balanse, forstyrrelse og lydlige erfaringer. Deltakelse var gratis for medlemmer, men krevde registrering.

Astrup Fearnley-samlingen

Astrup Fearnley-samlingen er en av Europas mest omfattende samlinger av internasjonal samtidskunst. 

Kjøp billett Bli medlem

Hans Rasmus Astrup, museets grunnlegger, begynte å kjøpe kunst på 1960-tallet, og helt fra starten av bygget han opp en samling der det var kunstnerskapene som stod i sentrum snarere enn historiske perioder og stiler. Ved hans bortgang i 2021 bestod Astrup Fearnley-samlingen av mer enn 1500 verk, og den blir stadig utvidet med nye innkjøp. Verkene som vises i utstillingen gir et innblikk i en av Nordens mest omfattende samlinger av internasjonal samtidskunst og viser Hans Rasmus Astrups unike bidrag til norsk kunstoffentlighet.

1990-tallet danner et kunsthistorisk omdreiningspunkt i Astrup Fearnley-samlingen. Museet åpnet i 1993, og mange av verkene er laget i og rundt dette tiåret. Flere av kunstnerne fikk sitt gjennombrudd på 1990-tallet og tidlig på 2000-tallet, blant andre Matthew Barney, Paul Chan, Trisha Donnelly, Nicole Eisenman, Ida Ekblad, Félix González-Torres, Rachel Harrison, Damien Hirst, Jeff Koons, Glenn Ligon, Sigmar Polke, Cindy Sherman, Børre Sæthre og Wolfgang Tillmans.

Astrup Fearnley Museet har siden starten vært konsentrert om den til enhver tid kontemporære kunsten, gjennom å følge aktive og aktuelle kunstnerskap fremfor en tilbakeskuende kanonisering av verk fra kunsthistorien. Likevel kan man se at samlingen også gjenspeiler samtidskunsten som periode. Startpunktet for denne epoken tidfestes av noen til 1960-tallet, med oppløsningen av etablerte verkskategorier som maleri og skulptur, til fordel for det idébaserte, flyktige eller performative. Andre oppsummerer samtidskunstens epoke som den internasjonale kunsten etter ca. 1990. Astrup Fearnley-samlingen har hele veien navigert i sin egen samtid, og i dag rommer den sentrale diskurser, tendenser og enkeltverk som med tiden har blitt definerende for denne perioden. I tillegg har museet, med sin geografiske plassering i Norge, naturlig viet norske og nordiske kunstnere en stor plass i fortellingen om den internasjonale samtidskunsten.

I samlingen finner man eksempler på 1970-tallets konseptualisme og institusjonskritikk, 1980-tallets lekne postmodernisme og 2000-tallets norske nykonseptualisme. Fotografiets sterke posisjon gjennom hele denne perioden er en annen rød tråd, i tillegg til utbredelsen av film- og videokunst. Installasjonskunstens gjennombrudd som sjanger kan også knyttes til 1990-tallet – etter at 80-tallets kollaps i kunstmarkedet førte til en fornyet interesse for konseptuell kunst, temporære installasjoner og performance. Samtidig er også maleriet tungt representert, og viser hvordan både abstrakt og figurativt maleri har holdt stand, mens en tiltakende konseptuell tilnærming til maleriet har bidratt til å opprettholde mediets relevans.

Kategoriseringer og gruppering av kunstverk i henhold til ulike medier og uttrykk, er likevel mindre viktig enn å fokusere på samlingens sterke kunstnerskap, og det enkelte kunstverkets
innhold og tematikk. Det sanselige og det kroppslige er tydelig til stede gjennom psykologisk ladede kunstverk med en ofte mørk undertone. På den andre siden er også humoristiske og intellektuelt utfordrende kunstverk til stede i stort monn. Flere verk i utstillingen omhandler personlig og kollektiv identitet, med spørsmål omkring kjønn, seksualitet, etnisitet og kulturell tilhørighet.

Presentasjonen av verk fra Astrup Fearnley-samlingen er ikke strengt organisert, hverken kronologisk eller tematisk. Snarere kan man si at den forsøker å gjenspeile samlingens heterogene natur med sin organiske oppbygging. Hvert rom gir plass for enkeltverk og inviterer til møtepunkter på tvers av generasjoner, nasjonaliteter, medier og uttrykk. Slektskap og affiniteter oppstår mellom ulike kunstnere. Ved å stole på kunstverkenes autonomi i slike sammenstillinger, uten krav om å skulle formidle én kunsthistorisk fortelling eller overordnet tematisk ramme, oppstår en pluralitet og porøsitet; mellom verkene, og gjennom presentasjonene av dem. 

Med utgangspunkt i grunnlaget som ble lagt allerede på slutten av 1960-tallet, og ved å følge utviklingen av Astrup Fearnley-samlingens profil, erfarer man at mange av verkene som ble laget og innkjøpt tidlig i museets historie fremstår minst like relevante i dag. Det viser at det finnes en tidløs nerve i samtidskunst. Verk som er laget med utgangspunkt i en spesifikk historisk situasjon får en fornyet aktualitet i lys av vår tids estetiske, sosiale og politiske kontekst.

Astrup Fearnley Museet har siden etableringen vært sentral i utviklingen av samtidskunsten i Norge og Norden. Museet er i dag en uavhengig institusjon med en offentlig rolle, og drives etter samme modell som flere sammenlignbare internasjonale museer, som alle har startet som private initiativer. I norsk sammenheng har museet en viktig institusjonell posisjon som et samlende museum viet kunsten som lages i dag. Slik bidrar institusjonen både til å bevare dagens kunstproduksjon for ettertiden, og til en videreutvikling av kunstfeltet gjennom sitt temporære program.

Da Hans Rasmus Astrup gikk bort, ble både hans kapital og samling generøst donert til den ideelle Stiftelsen Hans Rasmus Astrup, som nå driver museet. Med dette står museet rustet til å fortsette det arbeidet som Astrup initierte, og å videreutvikle institusjonen som en inkluderende møteplass mellom kunst og mennesker.

            «Det er viktig at kunsten ikke blir lukket inne.
Den må vises og oppleves. Vi må lære av den.»
– Hans Rasmus Astrup

Se hva som skjer av aktuelle arrangementer på museet i nærmeste tid:

Astrup Fearnley Samlingen

Parallelt med de temporære utstillingene vises alltid et utvalg verk fra Astrup Fearnley Samlingen i bygning 2. Her skjer det stadig nymonteringer, så om du har besøkt samlingen tidligere vil du likevel kunne oppleve helt andre verk ved et nytt besøk.

Fundamentet for Astrup Fearnley Museet er samlingen, som er en av Norges mest omfattende private samlinger av internasjonal samtidskunst. Astrup Fearnley Samlingen dateres fra 1960-tallet og har siden da konsentrert seg om individuelle verk og kunstnere fremfor retninger eller historiske perioder.

Samlingen består av kunstnere som har skapt et eget visuelt språk med bilder og objekter av stor originalitet og kvalitet og som slik har hatt stor betydning for utviklingen av den internasjonale samtidskunsten de siste femti årene. Frem til 1990-tallet var disse kunstnerne ofte basert i Europa og USA. Vi finner derfor sentrale verk av blant andre Cindy Sherman, Jeff Koons, Richard Prince, Damien Hirst og Anselm Kiefer i samlingen. På 2000-tallet har samlingen konsentrert seg om yngre amerikanske samtidskunstnere, de siste årene med kunstnere som Ryan Trecartin / Lizzie Fitch, Trisha Donnelly, Frank Benson og Juliana Huxtable. I dag er de mest innovative kunstnerne like gjerne fra Kina, Thailand, India og Brasil, som New York eller London. Utvalget reflekterer denne globale kunstvirkeligheten og inkluderer verk av blant andre Cao Fei, Korakrit Arunanondchai, Subodh Gupta og Thiago Martins de Melo. I sin helhet reflekterer samlingen det mangfoldet som har dominert kunsten de siste femti årene. Mange av verkene har en figurativ og narrativ karakter der kunstnerne problematiserer vår samtid og vår virkelighet i form av visuelle kommentarer, på en tilgjengelig og spektakulær måte – ofte med en sterk samfunnskritisk undertone.

Astrup Fearnley Samlingen består av i underkant av 1500 kunstverk hvor et stadig skiftende utvalg vises for publikum. Snakk med en av våre kunnskapsrike museumsverter som gjerne forteller deg mer om kunsten!

Her finner du museet:

Strandpromenaden 2, 0252 Oslo

shop@afmuseet.no
+47 22936019

I 2026 løfter utstillingen "Tråder i tid – Fra Riksteppene til Kongeteppet" i Dronning Sonja KunstStall fram den norske billedvevtradisjonen.

Mens andre europeiske kongehus på 1600-tallet bestilte store, fabrikkproduserte gobeliner fra steder som Paris, forteller Slottets samling en annen historie. Den består av vevnader fra fremstående norske kunstnere og håndverkere, preget av den nasjonale husflidsånden, lokal ull og plantefarging. Denne arven representerer et unikt stykke norsk kunst- og kulturhistorie som ikke har vært vist i et slikt omfang tidligere. Flere av vevnadene er til daglig en del av private interiører og vises nå for aller første gang i en offentlig sammenheng.

Utstillingen løfter fram kjente og ukjente kunstnere og håndverkere. Gjennom grundige undersøkelser av arkiver og regnskaper har det vært mulig å identifisere flere viktige mønstertegnere som Marie Karsten og Annette Schirmer, samt dyktige vevere som Karen og Ragnhild Prestgard, Ulrikke Greve og Karen Meidell.

Prestgard-søstrene, som farget garnet selv med vekster fra naturen, og Meidell, som leverte en rekke arbeider direkte til Dronning Maud, er viktige representanter for det høye håndverksmessige nivået som preget perioden. Utstillingen viser hvordan disse kvinnene kombinerte det tekniske med en ideologisk holdning forankret i norsk natur og tradisjon.

For mange vil Riksteppene være utstillingens absolutte høydepunkt. Disse monumentale verkene, vevd under ledelse av Frida Hansen etter tegninger av Gerhard Munthe, vant gullmedalje under verdensutstillingen i Paris i 1900. I utstillingen blir teppene vist sammen med Gerhard Munthes versjoner, som for anledningen er lånt inn fra Norges Handelshøyskole / Villa Stupet i Bergen og Trondheim Kunstmuseum. Riksteppene hang i mange år i Slottets øvre vestibyle som et nasjonalt symbol, men ble tatt ned for å bevares for ettertiden. Nå gjøres de igjen tilgjengelige for publikum.

Utstillingen Tråder i tid spenner fra 1890-tallets renessanse for billedvev med motiver fra sagn og middelalder, og helt frem til fredstiden etter andre verdenskrig.

Type arrangement:

Utstilling

Sted:

Dronning Sonja KunstStall

Utstillingsperiode

13. feb. - 6. des. 2026

Priser:

Voksen:

140,-

Student:

70,-

Barn (6-17):

70,-

Barn (0-5):

Gratis

Familiebillett (2 voksne og inntil fem barn):

350,-

Lukkede grupper inntil 25 personer:

3500,-

Se tilgjengelige billetter

"Mother Maiden Muse" is a solo art exhibition by Swedish artist Mildred Kärkkäinen Gaenger, running from July 2 to August 8, 2026

Artist & Exhibition Details

• The Artist: Mildred Kärkkäinen Gaenger (born 1999 in Stockholm) is an Oslo-based contemporary painter.

• Her Style: She primarily works with oil paint on canvas and transparent surfaces. Her pieces utilize a figurative visual language to explore memories.

• The Venue: Christian Torp Gallery is a contemporary art gallery in Oslo that highlights up-and-coming and established regional talent.

CHRISTIAN TORP

Skovveien 13
0257 Oslo

mail@christiantorp.com
+47 40 33 99 22

Opening hours:

The gallery will be closed for summer

Please reach out for enquiries or an appointment

Instagram

HM Queen Sonja , Lars Lerin, Emma Nishimura , Håvard Homstvedt , Magne Furuholmen , Kjell Nupen , Ørnulf Opdahl

This summer we mark the 15th year Anniversary of the Queen Sonja Print Award with a special exhibition celebrating the artistic collaborations that have shaped the Foundation, and the artists behind them.

We warmly invite you to join us at Operagata 63B, 0194 Oslo, whether you are a returning guest or visiting us for the first time.

Summer opening hours:

Wednesday - Friday: 12:00-17:00
Saturday- Sunday: 12:00-16:00

QSPA Collaborations15th Anniversary Exhibition

28 May - 5 September 2026

Marking fifteen years since its founding in 2011, Queen Sonja Print Award presents a summer exhibition dedicated to the collaborative projects that have shaped its development. Bringing together works created in close dialogue with invited artists, the exhibition highlights collaboration as both a working method and a central value within the award. 

At the core of these collaborations is HM Queen Sonja’s own artistic practice. Working closely with each invited artist, she engages in a shared process where ideas, techniques, and visual languages are exchanged and developed over time. Her sustained commitment to printmaking forms a continuous thread throughout the projects, connecting them across years and contexts. 

The exhibition traces these  artistic encounters over time. In printmaking, collaboration is often integral to the process, bringing together different perspectives and ways of working. Within the framework of  Queen Sonja Print Award, these exchanges have also played an important role in strengthening the foundation and expanding its reach. 

The point of departure is  Three Journeys – Three Landscapes  (2011), created in collaboration with  Kjell Nupen  and  Ørnulf Opdahl. The project explores landscape through three distinct artistic approaches, where differences in expression create a broader, shared reflection on nature as both subject and source of inspiration. 

This was followed by  Texture  (initiated in 2014), developed with  Magne Furuholmen. Here, the collaboration centres on the relationship between image and text. Visual forms and written elements interact across the surface, creating layered compositions where meaning shifts between what is seen and what is read. 

In  Branches (2018), created with  Emma Nishimura, a recipient of the Queen Sonja Print Award, the focus turns to themes of memory and continuity. The combination of organic forms and the recurring  furoshiki  motif introduces a dialogue between nature and personal history, suggesting what is held, preserved, and passed on. 

Mellom rom  (initiated in 2022), realised with  Håvard Homstvedt, looks inward. The collaboration focuses on the details of domestic space, where subtle displacements and reworkings shift how we recognise and read familiar surroundings. Fragments are isolated and recomposed, allowing everyday interiors to emerge with a heightened sense of presence and ambiguity. 

Project: Lofoten  (2022), developed with  Lars Lerin, moves in the opposite direction, towards the openness of landscape. Rather than structure, it emphasises sensation: light, weather, and atmosphere unfolding through soft transitions of colour. The works linger on fleeting conditions, where perception is shaped as much by mood as by form. 

Together, these projects show how collaboration can expand artistic practice while also contributing to a wider context. Each represents a significant investment of time, knowledge, and shared commitment to printmaking, and has been generously donated in its entirety. All proceeds from their sale go directly to supporting  Queen Sonja Print Award  and its prizes. 

As such, the exhibition not only celebrates fifteen years of artistic exchange but also highlights collaboration as a continuing force, one that supports both the development of the award and the future of printmaking. 

The Queen Sonja Print Award

QSPA Bispevika

The Queen Sonja Print Award exhibition space is centrally located in Bjørvika, the rising cultural hub of Oslo. Surrounded by architectural masterpieces like MUNCH, Vannkunsten, and the Deichmanske public library, this part of Bjørvika has become a trendy and stylish residential area where small cafes, bars, restaurants and galleries lay side by side.

The opening of the QSPA exhibition space in spring 2021 was an important milestone on the foundation's mission to raise public awareness of and interest in graphic art. By creating a meeting place that offers unique and high-quality fine art prints, the exhibition space highlights the excellence that exists in fine art printmaking today and makes it more available to people. We see it as the epicentre for graphic art, and a window for the world to witness the greatness of this genre. 

The QSPA exhibition space hosts selected pieces by recipients of the Queen Sonja Print Awards and various artists from around the world, in addition to some of HM Queen Sonja’s own work. The foundation's association with the best artists and their works, makes it possible for the exhibition space to host events and exhibitions of high quality and international magnitude.

OPERAGATA 63B, 0194 OSLO

OPENING HOURS OR BY APPOINTMENT:

WED-FRI: 12 - 17

SAT-SUN: 12 - 16

PROGRAM OSLO KUNSTFORENING

Utstillingsperiode: 28.09.—29.10.2023

Samoa Rémy – Nearing Towards the Edge of the World

Sted Oslo Kunstforening

Arrangement av Oslo Kunstforening

Varighet: 2 t

Oslo Kunstforening ønsker velkommen til utstillingen ‘Nearing Towards the Edge of the World’ med arbeider av Samoa Rémy.

Samoa Rémy er født i Mendrisio, Sveits, i 1974 og har hatt base i Oslo de siste 20 årene. Hun er utdannet fra Statens håndverks- og kunstindustriskole og Statens kunstakademi i Oslo, samt kunstakademiet i Firenze. Hun avslutter for tiden sin PhD i kunstnerisk praksis ved Kunsthøgskolen i Oslo, avdeling Kunst og håndverk, med tittelen Layers of darkness and light. Arbeidene som vises i utstillingen er en videreføring av dette prosjektet.

Rémy har gjennom mange år samlet visuelt materiale, først og fremst illustrasjoner fra eldre vitenskapelige bøker, som hun bearbeider på ulike måter. Serien Oscillations Between the Very Far and the Very Close, I-VIII (2023), består av åtte store billedtepper i ull, laget ved bruk av digital vev. De vevde bildene viser forstørrelser av vitenskapelige og kosmologiske illustrasjoner, der hun har fjernet vitenskapelig informasjon som tekst, målinger og tall. I stedet ønsker hun at de monumentale tekstilarbeidene skal appellere til en kroppslig erfaring.

I tillegg vises to skulpturelle installasjoner. Zeitbild (2021-2023) består av store aluminiumsrelieffer på forkullede kryssfinerplater, med bivoks og kadmiumrødt pigment, plassert på to sengeliknende jernrammer. Arbeidene er inspirert av metoder fra alkymien, og undersøker den dynamiske interaksjonen mellom materialer. Gjennom bruk av ekstrem varme endres metallets karakter fra fast til flytende, og treverket begynner å brenne i det øyeblikket smeltet metall treffer finerplaten. Ametriton (2020-2023) består av fire bronseskulpturer og tre negative former i tre, integrert i et bord av bøk, med bivoks og blått pigment. Bronseskulpturene er skapt ved samme prosess som i Zeitbild.

/////

Oslo Kunstforening is pleased to welcome you to the opening of the exhibition Nearing Towards the Edge of the World with works by Samoa Rémy, Thursday 28 September at 18-20. Former Director of Oslo Kunstforening, Marianne Hultman, who initiated this collaboration, will open the exhibition.

Samoa Rémy was born in 1974 in Mendrisio, Switzerland and has been based in Oslo for more than twenty years.Rémy holds a master’s degree in printmaking from the Art and Design department, the Oslo National Academy of the Arts from 2002, and she was an exchange student at the National Academy of Fine Arts, Oslo from 1997 to 1999. Remy also undertook a MFA from the Academy of Fine Arts, Florence, Italy in 1999. Remy is currently a PhD fellow in artistic practice at the Department of Art and Craft at KHiO, undertaking a project titled Layers of Darkness and Light. The works shown in this exhibition are a continuation of her PhD project.

Rémy states that “the exhibition deals with the gap between the known and the unknown, between the measured and the unmeasured, the very close and the very far, between darkness and light”.

Rémy has for several years collected existing visual material, primarily illustrations from old scientific books. Oscillations Between the Very Far and the Very Close, I-VIII (2023), is made up of eight large-scale woven pictures showing enlargements of specific scientific and cosmological illustrations. Rémy has de-contextualised these images by erasing all information, such as text, measurements, and numbers, stripping them of all scientific utility. Instead, Rémy wants the works to appeal to human experience and sensation: “by juxtaposing representations belonging to disparate disciplines, a new narrative comes to life” she explains. In addition, two sculptural installations are being presented.

Åpningstider
Tir—søn 12—16
Man stengt

Fri entré

2.etasje
Rådhusgata 19
0158 Oslo
post(at)oslokunstforening.no
Tlf 22 42 32 65

Sparebankstiftelsen DNBs stipendutstilling 2023
16.11.2023—21.01.2024

Oslo Kunstforening har gleden av å presentere de tre kunstnerne som er nominert til Sparebankstiftelsen DNBs stipendutstilling 2023.

Disse er:

Damien Ajavon, Kåre Aleksander Grundvåg og Linda Lamignan.

Utstillingen vil åpne i Oslo Kunstforening 16. november 2023. Mottaker av stipendet på 200.000 NOK vil bli annonsert i et eget arrangement i løpet av utstillingsperioden.

Utstillingen, som vil være den sekstende i rekken, er en begivenhet som gjennom årenes løp er blitt en viktig institusjon i kunst-Norge. 21 kunstnere har så langt mottatt stipend, og 72 kunstnere har deltatt i utstillingen. Nominering og juryering gjøres av en fagjury.

Oslo Kunstforening er stolte av sitt mangeårig samarbeid med Sparebankstiftelsen DNB om den årlige utstillingen, som er mer enn en konkurranse om et stipend. Utstillingen holder hvert år et høyt faglig nivå og løfter frem aktuelle kunstnerskap, både etablerte og nyere, til en bredere offentlighet.

Årets tre utstillere representerer ulike praksiser og jobber i forskjellige uttrykk som strekker seg fra tekstil til video, performance og skulptur, men juryen ser likevel flere overlappende orienteringer og interessefelt.

Juryleder, billedkunstner Elise Storsveen sier:

«Et fellestrekk er en orientering om spørsmål knyttet til opprinnelse, økologi og historiefortelling, og hvordan tradisjonell kunnskap og håndverk kan leses i en samtidig kontekst. Juryen har stor tro på at også årets utstilling vil både utfordre oss som betraktere og utvide våre perspektiver».

Anders Bjørnsen, leder av Kunst og Kultur i Sparebankstiftelsen sier om samarbeidet med Oslo Kunstforening om prisutstillingen:

«Sparebankstiftelsen DNB er stolte over å samarbeide med Norges første kunstinstitusjon, og Sparebankstiftelsen DNBs kunststipend har gradvis bygget seg opp til å bli et av Norges viktigste og mest prestisjefylte stipend. Vi ser det som viktig å støtte denne utstillingen og de kunstnerskapene som presenteres».

Om kunstnerne:
Damien Ajavon er født 1990 i Paris og av senegalesisk og togolesisk opprinnelse, bosatt i Oslo. Ajavon går siste året ved tekstilavdelingen på Kunsthøgskolen i Oslo og som skeiv afropeer er de opptatt av forholdet mellom ulike håndverkstradisjoner. Ajavon bruker møtet mellom sin afrikanske og vestlige bakgrunn som et verktøy for historiefortellinger og utforskning.

Kåre Aleksander Grundvåg er født 1984 i Tromsø, hvor han bor og arbeider. Grundvåg er utdannet ved Kunstakademiet i Tromsø og er i dag stipendiat i kunstnerisk utviklingsarbeid ved samme sted. Gjennom ulike skulpturelle grep og prosessbaserte prosjekter utforsker Grundvåg en ikke-menneskelig arkitektur. Materialeksperimentering, bio-mimetikk og tradisjonell kunnskap inngår som elementer i praksisen, med kystlandskapet i Nord-Norge som referanseramme.

Linda Lamignan er født 1988 i Stavanger og bor og arbeider i København. Lamigan er udannet ved Kunstakademiet i Oslo og ved Det kongelige Danske Kunstakademi i København. I performance, objekter, video og musikk undersøker Lamignan blant annet hvordan opplevelsen av å flyte mellom ulike verdener knyttes sammen med diaspora, landskaper og kulturelle forhold relatert til Vest-Afrika og Skandinavia.

Årets fagjury ble nedsatt i 2022 og består av
Elise Storsveen, billedkunstner (juryleder)
Pedro Gómez-Egaña, billedkunstner og professor ved Kunsthøgskolen i Oslo
Sandra Mujinga, billedkunstner og musiker
Axel Wieder, direktør Bergen Kunsthall
Elisabeth Byre, kunstnerisk leder Oslo Kunstforening

Nominering
Jurymedlemmene nominerer tre kunstnere hver som blir invitert til å sende inn en portfolio. Det eneste faste kriteriet er at kunstnerne skal ha en tilhørighet til Norge, enten i form av bosted eller at vedkommende er norsk statsborger. Av til sammen femten kunstnere blir tre valgt ut til å delta i stipendutstillingen. Mottaker av stipendet på 200.000 NOK annonseres på et eget arrangement i løpet av utstillingsperioden.

Sparebanken DNBs stipendutstilling 2022
Fjorårets utstillere var Kim Hankyul, Lesia Vasylchenko og Jacky-Jaan Yuan Kuo. Hankyul ble tildelt stipendet på 200.000 NOK for verket AV-Buddha. Dette verket ble innkjøpt av Astrup Fearnley-samlingen. Juryen bestod av Elise Storsveen, Behzad Farazollahi, Mike Sperlinger, Randi Grov Berger og Marianne Hultman/ Elisabeth Byre (perioden 2018-2022).

Den årlige stipendutstillingen har blitt arrangert av Oslo Kunstforening siden 2008 med støtte fra Sparebankstiftelsen DNB. Tidligere stipendmottakere er Kim Hankyul (2022), Anne Haugsgjerd (2021), Berivan Erdogan, Hanni Kamaly og Kjetil Skøien (2020), Germain Ngoma (2019), Eirik Sæther (2018), Emilija Škarnulytė (2017), Tor Børresen (2016), Andrea Bakketun og Christian Tony Norum (2015), Ingrid Lønningdal (2014), Sandra Mujinga (2013), Marie Buskov (2012), Kaia Hugin (2011), Ann Cathrin November Høibo (2010), Ignas Krunglevičius (2009) og Ellisif Hals og Susanne Skeide (2008).

Foto: Mike Dhondt / Kåre Grundvåg / Luna Stage

LØRDAG 4. MARS 2023 KL. 15:00–16:00

Kunstnersamtale med Elisabeth Haarr og Marianne Hurum

Sted: Oslo Kunstforening

Arrangement av Oslo Kunstforening

Velkommen til kunstnersamtale og omvisning i utstillingen med Marianne Hurum og Elisabeth Haarr, lørdag 4. mars kl. 15-16 på Oslo Kunstforening. Gratis inngang. Utstillingen åpner torsdag 2. mars kl. 18-20.

I år er det 50 år siden Elisabeth Haarr (f.1945) hadde sin første separatutstilling i Oslo – og den fant sted i Oslo Kunstforening. Som en del av programmeringen hvor vi ser på vår egen utstillingshistorikk, er Elisabeth Haarr igjen invitert til å stille ut, denne gangen sammen med billedkunstner Marianne Hurum (f.1978).

Elisabeth Haarr sitt kunstnerskap har i over fem tiår vært i kontinuerlig utvikling. I sine arbeider, som oftest tekstil, har hun utforsket nye materialer, tematikker og formater. I tillegg går et sterkt kunstpolitisk, feministisk og samfunnsmessig engasjement som en rød tråd gjennom karrieren. Derfor har Haarr klart å holde sin posisjon som en av de sentrale samtidskunstnerne i Norge, senest manifestert i festspillutstillingen i Bergen Kunsthall (2021).

I løpet av de siste årene har Elisabeth Haarr arbeidet sammen med den mer enn tretti år yngre kunstneren Marianne Hurum. Hurum er særlig anerkjent som maler, og har, i likhet med Haarr, også engasjert seg i kunstpolitiske spørsmål og arbeid, blant annet som tidligere styreleder i UKS. Møtene mellom dem tar form i en leken utforskning av akvarellen som et slags kunstnerisk fellesskap. I flere omganger har de malt sammen i Haarrs hage i Kristiansand. Disse verkene bærer vel så mye preg av påbegynte prosesser og dialoger, som av avsluttede, ferdige resultater. Uttrykket på de store, fargerike flatene skiller seg tydelig fra det de lager individuelt.

Oslo Kunstforening ønsker å vise hvordan disse to kunstnerne beriker og påvirker hverandres kunstnerskap. I tillegg til samarbeidsverkene vil de også vise hver sin utstilling i separate rom, også dette er akvarellarbeider.

Tidligere

Her er et arrangement som skjer i februar:

FR. 10. FEB. KL. 18:00

Krabstadt Education Center's Open House Event

Oslo Kunstforening  · Oslo

Arrangement fra Oslo Kunstforening

You are warmly invited to Krabstadt Education Center’s Open House
event at Oslo Kunstforening.

The event starts at 18.00. Performance lecture at 18.30.

Krabstadt is where all the Nordic countries send their unwanted people and problems – different demographics, such as feminists, burned-out artist-teachers/teacher-artists, teachers, emotionally stuck creatures, the long-term unemployed and architects.

Krabstadt is a fictional town in the Arctic created by Ewa Einhorn and Jeuno JE Kim in a transmedia project also including artist/writer Karolin Meunier. Together, they present their most recent collaboration, the Krabstadt Education Center (KEC). The Open House aims to show and expand the wider network of participants that shape KEC.

On Friday February 10 they will introduce the Education Center in an event where you can learn about the school’s different teaching methods, peek inside the fictional classrooms, and watch the documentation of their special online teaching format.

At Oslo Kunstforening the audience will be treated as KEC students to get a taste of what it means to study at their school, and why KEC could be the perfect place of learning. You will be served Indonesian Coffee and German well-being tea from the school’s Stuck Cafeteria, which is central to their learning method and pedagogy. This will be followed by a performance-lecture, that collates different student, teacher and admin voices from the school, and is a textual tour of the school building and facilities.

Krabstadt consists of animated films, digital games, online as well as onsite performances, sculptures in public space, academic texts, and an art school. Krabstadt has now animated its Education Center (KEC) which traverses between being a drawn element in an animated fictional universe and an actual context hosting educational time. It seeks to exchange ideas on teaching methods and attitudes, learning outcomes and activities that are informed by performance, translation, digital and non-digital games.

For further reading visit krabstadt.com

Krabstadt Education Center (KEC) was initiated in 2020 and participated in the Jakarta Biennale 2021: ESOK and guest-edited the Spring 2022 issue of PARSE Journal for Artistic Research.

Karolin Meunier is an artist and writer. Her performance, text and video works observe how access to individual experience is accomplished through cultural techniques. Her research is oriented towards feminist writing strategies, translation processes, learning methods, and the politics of dialogue. She is part of the collective book shop and publisher b_books in Berlin; her artist book on the work of Italian feminist Carla Lonzi is forthcoming in 2023.

Ewa Einhorn is a visual artist and filmmaker working with animation, satirical drawing and documentary formats. She currently teaches at HDK-Valand, Gothenburg University (SE). Influenced by popular culture, her work seeks to unhinge everyday assumptions by misusing language and images. The topics relate to the construction of societies, more specifically the relations between political rhetoric and nations as brands in the Nordic context. Since 2009 she has been working together with Jeuno JE Kim.

Jeuno JE Kim is an artist with a background in feminist theology, music, and radio. Kim’s artistic practice and research focus on sound, performance, video, and text. Her work is influenced by the ongoing modernization in Korea and the Pacific East region, and the urgency of the political, sociological, and cultural issues that permeate this reality such as nationalism, identity construction, and historical narration. Currently, she is the study leader of the BFA School at the Royal Danish Academy of Fine Arts.

KEC is supported by the Nordic-Baltic Mobility Programme for Culture / Network funding by Nordic Culture Point and by the Swedish Research Council

Sparebankstiftelsen DNBs stipendutstilling 2022
18.11.2022 - 29.01.2023

Oslo Kunstforening har gleden av å ønske velkommen til Sparebankstiftelsen DNBs stipendutstilling 2022.

Årets utstillere er de Oslo-baserte kunstnerne Kim Hankyul, Jacky Jaan-Yuan Kuo og Lesia Vasylchenko.

Utstillingen åpnes 18. november kl. 18, og juryleder Behzad Farazollahi annonserer mottakeren av stipendet.

For femtende gang avholdes stipendutstillingen i Oslo Kunstforening, en begivenhet som gjennom årenes løp har blitt en viktig institusjon i kunst-Norge. 18 kunstnere har så langt mottatt stipend, og 69 kunstnere har deltatt i utstillingen. Nominering og juryering gjøres av en fagjury, og prisvinneren blir annonsert på åpningsdagen.

Oslo Kunstforening er stolte av samarbeidet med Sparebankstiftelsen DNB om den årlige utstillingen, som er mye mer enn en konkurranse om et stipend. Stipendutstillingen holder et høyt faglig nivå og løfter frem aktuelle kunstnerskap, både etablerte og nyere, til en bredere offentlighet.

Lørdag 26. november kl. 14 blir det samtale med kunstnerne og jurymedlem Mike Sperlinger, skribent, kurator og professor i skrivepraksis ved Kunsthøgskolen i Oslo.

Nominerte kunstnere
De nominerte i årets utstilling er Kim Hankyul (f. 1990, Sør-Korea), Jacky Jaan-Yuan Kuo (f. 1994, Taiwan) og Lesia Vasylchenko (f. 1990, Ukraina). Til tross for forskjellige tilnærminger, har de til felles at de presenterer sterke samtidsanalyser. Det er et stort spenn i tematikken, fra familiære relasjoner og religiøse ritualer i Jacky Jaan-Yuan Kuos installasjon All the Time, via mediehåndtering og sorgprosesser i lys av Koreakrigen i Kim Hankyuls kinetiske skulptur AV Buddha, til koblinger mellom kjernefysisk teknologi og klima i Lesia Vasylchenkos No One Will Stop The Wind, presentert gjennom skulptur, foto og video.

Videoportrett
I år presenterer vi videoportrett av kunstnerne. Hør Kim, Jacky og Lesia fortelle om arbeidene sine.

Juryen
Juryen for perioden 2018-2022 består av juryleder Behzad Farazollahi, billedkunstner og grunnlegger av MELK, Randi Grov Berger, kurator og leder av Entrée, Marianne Hultman, direktør for Nordnorsk kunstnersenter og tidligere leder av Oslo Kunstforening, Mike Sperlinger, skribent, kurator og professor i skrivepraksis ved Kunsthøgskolen i Oslo og Elise Storsveen, billedkunstner. Elisabeth Byre er ny leder i Oslo Kunstforening og erstattet Hultman som jurymedlem fra august 2022.

Stipendet
Den årlige stipendutstillingen har blitt arrangert av Oslo Kunstforening siden 2008 med støtte fra Sparebankstiftelsen DNB. Tidligere stipendmottakere er Anne Haugsgjerd (2021), Berivan Erdogan, Hanni Kamaly og Kjetil Skøien (2020), Germain Ngoma (2019), Eirik Sæther (2018), Emilija Škarnulytė (2017), Tor Børresen (2016), Andrea Bakketun og Christian Tony Norum (2015), Ingrid Lønningdal (2014), Sandra Mujinga (2013), Marie Buskov (2012), Kaia Hugin (2011), Ann Cathrin November Høibo (2010), Ignas Krunglevičius (2009) og Ellisif Hals og Susanne Skeide (2008).

Les om Sparebankstiftelsen DNB her.

Les om fjorårets stipendutstilling her.

Oslo Kunstforening er støttet av Oslo kommune og Kulturrådet.

Foto: kunstnerne / Oslo Kunstforening

Michael O'Donnell
Look Who's Talking
01.09 - 30.10.2022

Oslo Kunstforening har gleden av å kunngjøre Michael O’Donnells kommende utstilling «Look Who’s Talking»

«Look Who’s Talking» introduserer buktalerens dukke, som i tre videoinstallasjoner opptrer innenfor en flytende identitetsramme; som en uskyldig gutt, en grotesk autoritetsfigur, en spørrende, rolig insisterende stemme, og et annet kjønn. Stemmen gir i sin tur ekko av regjeringens stemme, moralens stemme, Guds stemme. «Look Who’s Talking».

Michael O’Donnells siste solo i Oslo Kunstforening var i 1985.

Foto: Stillbilde fra verket «Right to Remain Silent» av Michael O'Donnell.

Ursula Reuter Christiansen - Jeg er mine billeder – mine billeder er meg

Periode: 29.01. – 27.03.2022

Ursula Reuter Christiansen (f. 1943 i Trier) er en billedhugger og maler som har hatt større delen av sitt kunstneriske virke i Danmark. Hun var svært aktiv i 1970-tallets feministbevegelse og hennes nye arbeider bærer fortsatt preg av hennes sterke politiske engasjement.

Kvinneskikkelsen er sentral i alle arbeidene hennes enten det er maleri, dikt, film eller skulptur. Billedrommet og det virkelige rommet er på mange måter sammenvevd og dette “Gesamtkunstwerk” har vokst så langt inn i livet at man gjerne også kan kalle henne en performancekunstner. Hun sier om seg selv; Jeg er mine billeder - mine billeder er mig.

«Jeg er mine billeder - mine billeder er mig», er Ursula Reuter Christiansens første separatutstilling i Norge. Utstillingen er produsert sammen med Kristiansand Kunsthall og i nært samarbeid med billedkunstner Thorbjørn Reuter Christiansen,

Reuter Christiansens yngste søn.

Mer om utstillingen her https://www.oslokunstforening.no/Ursula-Reuter-Christiansen

Vi spiste, sov og drakk feminisme, med Inge Ås

03.03.2022, kl. 16 – 17

Foredrag med Inge Ås hvor hun forteller om politisk aksjonisme, performance, kunst

og kultur som virkemiddel i 1970- og 80-tallets kvinnekamp.

Fri entré.

Inge Ås er forfatter og Tonje Gjevjon redaktør av «Vi spiste, sov og drakk feminisme», et historisk verk fra en viktig kvinnepolitisk epoke. Boka gir innblikk i flere ukjente, overraskende og ofte morsomme historier fra 1970- og 80-tallet hvor modige aktivister var sentrale i kvinnefrigjøringen.

Foredraget gis i tilknytting til Ursula Reuter Christiansens utstilling «Jeg er mine billeder - mine billeder er meg» som vises på Oslo Kunstforening til og med 27. mars.

Mer om arrangementet her https://www.oslokunstforening.no/Foredrag-med-Inge-As

Mer om utstillingen her https://www.oslokunstforening.no/Ursula-Reuter-Christiansen

Filmvisning på Kunstnernes Hus Kino

16.03.2022, kl. 18 – 19

I forbindelse med pågående utstilling «Jeg er mine billeder - mine billeder er mig» viser Oslo Kunstforening Ursula Reuter Christiansens filmer «Skarpretteren» (1971) og «Den røde skov» (1987) på Kunstnernes Hus Kino.

Det er fri entré til filmvisningen og i forbindelse med fremvisningen vises også en kort introduksjon av kunstneren.

«Den røde skov» og «Skarpretteren» er begge eksempler på kvinnefilmer som med en symbolsk fortellerform nærmer seg et kvinneestetisk formspråk, som stammer fra de kvinnelige billedkunstnernes bevissthet om den nye kvinnekampen.

Mer om arrangementet her https://www.oslokunstforening.no/Filmvisning-

Skarpretteren-og-Den-rode-skov

Mer om utstillingen her https://www.oslokunstforening.no/Ursula-Reuter-Christiansen

En norgeshistorie sett fra kjøkkenbenken, med Maria Berg Reinertsen

24.03.2022, kl. 16 – 17

Forfattermøte med Maria Berg Reinertsen hvor hun forteller om livet til Henriette Schønberg Erken, samfunnsutviklingen på første halvdel av 1900-tallet og jakten på de riktige ingrediensene. En fortelling om matens moral, og dobbeltmoral, i Schønberg Erkens tid og i vår.

Fri entré.

Foredraget gis i forbindelse med Ursula Reuter Christiansens utstilling «Jeg er mine billeder - mine billeder er meg» som vises på Oslo Kunstforening til og med 27. mars og at Ursula Reuter Christiansen i løpet av 2022 kommer å publisere sin egen kokebok.

Mer om arrangementet her https://www.oslokunstforening.no/Forfattermote-Maria-berg-Reinertsen

Mer om utstillingen her https://www.oslokunstforening.no/Ursula-Reuter-Christiansen

Om Oslo Kunstforening

Norges første kunstinstitusjon

Oslo Kunstforenings hovedmål er å støtte norske kunstnere og presentere internasjonale kunstnere som ikke har blitt vist i Norge før. Det har vi gjort de siste 180 årene.

I 1836 ble Oslo Kunstforening stiftet av dikteren J. S. Welhaven, bokhandler Johan Dahl og den senere statsministeren Fredrik Stang med Københavns Kunstforening (1820-tallet), Kunstverein i Dresden (1828) og Düsseldorf (1829) som forbilder.

Oslo Kunstforening ble dannet av det kunstinteresserte publikum for å sikre et fast visningssted for billedkunst i Norge – et par år før Nasjonalgalleriet ble vedtatt etablert. At Oslo Kunstforening aldri har hatt en egen samling som de etterfølgende kunstforeningene skyldes at man ikke ville stå i veien for planene om å etablere et Nasjonalgalleri.

Oslo Kunstforening er en ikke-kommersiell medlemsbasert forening, støttet av Oslo kommune og Kulturrådet. Siden 1986 har OK delt ut et kunststipend, takket være støtte fra Sparebanken Oslo og Akershus. I 2008 startet Sparebankstiftelsen DNB i samarbeid med Oslo Kunstforening å dele ut et stipend til en kunstner valgt gjennom en juryeringsprosess. Stipendet har blitt delt ut til Ellisif Hals og Susanne Skeide (2008), Ignas Krunglevicius (2009), Ann Cathrin November Høibo (2010), Kaia Hugin (2011), Marie Buskov (2012), Sandra Mujinga (2014), Andrea Bakketun og Christian Tony Norum (2015), Tor Børresen (2016), Emilija Škarnulytė (2017) og Eirik Sæther (2018).

Oslo Kunstforening er den eldste kunstinstitusjonen og medlemsorganisasjonen i norsk kulturliv.

Prinsesse Astrid, fru Ferner er Oslo Kunstforenings høyeste beskytter.

Adresse:

Oslo Kunstforening
Rådhusgaten 19
0158 Oslo
Norge

Telefon +47 22 42 32 65
post(at)oslokunstforening.no

Åpningstider
Tirsdag–fredag kl. 12-17
Lørdag–søndag kl. 12-16
Mandag stengt

Administrasjonstid
Mandag–fredag kl. 09:30-17

Følg oss på Facebook >

Følg oss på Instagram >

WEB

Utstillingen Reminisenser er et forsøk på å fremkalle en erindring eller et minne av tidligere opplevelser som har vært eller som ligger i vår underbevissthet. I Danuta Haremskas skjøre papirstrukturer henger dødt liv igjen. Som gjenferd minner de oss om naturens eksistens. Med papirtråd og jutetråd har Haremska flettet, vridd og formet materialene til å ligne røtter, noe som gir ekko til nettopp den opprinnelsen de hadde før de ble omdannet til bruksmateriale. Ved å benytte ukloret og ufarget tråd, henter hun frem noen av de visuelle kvalitetene som trærne og plantene har hatt i sitt tidligere liv. Kan det være at materialene har minne og spor av hva de engang var? 

Haremska er opptatt av det taktile og fysiske møtet med verket, og de tredimensjonale verkene fremstår som et speil som vi kan se oss selv i; et menneske rykket opp fra naturens rytme, og kastet inn i et system. Naturen og menneskelig aktivitet er forbundet sammen, og Haremska spør seg hvordan vi kan være vårt ansvar og vår bruk av naturressurser mer bevisst. Hun velger å se det levende potensialet i materialet, selv når det ser ut til å ha mistet alle andre muligheter enn å utføre den funksjonen det er omformet til å ha for oss mennesker.

OM SOFT GALLERI

SOFT galleri er driftet av Norske tekstilkunstnere (NTK) og åpnet høsten 2006. SOFT galleri viser utstillinger med både medlemmer av NTK og andre norske og utenlandske kunstnere som arbeider med tekstile uttrykk.

Galleriet holder til i første etasje i en forretningsgård oppført i 1898 av arkitekt Carl Michaelsen, sentralt i Kvadraturen i Oslo med nærhet til Akershus festning, Christiania torv, samt en rekke andre utstillingssteder.  

Styret i NTK er kunstnerisk ansvarlig for utstillingsprogrammet på SOFT galleri. Juryeringen er basert på en årlig utlysning av utstillingsplasser som både norske og internasjonale kunstnere kan søke. Galleriet viser åtte utstillinger i året.

Pressevisning og intervju med kunstnerne etter avtale.
Kontakt daglig leder Line Fasteraune, telefon 90 11 54 29 eller dl@softgalleri.no 

BESØK GALLERIET

Adkomst og tilgjengelighet
SOFT galleri har inngang på hjørnet ved Rådhusgata 20 i Oslo. Det er gangavstand fra tog- og bussforbindelser på Oslo S og Bussterminalen. Nærmeste trikkestopp er Dronningens gate og nærmeste busstopp er Kvadraturen. Nærmeste bilparkering er P-hus på Bankplassen. 

Vi har rampe for gjester med lett rullestol, rullator eller barnevogn.

Inngang
Det er gratis inngang på SOFT galleri.

Omvisning
Vi tilbyr omvisninger i alle våre utstillinger. Kontakt oss for avtale.

ÅPNINGSTIDER

Tirsdag – fredag: 12.00 – 17.00
Lørdag – søndag: 12.00 – 16.00

Kontakt

Daglig leder
Line Fasteraune
dl@softgalleri.no
Rådhusgata 20
0151 Oslo

NO: I fjerde etasje av Deichman Bjørvika viser vi Karima Ashadus videoverk «Machine Boys» (2024) gjennom hele sommeren.

EN: On the fourth floor of Deichman Bjørvika Karima Ashadu’s video work "Machine Boys" (2024) will be on display during the summer.

NO: Med «Machine Boys» utforsker Ashadu den uformelle økonomien rundt motorsykkeltaxier – på folkemunne kjent som «Okada» – i megabyen Lagos. For noen år siden ble de forbudt på grunn av myndighetenes manglende evne til å regulere bransjen. Verket skildrer en hardfør gruppe motorsyklister som fortsetter dette ulovlige arbeidet i jakten på økonomisk selvstendighet og uavhengighet. I «Machine Boys» dveler Ashadu ved konsekvensene av dette forbudet, samtidig som hun skildrer de daglige ritualene og utfordringene Okada-sjåførene møter.

«Machine Boys» blir vist i 4. etasje på Deichman Bjørvika, i avdelingen for fremmedspråk.

EN: “Machine Boys” explores the informal economy of motorcycle taxis – colloquially known as “Okada”, in the mega-city of Lagos. Banned a few years ago due to the government’s inability to regulate the industry, the work portrays a hardy group of bikers who continue this illegal work, seeking to attain financial autonomy and independence. In Machine Boys Ashadu dwells on the consequences of this ban, meanwhile portraying the daily rituals and challenges faced by Okada riders.

“Machine Boys” will be on display on the 4th level of Deichman Bjørvika in the section foreign language.

Åpningstider Deichman Bjørvika

Mandag 08:00 - 22:00

Tirsdag 08:00 - 22:00

Onsdag 08:00 - 22:00

Torsdag 08:00 - 22:00

Fredag 08:00 - 22:00

Lørdag 10:00 - 18:00

Søndag 10:00 - 18:00

Ane Hjort Guttu, Gard Frantzsen og Sveinung Unneland

Fra juni og ut 2026 vil Deichman Bjørvika vise tre verk som alle tar opp spørsmål om utdanning, autonomi og demokratisk medbestemmelse. De utgjør et samlingspunkt i 3. etasje, og vil i tillegg romme et samtale- og workshop-program som vil utvikle seg underveis i utstillingperioden.

MANIFEST

Ane Hjort Guttu

Kan studenter og lærere drive en skole sammen, der de både kan lære og lære bort? Kan universitetet være selvorganisert? Kan det være åpent for alle?

I Ane Hjort Guttus Manifest følger vi et lite kunstakademi som blir fusjonert inn i et universitet, som ett av mange institutter i et prestisjetungt nybygg. Med i pakka kommer studiepoengsystemer, digitale læringsplattformer og en spektakulær, men fremmedgjørende arkitektur. Men i hemmelighet bestemmer studenter og ansatte seg for å selvorganisere seg som en uavhengig kunstskole. De lager sine egne utndervisningsprogrammer, de slipper inn «alle i hele verden» på kurs, og de velger sin egen rektor, uten at universitetet vet om det. Til slutt driver de en hemmelig liten skole i skolen.

Manifest er en fiksjonsfilm som ser på hvordan høyere utdanning i stadig sterkere grad defineres av krav til administrasjon og kontroll ovenfra. Hvordan skal man ivareta studentenes og de ansattes selvbestemmelse og kritiske tenkning i et slikt utdanningssystem?

Medvirkende:

Manus/regi: Ane Hjort Guttu

Produsent: Elisabeth Kleppe/Aldeles AS

Skuespillere: Laus Østergaard, Fatou Madeleine Åsbakk, Bjørnar Sira, Terje Nicolaisen, Yamile Calderon, Maiken Håvarstein, Mari Kvien Brunvoll, Annabeth Kolstø

Foto: Patrik Säfström

Klipp: Jon Endre Mørk

Scenografi: Sveinung Rudjord Unneland

Musikk: Mari Kvien Brunvoll

4K video, 27 min. Vises i loop i 3. etasje av biblioteket.

KJØKKENSKULPTUREN

Ane Hjort Guttu/Sveinung Unneland

Skulptur og sosialt prosjekt

Opprinnelig var Kjøkkenskulpturen en rekvisitt i filmen Manifest, og den ble senere tatt i bruk som kjøkken og temporært, mobilt samlingspunkt på Fakultet for Kunst, Musikk og Design i Bergen. Her ble det kjernen i en rekke kunstneriske prosjekter og intervensjoner av studenter og ansatte, der de både tok opp utdanningspolitiske spørsmål og laget mat og kaffe. Slik er Kjøkkenskulpturen tre ting på én gang; Kjøkken, rekvisitt og kunstprosjekt.

Kjøkkenskulpturen ble utviklet av Ane Hjort Guttu og Sveinung Rudjord Unneland, og bygget i samarbeid med studenter på universitetet i Bergen.

Kjøkkenet er stor sett lukket i sommer.

Fra starten av august vil det være åpent på dagtid

hverdager mellom 10-19 og helg 11-17.

Fra høsten vil kjøkkenet aktiveres gjennom blant annet samtaler og verksteder

DET ANTIFASCISTISKE BIBLIOTEKET

Sveinung R. Unneland/Gard Frantzsen

Det antifascistiske biblioteket tar utgangspunkt i en liste med 196 ord og uttrykk som ble sammenstilt og publisert av The New York Times 7. mars 2025, basert på dokumenter fra føderale etater. Listen viser ord som i en politisk-administrativ kontekst ble markert for fjerning eller særskilt kontroll, og omfatter alt fra aktivistisk eller politisk betonede ord som “anti-racism” og “inequality”, til vanlige bruksord som “institutional” eller “woman”. I Det antifascistiske biblioteket aktiveres listen som et motsatt styringsdokument – en felles referanse som peker på hva som står på spill når språket utsettes for kontroll og begrensninger.

Det antifascistiske biblioteket tar form som et «bibliotek» for kunstneriske undersøkelser av språk, offentlighet og demokratisk handlingsrom. Her forstås biblioteket som en åpen struktur for å dele og aktivere språk og kunst i offentligheten. Prosjektet tar utgangspunkt i en forståelse av samtidskunst som en maktkritisk og inkluderende praksis, der ytringsfrihet og tilgang til språk er grunnleggende for kunstens og demokratiets vilkår.

På Deichman Bjørvika aktiveres ordene gjennom plakater, klistremerker, skjermer og billboards som setter sitt preg på arkitekturen – mellom reoler og bøker, på byggets overflater og i nye installasjoner utviklet for anledningen. I samarbeid med Deichmans bibliotekarer opprettes det også en egen seksjon: et antifascistisk bibliotek bestående av utvalgte bøker som knytter seg til listen med de «forbudte» ordene. Se hele oversikten under.

Åpningstider Deichman Bjørvika

Mandag 08:00 - 22:00

Tirsdag 08:00 - 22:00

Onsdag 08:00 - 22:00

Torsdag 08:00 - 22:00

Fredag 08:00 - 22:00

Lørdag 10:00 - 18:00

Søndag 10:00 - 18:00

Vi har gleden av å presentere kunstutstillingen "Dream$" av Salke1. Utstillingen åpner torsdag 16. juli og varer frem til 26 juli

Om utstillingen:
Hva er en drøm verdt?

I DREAM$ utforsker SalkeOne grenselandet mellom drømmer og verdi, mellom det vi ønsker oss og det vi blir fortalt at vi bør ønske oss. Gjennom sterke farger, ikoniske symboler og et uttrykk inspirert av popkunst, gatekultur og samtidens visuelle støy, speiler verkene en verden hvor oppmerksomhet er valuta og identitet stadig er til salgs.

Dollartegnet i tittelen handler ikke bare om penger. Det handler om begjær, status, frihet, ambisjoner og prisen vi betaler for å følge drømmene våre. Verkene balanserer mellom lek og alvor, nostalgi og kritikk, luksus og tomhet.

DREAM$ inviterer publikum til å stille spørsmålet:
Er det vi jager våre egne drømmer – eller noen andres?

SalkeOne skaper kunst i skjæringspunktet mellom popkultur, street art og samtidskunst, hvor kjente symboler får nye betydninger og hverdagslige ikoner blir til refleksjoner over tiden vi lever i.

Åpningstider:
Onsdag - Søndag: 13.00 - 17.00 


____

Takk på forhånd 

GALLERI M35

Åpningstider

Mandag - tirsdag: privatvisning.
Onsdag - torsdag: 15.00 - 18.00
Fredag - søndag: 13.00 - 17.00

Ta kontakt for privatvisning: kontaktskjema eller per e-post: post@m35.no

Besøksadresse:

Olav Selvaags plass 4, 0252 Oslo

Kontakt oss:

Post@m35.no

+47 954 888 57

Summer break

The gallery is closed from July 5th and will reopen on August 4th

A REALITY MADE OF BREACH is an immersive sculptural installation in which the body is approached as a porous system–shaped by exposure, accumulation, and the slow material consequences of what passes through it. The installation unfolds as a landscape that is also an interior: the sense of being inside a body, or of the body having turned into terrain.

At the center, a figure remains. A face, projected onto a masked sculpture, carries a monologue from within this condition–the body as consequence. Her speech moves between an emerging cosmology, personal history, and the politics of what the body is made to carry. Performed by actress Samantha Lawson, the projected monologue unfolds throughout the space and alternates with a musical composition by May-Oisín Qviller.

Sculptural forms in glass, metal, neon, and ceramics appear throughout the installation. They resemble lungs, vessels, roots, and neural systems, yet oscillate between identities, their forms held in relation.

A REALITY MADE OF BREACH

A fracture line runs through me. It runs through the matter beneath our surfaces, deep-set. This fracturing of inner selves–and outer shells–runs through the emerging layers of time and material, their faces turned toward one another–in blur. Enter: the slow bleed of one into another. Just so. In the beginning, they say. Throughout what is deemed so–the very beginning–layers of time and material ceaselessly braid into one another like fingers of a hand: here goes time, here goes matter. Zigzag. White-knuckled, through every molecule, their grip runs, their fingers. Deeper than any notion of the mind, this grip and its fracture­–deep-set–run through our every nick and hollow. There is nothing else.

In its wake–the mud of life. It gathers (and don’t we know it). Trespasses and fog–they gather. Each face of matter now a continuous blur–nothing is solely mine. And in this besmudged beginning, mass condenses into bodies that feel time through touch. So ardently. And touch through time’s drag. There is nothing else. These tissues carry forward the residue of others’ touch, come what may. Others are kept deep within our matter as epigenetic marks and as molecular memory–and as what comes, already begun.

This fracture–our wound of existence–never was a bleeding one to fix and heal, but our recurring premise. Cracking open yet again and then again, gushing with accumulated states and lived aftermath. Never a bleeding mush you stick your finger into. Not that, no. It is the undercurrent of everything–the material stickiness where contact alters form, where the medium carries the cost of interaction across time. At some point, there is no undoing except becoming undone. The irreversibility and ghastliness of loss–such is our premise.

Loss is alteration beyond recognition. It is the slow rearranging of a body while it still exists. And once gone, someone’s distinct material pattern is no more and will not resurface. This highly singular configuration of matter and process that constituted that person is gone and the finality of that is dark and menacing. I was once a young person whose eye colour broke, sitting through the losses. The density and duration of that room stayed with me, as such things do–rearranging tissue. It does not just visit my body — it is my body, as it sleeps or breathes or stirs.

. . .

And in this altered, crawling materiality of mine–ours–lie deep-set cell structures– organelles, mitochondria and what else–and they form a continuous stream of signals, hums and whistles; minuscule stirrings that try, as they might, to make it all work according to plan, under a script carried through by the forebears. Our line persists as the ghostly presence of our methyl deposits, their long histories of exposure and grief modulating what turns on and off, shaping tendencies and stress cascades. All we thought was simply ours. There it is, their DNA folding and unfolding like tired paper planes made on a rainy afternoon, the sweaty wrinkled papery mess of it coming open in our hands.

And yet lineage is not the only passage. Contact is our atmosphere, through every porous seam of outer layer and mucosal lining. Across the thin films that separate and bind–the membranes I envision as grief’s veils. The translucency and shimmer of loss governing it all—the light retracting in someone’s eyes, ghastly attractive as the iris slackens just so. There is no return to a previous state–and don’t we know it–as the grip of accumulated states hardens toward the end. Something of the other lodges in our endothelium, carried forward with every pulse. Just so, our ports breached.

We were taught there were barriers, protections, thresholds—but things cross, signals pass. I am surely not alone in being smudged by those whose exploitation is mistaken for the way things work, whose greed travels on through matter. Inescapable: the stickiness or even gloom of others, now written into the body too. There’s no avoiding their blunt fingers on my RNA, leaving methyl marks amid other boundary trespasses–our whole reality is made of breach. The air is full of others, of circulating particulate memory and rising cortisol of generations past. And there it is, their residues and stories crossing the blood-brain barrier–who’s a fortress now–fluttering across an inner landscape of us.

Some membranes are made porous beyond measure; some bodies are expected to absorb more. This is not a surprise for those of us who have been breached in all ways since birth and before–enforced exposure moved our epithelial cells intochronic permeability, the fallout of others seeping through our tight junctions–and we are in the thick of it, with intolerances and reactions to freaking everything, as we just don’t want the stickiness of their fingers on us and the body bloody rejects all of it. It is enough. As it has always been enough.

. . .

Ane Graff (b. 1974, Bodø) is informed by feminist new materialisms’ ongoing rethinking of our material reality, in which a relational and process-oriented approach to matter—including the matter of living bodies—plays an integral part. Within this framework, Graff focuses on human and non-human relationships, viewing human beings as part of an expansive, material network, stretching inside and outside of our bodies. Her work traces lines of Western intellectual history and asks how ideas of human exceptionalism, Cartesian dualism and representational thinking all relate to the ecological disasters we face today, and furthermore, what seem to be their current and future implications for material bodies. Graff sees all material bodies as part of an ongoing material experiment, where new substances are being added to the mix (through industrial production and pollution), causing an entangled web of changes and promoting new bodily states. Collaborating with scientists, Graff’s sculptural works often incorporate experimental materials such as bacterial pigments, hair dye, meat glue, phytoestrogens and SSRI antidepressant medications.

Ane Graff lives and works in Oslo, Norway. She graduated from Bergen National Academy of the Arts in 2004 and currently holds a position of PhD Research Fellow at the Oslo National Academy of the Arts. She has been part of exhibitions such as ‘Weather Report–Forecasting Future, Nordic Pavilion’ at the 58th Venice Biennale (curated by Piia Oksanen and Leevi Haapala, KIASMA), 2019; Art Encounters Biennial (curated by Maria Lind & Anca Rujoiu), 2019; Soon Enough: Art in Action, Tensta Konsthall, Stockholm, 2018; Myths of the Marble, Henie Onstad Kunstsenter, Oslo, and the Institute of Contemporary Art, Philadelphia, 2017; the 11th Gwangju Biennale The Eighth Climate (What Does Art Do?), Gwangju, 2016; and Surround Audience, The New Museum Triennial, 2015, NY.

Recent exhibitions include: ‘and we learn to keep the soil wet (group exhibition)’ at CARA, New York City (2023), ‘Ane Graff: The Wound in Its Entanglements’ at Kunstinstituut Melly, Netherlands (2022). ‘Liquid Life’ at Kistefos (2021) (curated by Martha Kirszenbaum), ‘7x7 Stavanger’ as part of the Rhizome/New Museum/Stavanger Kunsthall collaboration (2021); 2021 Liverpool Biennale (curated by Manuela Moscoso).

The exhibition is supported by
Kulturdirektoratet, Billedkunstnernes Vederlagsfond, and Oslo kommune

OSL contemporary

OSL contemporary was established in 2011 by Emilie Magnus. Located in Oslo’s vibrant West End, the gallery has since developed an extensive program, currently representing twenty-three emerging and established artists encompassing a diverse range of disciplines.

With the focused initiative to nurture the artists’ positions within the Nordic region and promote their practice to a wider global audience, the gallery works closely with local institutions and museums whilst continuously engaging and participating in projects, exhibitions, and art fairs internationally.

Opening Hours

Tuesday - Friday, 12-17.00
Saturday, 12-16.00

Address

OSL contemporary
Haxthausens gate 3
0263 Oslo, Norway

View Google maps

Contact

General inquiries:
Tel +47 23 27 06 76
info@oslcontemporary.com

Subscribe to the mailing list

Anthony Charles Morton (f. 1992, Durban, Sør-Afrika) er en kunstner bosatt i Bergen, Norge. Morton nærmer seg maleri gjennom en naturalistisk kosmologi, der materien ble dannet for 13,8 milliarder år siden og bildeskaping oppstod for 73 000 år siden.

Gjennom teori og maleri utforsker han billedrommet som en måte universet uttrykker seg på, hvor en form for virkelighet gjøres eksplisitt gjennom bildet. Hvis eksistensen åpenbarer seg for oss som visuell, hva er det da som kaller på oss innenfor bildets sfære?

Morton har studert i Japan, Norge og Sør-Afrika, og har en MA i billedkunst (2019) med spesialisering i maleri, samt en MA i filosofi (2023), med forskning fokusert på kunstnerisk utvikling innen bildeskaping, begge fra Universitetet i Bergen.

Morton har stilt ut i Italia, Kina, Norge og Sør-Afrika, og arbeidene hans er representert i flere private og offentlige samlinger, inkludert Ooh La Art (Kina), Nandos (Malaysia) og Spier (Sør-Afrika). Han er direktør for The Place of Shade, nylig publisert i Nordic Journal of Artistic Research (VIS #11), med en film som har premiere i oktober 2026.

LNM

Landsforeningen Norske Malere (LNM) er en landsdekkende fagorganisasjon for profesjonelle kunstnere som arbeider med maleri.

Organisasjonen ble etablert i 1968 for å fremme malernes interesser og inngår som en av grunnorganisasjonene i Norske Billedkunstnere. Les mer om LNMs historikk under.

LNMs galleri ligger i Rådhusgata 37, like ved Kontraskjæret. Årlig vises 8-9 utstillinger som avspeiler bredden i norsk samtidsmaleri.

LNM har i dag over 650 medlemmer. Se liste over LNMs medlemmer.

LNM kan bistå med private og offentlige konsultasjoner til utsmykningsoppdrag.

Velkommen til LNM!

Åpningstider LNM

• Tir. - fre. 11-17
  Lør. - søn. 12-16
  Man. stengt

• Adresse
  Rådhusgata 37
  0158 Oslo

• Kontakt

• E-post: daglig@lnm.no

• Tlf: (+47) 45834426 / Randi: (+47) 90081685

• Følg LNM

• Facebook

• Instagram

• Nyhetsbrev

Velkommen til utstillingsåpning av to nye separatutstillinger med kunstnerne Frido Evers (NL) og Shana de Villiers (ZA) hos Bærum Kunsthall.

Når: 6. august kl. 18-20
Hvor: Bærum Kunsthall, Fornebu

Utstillingene står frem til 6. september, og kan ellers oppleves innenfor våre ordinære åpningstider (torsdag-søndag 12-17).

Velkommen!

.......

Frido Evers (f. 1980, Nederland) har en bachelorgrad fra Academy for Art and Design i ’s-Hertogenbosch (NL) og en mastergrad fra Kunsthøgskolen i Oslo (NO). Han bor og arbeider i Bærum, Norge. Frido Evers utforsker lag på lag i jakten på øyeblikk av undring, tvetydighet og nærvær. Gjennom kollasjer, installasjoner, skulpturer, tegninger, malerier, og av og til, et videoverk, setter han sammen et bredt spekter av materialer, steder og virkeligheter til symbolske landskap. Han er fascinert av det overveldende behovet for å skape mening i vår eksistens.

Evers var tidligere representert av Galleri Maria Veie (NO) og senere av CINNNAMON (NL). Arbeidene hans har blitt vist internasjonalt ved blant annet Fotomuseum Hilversum (NL), Neo LA (US), Galleri MELK (NO), Høyersten Contemporary (NO), Brenau University (US), Zürcher Gallery NY (US), Örebro Konsthall (SE), De Fabriek (NL) og Raid Projects, Los Angeles (US). Arbeidene hans har også blitt presentert på internasjonale kunstmesser som Art Basel Hong Kong, Art Rotterdam, Art Amsterdam og Pulse Art Fair i New York.

Utstillingen er støttet av Kulturrådet.

Shana de Villiers (f. 2000, St. Maarten) (de/dem) er en sørafrikansk kunstner bosatt i Haag i Nederland. Kunstnerskapet deres beveger seg mellom det performative, det visuelle og det litterære, og utforsker ulike lesninger av det monstrøse. Magiske, fargerike karakterer og fragmenterte fortellinger som speiler samfunnets frykt og (post)koloniale kompleksiteter, er karakteristiske trekk ved arbeidene deres. Med en collagepreget arbeidsmetode setter de sammen håndverk, teori og mytologier fra internettalderen til skulpturer, bærbare verk, tekster og omsluttende teatrale installasjoner.

De Villiers har tidligere vist utstillinger ved blant annet TUR (LATV), Das Leben am Haverkamp (NL), Art Rotterdam (NL), Heden Gallery (NL), Quartair (NL) og Omsland (NL).

Opening Thursday 13 August, 17.00-20.00

BIO VIBEKE TANDBERG

Vibeke Tandberg (b. 1967) lives and works in Oslo. Her artistic practice encompasses a multitude of disciplines, including photography, painting, film, and literature. While her early production takes the vantage point of staged and manipulated self-portraits, her practice has been increasingly directed toward a restless testing of opportunities within the arts. By using a wider variety of media and techniques, her work can be described as an investigation of how the world shapes itself and how to shape the world. Ideas and works are deconstructed and reconstructed. Creating becomes violence, alteration, conversion, and dissolution. Tandberg emphasizes that the subject is an unstable point of venture, meaning is shifted all the time, and artistic freedom is without expectations.

Tandberg has a MFA from the Department of Film and Photography, Göteborgs Universitet, and a BFA from the Department of Photography, Kunsthøgskolen in Bergen. She has held residencies at Bethanien in Berlin and ISCP in New York. She has exhibited extensively nationally and abroad since the mid 90's and has had numerous solo exhibitions, among others, at Norrköping Art Museum, Haugar Kunstmuseum in Tønsberg, Centro per l'Arte Contemporanea in Rome, Sprengel Museum Hannover and the Astrup Fearnley Museum. Tandberg has been part of group exhibitions at National Gallery of Art in Washington, Moderna Museet in Malmø and Stockholm, Kunsthalle Bonn, 28th Biennale in Sao Paulo and the Sydney Biennale. Her work is represented in a number of public and private collections, including Musée d'Art Moderne de la Ville, Paris, Moderna Museet, Stockholm, Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo, Museum of Modern Art, and the Guggenheim Collection, New York. She was the winner of the Lorck Schive Art Prize in 2017, and in 2019, she made her debut as a playwriter for the play Hunder at the National Theatre in Oslo. She has published five novels and a collection of essays on Forlaget Oktober. Her latest novel "Hestedagboken" was released in spring 2024.

Kate and Carol 

Katharine MacDaid & Cheryl Newman

13. august – 27. september 2026

Utstillingsåpning: Torsdag 13. august 2026 kl. 18:00

Både Cheryl Newman og Katharine MacDaid fotograferer mødrene sine. Eller kanskje mer presist: De lager fotografier sammen med sine mødre. Etter å ha møtt hverandre som lærere i fotografi i Oslo oppdaget de to kunstnerne en felles interesse for å ta bilder av den personen i livet som de kaller «mor».

Begge prosjektene er utviklet over tid. Gjennom gjentatte møter med sine mødre bruker Newman og MacDaid fotografiet for å undersøke hvordan relasjoner formes og forandres, og hvordan blikkene vi retter mot hverandre alltid inngår i en utveksling der forhold kontinuerlig skapes og omskapes.

One Hundred Yards from Home av Cheryl Newman

Newmans kunstneriske praksis er forankret i samarbeid og utveksling. Hennes mor, Carol, er en aktiv deltaker i prosessen, og skifter mellom en leken og tilbakeholden tilstedeværelse. I serien One Hundred Yards from Home blir bildene til gjennom gester, humor, rollespill og samspill.

«For meg er selve fotograferingen sentral. Det er en måte å omfavne relasjonen vår på, slik jeg ikke har gjort siden barndommen», sier Newman.

My Mother, Kate av Katharine MacDaid

MacDaids langvarige prosjekt My Mother, Kate har en mer konsentrert tilnærming. I seksten år har hun fotografert moren sin hver gang de møtes. Moren Kates reserverte væremåte preger dynamikken dem imellom, og prosjektet beveger seg i en spenning mellom nærhet og avstand, hengivenhet og kontroll.

For MacDaid er det «en handling preget av både hengivenhet og oppmerksomhet, en intim gest utført på avstand».

I utstillingen på Fotografiens Hus går de to seriene i dialog med hverandre; den ene åpen, lekende og samarbeidsorientert, den andre mer tilbakeholden og observerende. Sammen dannes ikke én samlet fortelling, men snarere et rom for kontraster, overlappinger og refleksjon.

I kjernen handler Kate and Carol om hvordan relasjoner mellom mødre og døtre endres over tid, og hvordan det å vende blikket mot hverandre igjen og igjen kan bli en måte å forstå, anerkjenne og bevare den andre på.

Cheryl Newman er en London-basert fotografisk kunstner, kurator og fotoredaktør. Hennes arbeider blander fotografi, kollasj, og selvbiografiske narrativer for å utforske temaer som intimitet, minner og identitet. Hun har en mastergrad fra University of Westminister, og en bachelorgrad fra Brighton University. I tillegg til å stille ut sine arbeider internasjonalt, jobber hun med redaksjonelt arbeid og innenfor akademia. 

Katharine MacDaid er en Belfast-født fotografisk kunstner basert i Oslo. Hennes kunstneriske praksis utforsker landskap, lengsel, og nedarvet identitet, gjennom prosjektet skapt i Irland, Storbritannia, Midtøsten og Nord-Amerika. Hun har en mastergrad i fotografi fra Royal College of Art i London, og har stilt ut internasjonalt med arbeid som trekker på minner og familiære historier.

Om Fotografiens Hus

Fotografiens Hus er et fotogalleri åpent for allmennheten og holder sentralt til i kunstdistriktet Kvadraturen i Oslo.

Fotografiens Hus har siden 1999 vært et visningssted for fotografi i Rådhusgata 20 i Oslo. Galleriets formål er å øke kunnskap om og engasjement for fotografiet som uttrykk og fag. Utstillingsprogrammet skal gjenspeile de mangfoldige måtene fotografi i vår samtid blir brukt for å fortelle historier, med bredt spenn i sjanger og uttrykk. Utstillingene skal ha høy kunstnerisk kvalitet og velges av en egen fagkomité. For å sikre et tidsaktuelt program der ulike stemmer tar plass, arbeider fagkomitéen også etter anmodning om bredde i utstillernes kjønn, alder, etnisitet og kunstnerisk bakgrunn. 

Driften av Fotografiens Hus finansieres gjennom tilskudd fra Norske Fagfotografers Fond.

MARIE BUSKOV

Through several exhibitions over the last decade, Marie Buskov (b. 1980 in Rosenholm, Denmark) has become well known on the Norwegian art scene for her vital abstract works on paper, wallpaintings and sculptures constructed from steel or cast in bronze, stoneware or aluminum. In her exhibitions, the various media interact in elegant and complex installations. She has executed several public commissions comprising stained glass, wallpainting, sculpture and liturgical furniture, of which the most comprehensive to date is her work for the new Sola Church, Norway, in 2020.

Her works can be found in the collections of The National Museum in Oslo, Kunstsilo (Sørlandets Kunstmuseum) in Kristiansand, Lillehammer Art Museum, and the City of Oslo Art Collection. Marie Buskov studied at The Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen (2001-05) and holds a MFA from Oslo National Academy of the Arts (2005-09). She lives and works in Oslo.

GALLERI RIIS

Galleri Riis was founded in Trondheim in 1972 by collectors Inger and Andreas L. Riis, and it has been based in Oslo since 1980. From 2011 to 2017 the gallery operated a second space in Stockholm which confirmed the gallery’s importance on the Scandinavian art scene. In August 2016, the Oslo gallery relocated to a renovated 1890’s residential building in the city centre. The current exhibition program reflects a long-standing history, with a primary focus on important contemporary art from the Nordic countries including a selective spotlight on international artists. The gallery has over the years also mounted a number of historic exhibitions with contemporary and modern masters. Galleri Riis is owned and directed by Espen Ryvarden and Kristin Elisabeth Bråten.

KONTAKT / BESØK

Arbins gate 7
NO-0253 Oslo
Norway

Tuesday – Friday 12-17
Saturday 12-15

+47 22 94 40 40
info@galleririis.no

Espen Ryvarden
Kristin Elisabeth Bråten
Anita Gadelius
Blair Kincaid

Utstillingen åpner torsdag 20. august kl 18:00 - 20:00

Lin Wang (f. 1985, Kina) er utdannet ved China Academy of Art og Kunstakademiet i Bergen. Hun arbeider på tvers av skulptur, installasjon og performance, med porselen som et gjennomgående materiale. Gjennom en praksis som også omfatter mat, tatovering, lyd, video og lukt, undersøker Wang hvordan kunst kan skape rom for møter mellom mennesker, historier og kulturelle erfaringer.

Wangs arbeider tar ofte utgangspunkt i porselenets historie som handelsvare mellom Kina og Europa. Siden 2016 har hun utviklet prosjektet Exotic Dreams and Poetic Misunderstandings*, en serie installasjoner, performancer og samarbeidsprosjekter som undersøker forestillinger, misforståelser og forbindelser mellom østlige og vestlige kulturer. I arbeidene kombineres referanser til kinesisk porselenstradisjon, sjøfartshistorie, tatoveringskultur og personlige fortellinger for å utforske spørsmål knyttet til identitet, handel, migrasjon og kulturell utveksling.

Wangs arbeider er representert i en rekke offentlige og private samlinger, blant annet ved Nasjonalmuseet, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum og Oslo kommunes kunstsamling. Hun har hatt separatutstillinger ved blant annet Kunsthall Grenland, Vigelandmuseet og Trøndelag senter for samtidskunst.

QB GALLERY

QB Gallery ble etablert 2014 og er et Oslo-basert galleri for norsk og skandinavisk samtidskunst, som representerer både etablerte og yngre fremadstormende kunstnere.

Galleriet arbeider med et bredt spekter av kunstneriske uttrykk, og har en åpen tilnærming til ulike kunstscener og bakgrunner.

Taktilitet, materialitet og betydningen av bevissthet og tilstedeværelse er aspekter som fremheves gjennom kurateringen og formidlingen av vårt galleri­program – kvaliteter vi anser som særlig viktige i en digital tidsalder.

Drevet av nysgjerrighet og et ønske om å samle ulike aktører i kunstverdenen, har vi langsiktige mål med lekne tilnærminger, der vi kombinerer kunstverdenens veletablerte standarder med nye ideer.

Galleriet drives av Mikaela Bruhn Aschim og Kari Kjøsnes.

Gabels Gate 43
0262, Oslo, Norge

post@qbg.no

+47 993 65 233

Ons-Fre 12:00-18:00
Lør-Søn 12:00-16:00

• Facebook

• Instagram

• Artsy

Utstillingsåpning skjer torsdag 27. august 2026.

I sin kommende utstilling betrakter Kamil Kak Svalbard som et forstørrelses-glass for verden – et sted der endringer skjer raskere, tydeligere og mer intenst enn noe annet sted.

I løpet av flere opphold på øygruppen i 2024–2025 har Kak observert etterdønningene av det omstridte lokalvalget; den voldsomme bølgen av arktisk turisme som bringer med seg fremmede arter og setter infrastrukturen på prøve; samarbeidet med UNIS-biologer som måler den hurtige oppvarmingen og en kullgruvedrift på hell mens nye skipsruter åpnes gjennom stadig tynnere is.

Gjennom grafikk, tekstil, videoperformance og dokumentariske innslag viser Kak hvordan politikk, klima og hverdagsliv støter sammen i Longyearbyen og Ny-Ålesund. Hen fletter sammen intervjuer, koreografier, målinger og skisser med minner. Utstillingen stiller spørsmål ved hvorfor Svalbards stadig skiftende miljømessige og samfunnspolitiske virkelighet har betydning langt utover det høye nord – og hvordan vi kan forholde oss til den. Hvilke former for omsorg, styring og ansvar gjør seg gjeldende når et sted som speiler verden tilbake til oss, forandrer seg for øynene våre?

Kamil Kak (f. 1994, Polen) er en kunstner med base i Oslo. Hen har en MFA i grafikk fra Kunstakademiet i Gdansk (2020) og en MFA fra Kunstkøgskolen i Oslo (2022). Kak jobber i en rekke uttrykk i spennet mellom grafikk, tekstil og performance, ofte med et politisk tilsnitt.

OM NORSKE GRAFIKERE

Norske Grafikere ble stiftet 15. november 1919 og har fra begynnelsen av vært et sosialt og faglig samlingssted for utøvende grafikere og en yrkesmessig interesseorganisasjon.

Med Anne Breivik som styreleder etablerte Norske Grafikere et eget kontor i 1971 og det første kunstnerstyrte galleriet med statlig støtte i 1972. Siden opprettelsen har Norske Grafikeres galleri vært kjernen i foreningen og et sted man kan oppleve mangfoldet av grafiske uttrykksformer gjennom varierte utstillinger og salg av grafiske arbeider.

Ved stiftelsen i 1919 besto foreningen av 30 medlemmer, i dag er vi en solid forening som samler over 300 yrkesaktive grafikere. Norske Grafikere har som formål å være et kunnskapssenter for originalgrafikk samt et samlingssted og utstillingssted for kunstnerne som arbeider med grafikk. I galleriet viser vi skiftende utstillinger og inviterer gjerne skoler og grupper til et besøk hos oss. Vi formidler medlemmenes arbeider gjennom salg i galleriet og på nett.

Velkommen til Norske Grafikere!

KONTAKT

Tollbugata 24, 0157 Oslo | 23 35 89 40
ng@norske-grafikere.no
org.nr. 971 435 828

Åpningstider:

Sommerstengt fra og med 13. juli til og med 4. august 2026

ons og fre: 12-17 | tor 12-18
lør: 12-16 | søn – tir: stengt
Norske Grafikere holder stengt alle røde dager samt påskeuken og romjulen.

How can materials currently defined as waste become the foundation of a new building culture?

In September, ROM for kunst og arkitektur hosts a collaboration with the Material Ecologies master studio from the Oslo School of Architecture and Design (AHO), where students and faculty move into ROM Studio to develop and present ongoing research and prototypes

Surplus is conceived as both an exhibition and a working laboratory. It investigates material cultures and flows in contemporary construction, making visible the often hidden geographies of building infrastructure: sites where materials are extracted, transformed, displaced, and ultimately discarded. The project focuses in particular on documenting and understanding surplus masses - vast quantities of soil from large construction sites regarded as waste - and explores their potential as active architectural resources.

Rather than seeing these materials as residual, the exhibition positions them as part of a territorial and technological system shaped by logistics, regulation, and engineering. Through sampling, testing, and prototyping, the students examine how surplus masses might be transformed into building components and construction systems for future use.

The collaboration with ROM creates a public interface for this investigation. Throughout the period of three weeks, ROM Studio becomes a space where educational practice and public dissemination meet, culminating in presentations the same opening week as for the Oslo Architecture Triennale.

ROM for kunst og arkitektur

ROM er et samlingssted for kunst, arkitektur og design - en uavhengig stiftelse som i 2005 oppsto som en sammenslåing av Galleri ROM (1987) og Institutt for Romkunst (1989). I dag viderefører vi arven som et flerfaglig laboratorium for romlige praksiser. Vi har siden 1987 fasilitert for åpne prosesser og løftet frem tverrfaglige møter gjennom utstillinger, samtaler, publikasjoner og samarbeid på tvers av disipliner og institusjoner. ROMs ambisjon er å være en langsiktig utviklingsaktør som styrker fagfeltets bredde over tid. ROMs fleksibilitet og eksperimentvilje er et premiss for innovasjon og verdiskaping, som komplementerer større institusjoner og bidrar til fornyelse i kulturøkosystemet.

Siden oppstarten i 2005 har ROM holdt til i Maridalsveien 3 i Oslo. Det gamle garasjeanlegget i de tidligere NORA fabrikklokalene ble renovert, og to gallerier, Galleri ROM (startet i 1987) og Institutt for Romkunst (startet i 1988), slo seg sammen for å bli et tverrfaglig møtested for kunst og arkitektur. Fem stiftelsesorganisasjoner sto bak sammenslåingen: Norske Kunsthåndverkere, Norske Billedkunstnere, Norske arkitekters Landsforbund, Norske interiørarkitekters og møbeldesigneres landsforening og Norske landskapsarkitekters forening. Henrik der Minassian var stedets leder fra oppstarten i 2005 til 2019, da vår nåværende leder Gjertrud Steinsvåg tok over.

«I et fagfelt som planlegger og bygger for alle, er det helt naturlig å stille spørsmål rundt hvem som sitter med definisjonsmakt og hvilke stemmer som blir inkludert og utelatt.» Det skrev vår tidligere kollega Tina Lam i teksten «Fra de andre nordmennene» som vi publiserte i juni 2020. Teksten ble starten på vårt kritiske blikk på representasjon og definisjonsmakt. Vi fortsatte med en serie med «Open Calls» rettet mot et tverrfaglig miljø for å styrke forståelsen, opplevelsen og betydningen av kunst, arkitektur, stedsutvikling og offentlige rom. Mangfold betyr både å gi plass til grupper som historisk sett har blitt ekskludert, og å sikre at et felt er representativt for hele befolkningen. Bredt mangfold av perspektiver og erfaringer skaper et større kritisk rom for utviklingen av kunst, arkitektur, stedsutvikling og offentlige rom, og utfordrer etablerte forestillinger om hvordan kunst og arkitektur former livene våre – og om hvem som former. Hvordan kan for eksempel den funksjonsnedsatte kroppen representere nytenkning og dessuten bidra med sentrale innfallsvinkler til hva gode romlige betingelser betyr? Greier vi – i praksis – å se forbi den funksjonsnedsatte kroppen som et teknisk eller juridisk spørsmål i arkitekturen? Greier vi å tenke bygg og by med den funksjonsnedsatte kroppen som utgangspunkt?

Maridalsveien 3,
0178 Oslo

post@rom.no
+47 22 20 88 86

Instagram
Facebook

Åpningstider utstillingperiode
onsdag - søndag 12.00-16.00

ROM × AHO-samarbeid
31. aug. - 20. sept. 2026

UTSTILLING

Astrup Fearnley-samlingen

Astrup Fearnley-samlingen er en av Europas mest omfattende samlinger av internasjonal samtidskunst.

Den er ikke konsentrert rundt bestemte epoker, stilretninger eller grupperinger, men har over tid gått i dybden på vidt forskjellige kunstnerskap. I museet aktiveres samlingen jevnlig med omhengninger og utstillinger, der verkene plasseres i nye konstellasjoner og sammenhenger. Denne presentasjonen løfter frem mange ulike kunstnerskap, gjerne med flere arbeider av enkelte kunstnere – for slik å vise både bredden og dybden i samlingen. Her vises velkjente verk sammen med nye anskaffelser som aldri tidligere har vært stilt ut.

Uten å være organisert etter en overordnet tematikk, går disse verkene i dialog og samspill med hverandre. Gjennom utstillingen løper det ikke én rød tråd, men et mangfold av tråder og tankerekker som kan lede våre blikk og oppfatninger i nye retninger. Kunstverkene inviterer oss til å utforske sammensatte problemstillinger og de åpner opp for fortellinger om estetikk og politikk, om identitet, seksualitet og vold – om tap, tro og tilhørighet.

Billett til våre aktuelle utstillinger:

INFORMATION (Today) | Astrup Fearnley-samlingen

— Én billett - To bygg

Er du medlem i museets kunstklubb? Velg billetttypen Medlem. Medlemsbevis må fremvises sammen med billetten i resepsjonen. Har du spørsmål, kontakt: v.svarstad@afmuseet.no eller ring 22936033 eller 95964039.

Åpningstider:
Tirsdag, onsdag, fredag: 12:00 - 17:00
Torsdag: 12:00 - 19:00
Lørdag, søndag: 11:00 - 17:00
Mandag stengt

ADRESSE

Strandpromenaden 2, 0252 Oslo

TELEFON

+47 22 93 60 60

E-POST

info@afmuseet.no

WEB

Fotograf av bildet i heading: Christian Øen

Kim Kvello b.1987


Lives in Trondheim, Norway

(+4795758912)

kimkvello@gmail.com

kimkvello.info



Education


2014-2016  MFA Bergen Academy of Art and Design

2011-2014  BFA Trondheim Academy of fine Arts

2010-2011  Oslo National Academy  of the arts

2009-2010  Strykejernet Kunstskole Oslo

Upcoming


Soft galleri, Oslo

Solo Exhibition (10.Sept/2026)


Exhibitions


2024 Teeth At The Seams

Tronhjems Kunstforening

Solo Exhibition, Trondheim



2023 Tunnel Ntolo

0.9, The Fine Art Library, NTNU

Solo Exhibition, Trondheim


2022 Their Words Do Not Say Our Things

Kongsberg Kunstforening

Solo Exhibition, Kongsberg


2022 - Trøndelagsutstillingen, 2022

Trøndelag senter for samtidskunst Trondheim


2022 Albuerom

Heimdal Kunstforening

Heimdal (Collaboration with Thea Meinert)


2021  Second Things First

Van Etten, Oslo


2020  Weeds

Gamle Hageland, Trondheim

(Collaboration with Per Ellef Eltvedt)


2020  Evolving Band

Stillverk1, Trondheim

Collaboration with performativ artists


2019  Høstutstillingen

Kunstnernes Hus, Oslo


2019  Trøndelagsutstillingen

Trøndelag senter for samtidskunst, Trondheim


2019  Shapeshifting Thing Thing

Babel visningsrom, Trondheim (Solo)


2018  Repeat.Forward                                                                                                                          

Galleri F.15, Moss


2017  Unge Inviterte

LNM Oslo


2017  Until it is Obliterated / How Soon is Later

Felt/Palmera, Bergen (Solo)


2016  Felt x Kvit

Kvit, Copenhagen


2016  Hex MFA exhibition

Kunsthall Bergen, Bergen


2016  Three Iterations

Rom 8, Bergen


2015  KOKO OKOK

(in collaboration with Thomas Pihl)

Galleri S.E Bergen


2015  Passenger

Project space (C.Sundts gate 53), Bergen


2015  163/181

Kampen Visningsrom Oslo

(Collaboration with Nina Skarsbø)


2014  BFA Graduation exhibition

Kit Gallery (Academy of fine art) Trondheim


2014  Sweet Relief

Kit Gallery (Academy of fine Art) Trondheim (Duo)


2013 - 2014  Trondelagsutstillingen

Kunstmuseet Nord-Trøndelag (Namsos)  

Oppdal kulturhus (Oppdal)

Trondhjem kunstforening (Trondheim)


2013  CUBE OFF

Kit Gallery (Academy of fine Art) Trondheim


2013  Never Is Less

Fisk Gallery Bergen

(Collaboration with Nina Skarsbø) 


2012  Dom som är kvar

Kit Gallery (Academy of fine Art), Trondheim


2011  Do you wanna get metaphysical with me

Podium, Oslo


2011  Recognition Treatment

Collaboration with Hannah Mjolsnes 

M.F.A.P.S  (Malmøgata Finearts Project Space) Oslo




Other


2024 - Residency, Berlin (1. Aug- 1.Sept)

Trondheim kommunes kunstnerbolig, Berlin



Text


https://klassekampen.no/artikkel/2024-04-17/to-sma-skritt-unna-catwalken


https://kunstkritikk.no/toyrester/


https://magasinetkunst.no/2019/06/17/hold-oye-med-kim-kvello/


https://kunstkritikk.no/materialene-former-oss/



Grants


2024, Billedkunstnernes Vederlagsfond (1år)

2023, Billedkunstnernes Vederlagsfond (1år)

2022, Billedkunstnernes Vederlagsfond (1år)

2021, Kunstnerstipend, BKH

2021, Kulturstipend, Trøndelags Fylkeskommune 

2020, SKS, Covid-19, Norsk kulturråd

2020, Diversestipend, Norsk kulturråd

2017, Trondheim kulturstipend og kulturlegat

2017, Billedkunsternes Vederlagsfond

2016, Diversestipend for nyetablerte, Norsk kulturråd

OM SOFT GALLERI

SOFT galleri er driftet av Norske tekstilkunstnere (NTK) og åpnet høsten 2006. SOFT galleri viser utstillinger med både medlemmer av NTK og andre norske og utenlandske kunstnere som arbeider med tekstile uttrykk.

Galleriet holder til i første etasje i en forretningsgård oppført i 1898 av arkitekt Carl Michaelsen, sentralt i Kvadraturen i Oslo med nærhet til Akershus festning, Christiania torv, samt en rekke andre utstillingssteder.  

Styret i NTK er kunstnerisk ansvarlig for utstillingsprogrammet på SOFT galleri. Juryeringen er basert på en årlig utlysning av utstillingsplasser som både norske og internasjonale kunstnere kan søke. Galleriet viser åtte utstillinger i året.

Pressevisning og intervju med kunstnerne etter avtale.
Kontakt daglig leder Line Fasteraune, telefon 90 11 54 29 eller dl@softgalleri.no 

BESØK GALLERIET

Adkomst og tilgjengelighet
SOFT galleri har inngang på hjørnet ved Rådhusgata 20 i Oslo. Det er gangavstand fra tog- og bussforbindelser på Oslo S og Bussterminalen. Nærmeste trikkestopp er Dronningens gate og nærmeste busstopp er Kvadraturen. Nærmeste bilparkering er P-hus på Bankplassen. 

Vi har rampe for gjester med lett rullestol, rullator eller barnevogn.

Inngang
Det er gratis inngang på SOFT galleri.

Omvisning
Vi tilbyr omvisninger i alle våre utstillinger. Kontakt oss for avtale.

ÅPNINGSTIDER

Tirsdag – fredag: 12.00 – 17.00
Lørdag – søndag: 12.00 – 16.00

Kontakt

Daglig leder
Line Fasteraune
dl@softgalleri.no
Rådhusgata 20
0151 Oslo

Norges største fotofestival inntar Nasjonalgalleriet for andre år på rad. Over tre helger fylles mer enn 2000 kvadratmeter, fordelt på tre etasjer, med dokumentar-, kunst-, reportasje- og motefoto fra inn- og utland.

Publikum kan møte fotografer, gallerister, fotoskoler og institusjoner, og oppleve kurs, foredrag, mørkerom, fotobokverksted og kafé.

Årets tema er «Lidenskap», og for første gang åpnes det gamle Munch-rommet for fotografi. Festivalen arrangeres for sjette gang av Stiftelsen Oslo Negativ i samarbeid med Preus museum og Møllersamlingen, og trakk i fjor over 10 000 besøkende.

Datoer og klokkeslett:

Helg 1: Lørdag 10. og søndag 11. oktober 2026, kl. [11.00–18.00 – bekreftes]

Helg 2: Lørdag 17. og søndag 18. oktober 2026, kl. [11.00–18.00 – bekreftes]

Helg 3: Lørdag 24. og søndag 25. oktober 2026, kl. [11.00–18.00 – bekreftes]

Enkeltarrangementer i ukedagene imellom, festivalprogram kommer på oslonegativ.no.

Sted: Nasjonalgalleriet, Tullinløkka, Oslo (hovedinngang fra Universitetsgata)

Nettsted: https://www.oslonegativ.no

Billetter

Festivalpass: 600,-
Dagspass voksen: 250,-
Dagspass student/honør: 125,-
Barn til og med 12 år: Gratis

Åpent 11-18, lørdager og søndager i perioden 11. til 26. oktober.

Omvisning innenfor festivalens åpningstid: 1500,- (Inngangsbillett må kjøpes separat)