I Pia Antonsen Rognes’ verden smelter kroppslig begjær sammen med begjærlige gjenstander, gjennom former som forsøker å være både ting, kropp, og sted. I installasjonen GLOB OF PREY møter vi et skulpturelt verk framstilt i tekstile materialer, med lemmer i silikon. Materialene gir assosiasjoner knyttet til begjær og lengsel, seksualitet, leketøy, soverom, og overgangen fra barn til voksen. Farger og overflater som er taktile og appetittlige, aggressive og oppløftende på samme tid.

For Rognes er verket et vesen som eksisterer i en parallell verden der den er fri for hemningene vår fysiske verden pålegger den. Som objekt får det en overmenneskelighet ved seg, og en frihet til å speile det ukontrollerbare i menneskekroppen uten å lide under det. I objektiveringen ligger en frihet som er både fristende og farlig. 

Den gjennomgående rosafargen er høylytt og prangende, men samtidig også myk og inviterende. Kontraster forsterkes i tekstilmaterialet, der billige elastiske stoff prøver å etterligne metall eller lær, men gir assosiasjoner til fake glamour og plastleker. Gjennom dette materialet utforsker Rognes den overmenneskelige perfeksjonen, kontrollen det menneskelige begjæret aldri kan oppnå, og det ukontrollerbare i å ha en kropp med drifter man er i evig forhandling med.

Pia Antonsen Rognes (f. 1986) bor og arbeider i Trondheim. Hun har en BA fra Kunst-og designhøgskolen i Bergen og en MFA fra Kunstakademiet i Reykjavik, og arbeider med skulpturer i tekstile materialer. Rognes er opptatt av møtet mellom kropp og verk, og jobber fram assosiasjoner til kroppslige former og taktil hukommelse. Hun har tidligere stilt ut ved blant annet Buskerud Kunstsenter, Soft Gallery, Bomuldsfabrikken Kunsthall, Nordnorsk Kunstmuseum og Trøndelag senter for samtidskunst.

Videoutstilling på Deichman Bjørvika: Duration

Videoutstillingen "Duration" åpner for ulike forestillinger om tid – som erfaring, som målbar størrelse og som et sanselig fenomen. Utstillingen viser verk fra samlingen fra Lisa Tan, Sverre Bjertnæs, Torgeir Husevaag og Pål Lersveen.

Om utstillingen

Evigheten – millioner av år – et døgn – 13 minutter og 20 sekunder

Verkene som inngår i utstillingen varierer i lengde, samtidig som de på hver sin måte undersøker hvordan tid påvirker oss og hvordan vi oppfatter den: det gjentakende og det sykliske, det som ligger bak oss og det som ennå ikke har skjedd, det som føles uendelig og det som forsvinner på et øyeblikk.

Videokunstutstillingen Duration er den femte i rekken av et utstillingssamarbeid mellom kuratorer fra Oslo kommunes kunstsamling og Deichman Bjørvikas utstillingskurator Erik Kaspartu. Oslo kommunes kunstsamling er representert over hele byen i en rekke offentlige rom og bygg, men mangler et dedikert utstillingslokale. Når vi viser verk fra samlingen i Deichman Bjørvika, oppstår derfor et interessant samspill mellom biblioteket som offentlig kunnskapsarena og kunsten som sanselig uttrykk og erfaring – begge kilder til innsikt og læring.

Årets samarbeid bygger videre på flere elementer fra de foregående års utstillinger. De første to utstillingene begge gjennomført i 2022 - En stein er en sakte hendelse og Kaia Hugin: Motholic Mobble 3/8/11 var utelukkende viet videokunst. Tidsbilder (2023) og Hel/Del (2024) inkluderte videoverk som en del av sitt program, ved siden av maleri, grafikk, foto, skulptur og objekter. Felles for hele utstillingsrekken så langt er at tid, historie, bevegelse og varighet trer frem som sentrale tema.

Om videokunsten

Duration omfatter fire verk:

Lisa Tan
My Pictures of You (2019)

Sverre Bjertnæs
Nå. Ingenting. To (2015)

Torgeir Husevaag
Sonar (2021)

Pål Lersveen
Hva heter det igjen når man skulle ha vært der_17 (2024)

Lisa Tan
My Pictures of You (2019)

I Lisa Tans film My Pictures of You inviteres vi til å tenke millioner, om ikke milliarder av år frem i tid og se for oss jorden som planeten mars. Den røde planetens tørre og bølgende sanddyner minner om en uttørket jord og er slående lik ørkenterrenget i sørvest i USA der kunstneren selv vokste opp. En biltur gjennom ørkenen blir en ramme rundt spørsmål om klima og utryddelse. Filmen tilbyr også en alternativ analyse av Roland Barthes' tekst om fotografiet av forfatterens avdøde, elskede mor som barn i det som er kjent som Winter Garden-fotografiet. I filmen erstatter kunstneren Barthes' mor med «mor» Jord. Til tross for filmens dystre hypotese klarer den å forvandle sin egen pessimisme til en gledelig bekreftelse av vår jordbundne tilværelse.

Varighet: 23 min i loop

Plassering: 4. etasje ved fremmedspråk.

Utsnitt fra My Pictures of You (2019) . © Lisa Tan / BONO

Sverre Bjertnæs
Nå. Ingenting. To (2015)

I Sverre Bjertnæs' film som varer i 24 timer ser vi to løshunder i en bakgård i Sofia. Vi følger dem gjennom et tilsvarende tidsrom og får se hvordan de forholder seg til hverandre, i lek, hvile og søvn, som i et parforhold. Hundene kretser rundt et sort hull som opptrer som en slags portal til en annen virkelighet. Opp av hullet stiger det forskjellige figurer som hundene i større eller mindre grad forholder seg til. Det er animasjoner av kunsthistoriske figurer, og av menneskelige organer som en tunge og et øye. Omtrent en gang i timen hører vi et musikkstykke som er skrevet til filmen og som varer i tre minutter. Ved ujevne mellomrom flimrer forskjellig filter over skjermen: maling, smeltende lava, skyer osv. De ulike elementene skaper til sammen en tvetydig og urovekkende stemning. Animasjonene er laget i samarbeid med Sindre Ofstad.

Varighet 24 timer. Vises på to skjermer som starter med 12 times forskjell.

Plassering: 4. etasje i kunstseksjonen.

Utsnitt fra Nå. Ingenting. To (2015). © Sverre Bjertnes / BONO. Foto: Ingvild Brekke Myklebust / OKK

Torgeir Husevaag
Sonar (2021)

Torgeir Husevaags film består av 61 sirkelformede tegninger som går over i hverandre i en form for pulserende montasje. Etter hvert som filmen forløper både fragmenteres, reproduserer og gjenoppbygger tegningene seg selv. Tegningene i filmen er først utført analogt før de digitaliseres og deretter animeres. Antall tegninger reduseres utover i filmen, og sirkel-motivene «strekker seg» for å kompensere for færre antall tegninger. Tempoet og rytmen oppleves lavere. Det elektroniske lydsporet, av Arne Borgan, understreker filmens underliggende sonar-aktige pulsering og meditative repetisjoner.

Varighet: 13 min 30 sek i loop

Plassering: 4. etasje ved kunstseksjonen.

Utsnitt fra Sonar (2021). © Torgeir Husevaag / BONO. Foto: Ingvild Brekke Myklebust / OKK

Pål Lersveen
Hva heter det igjen når man skulle ha vært der_17 (2024)

Pål Lersveens videoprojeksjon viser en naken miniatyrmann plassert nede på gulvet i et hjørne. Han tar et nølende, prøvende skritt fremover. Bevegelsen gjentas og gjentas i et utrettelige forsøk på å bevege seg fremover, men han stanger i veggen. Han er fanget i hjørnet, i en evig hakkete loop. Den bittelille mannen kan lett overses, men når du først ser ham, glemmer du ham ikke. Han kaller på empati og undring. Verket er på mange måter gåtefullt, men inviterer til refleksjon rundt forholdet mellom kropp og arkitektur og hvordan omgivelsene påvirker oss og er med på å forme oss.

Video. Varighet: 4 min 23 sek i loop

Plassering: 3. etasje ved Folkeverkstedet.

Se utstillingen

Utstillingen står på Deichman Bjørvika fra 22. januar til 12. april 2026, og kan oppleves i bibliotekets åpningstid.

Se åpningstider her → Hverdager: Kl. 08 - 22 / Lørdager og søndager: Kl. 10 - 18

Feminist Worldmaking and the Moving Image

Den internasjonale gruppeutstillingen No Master Territories: Feminist Worldmaking and the Moving Image gir en omfattende presentasjon av møter mellom feminisme og bevegelige bilder på tvers av dokumentar- og kunstfilm. Sammenstillingen av verk fremhever en geografi uten sentrum som viser hvordan kunstnere og filmskapere verden over har utforsket forbindelsen mellom kjønn og makt, og hvordan feminisme knytter seg til andre rettferdighetskamper.

Gjennom fokuset på perioden fra 1970 til 1990, ønsker utstillingen å hedre det viktige arbeidet som er gjort, og se det i lys av nåtidens akutte utfordringer.

Besøk & kontakt

Kunstnernes Hus
Wergelandsveien 17
NO-0167 Oslo

Veibeskrivelse

post@kunstnerneshus.no

+47 22 85 34 10

Organisasjonsnummer: 971 437 286

Utstillinger

Midlertidig stengt mens vi monterer en ny utstilling: No Master Territories åpner fredag 13. februar 2026 kl. 19:00.

Kafeteria & bar

MandagStengtTirsdag-torsdag11-23Fredag-lørdag11-01Søndag11-23

kunstnernesjur.no

hei@kunstnernesjur.no

In the exhibition Black Cat, Robin Danielsson presents a series of new ceramic sculptures. The works consist of hand-painted figures in glazed stoneware. Together they form a unified universe that invites the viewer into a distinctive visual world. Danielsson’s sculptures exist in a space between the familiar and the unfamiliar. With references to folklore, surrealism, and pop culture, he creates spatial narratives in which the characters appear both serious, playful, and sometimes humorous. They may seem as they are from a fable or a fairy tale, like they have wandered into the exhibition space from another reality. At the same time, the works are clearly rooted in our time, expressed through the figures’ clothing, use of color, and posture. The sculptures convey both individuality and typology and can be read as portraits as well as mythological characters - avatars or modern icons that reflect human experiences and emotional states.

Danielsson works interdisciplinarily across various media such as drawing, painting, illustration, and music. In his artistic practice, he is especially interested in uniting personal experiences with a dreamlike, often ambiguous expression. This combination gives the works an openness that invites to interpretation, while maintaining a strong visual and material presence. In Black Cat, the sculptures appear as independent characters, but also as parts of a larger group. The exhibition opens for reflections on identity, belonging, and imagination, and provides space for both wonder and recognition.

Robin Danielsson (b. 1983, Jönköping, Sweden) lives and works in Oslo. He studied at the HDK-Valand – Academy of Art and Design in Gothenburg and the Glasgow School of Art. His exhibitions include Blikk på Keramikk at Skog Art Space (2025); Another Landscape at Hå Gamle Prestegard (2024), Rött Öga at Salgshallen Oslo (2023), Familieselskap at KÖSK, Oslo (2022), Høstutstillingen (2019), Moonlight Activities at Tegnerforbundet, Oslo (2018), Studio Spring at Center of Contemporary Art Andratx, Mallorca (2018), What Is Left Behind at Akershus Kunstsenter, Lillestrøm (2017),  Wildlife Sculpture Park at Nesodden (2017) and Skissen at Galleri Soft, Tegnebiennalen, Oslo (2016). In 2020, Danielsson completed a major art project for Lørenskog Municipality. His works have been acquired by, among others, The Norwegian Parliament, Equinor Art Programme, KODE, and the National Museum of Decorative Arts and Design.

FORMAT

Format was founded in 1991 and is a leading gallery for contemporary crafts and design in Norway. The gallery is an exhibition and sales venue of the finest artistic quality within the material-based arts. The gallery aims to strengthen the position of Norwegian contemporary crafts and design internationally and through working with both established and emerging artists the gallery reflects the various tendencies in contemporary crafts and design today. The gallery’s goal is to challenge established norms while highlighting key values in the field by actively bringing a wider spectrum of artistic practices in material-based art to the fore.

FORMAT OPEN CALL 2027/2028
Format is a leading gallery for contemporary craft. The gallery presents professional, material-based artists. By exhibiting established artists and new talents side by side, the gallery reflects the various tendencies within contemporary craft today. Through exhibitions and outreach to a wide audience, Format works to increase knowledge and understanding of contemporary craft. The gallery aims to be a central and visible actor in the field, promoting the quality and diversity that contemporary craft represents. Format hosts six exhibition periods per year, featuring up to 18 different exhibitions. The gallery showcases the breadth of the field in relation to diverse materials, techniques, and forms of expression.

Submit your exhibition proposal—including concept, images, and bio—in a single PDF file (max 5 MB) to oslo@format.no. Remember to include a name in the PDF filename and mark the email subject line with “Open Call”.

The application deadline is January 9, 2026. Applications will be reviewed by a professional jury, and results will be communicated during March 2026.

Floor plan

Opening hours
Tues­day - Fri­day 12 - 17
Sat­ur­day - Sun­day 12 - 16
Closed during the Christmas, Easter, Pentecost and Summer Holidays (July)

Accessibility
Format is accessible for disabled guests and wheelchair users. You can find a wheelchair access next door to the gallery in Kongens gate.

Contact
Format
Rådhusgaten 24 N-0151 Oslo
T +47 22 41 45 40
oslo@format.no

En positur kan teste ut en identitet eller forsøke å forfalske den. Den kan sminke, skape illusjoner, uttrykke makt eller avsløre usikkerheter. Det å posere er knyttet til identitet, selvforståelse og selvillusjon. En positur blir som regel til for et utenforstående blikk. Den er også et flyktig øyeblikk i tiden, den kan være smertefulle eller humoristisk. En positur er alltid midlertidig.

POSERS presenterer et landskap av rekonstruksjoner, hvor skulpturene hilser oss med grasiøse gester. I Mettes arbeider får funne objekter, hverdagslige materialer og former av pappmasje nytt liv – en rekonfigurasjon hvor tilfeldigheter og lek står i sentrum for den skapende prosessen. Skulpturene prøver å bevare verdigheten til tross for at de på ulikt vis bærer preg av slit eller voldsomme endringer. De prøver å holde seg oppreist, men lykkes kun ved hjelp av midlertidige eller improviserte løsninger.

Humor oppstår i arbeidet når materialene nekter å oppføre seg korrekt, når gjenkjennelige gjenstander beveger seg fra det hverdagslige mot det absurde. Det skjeve, upresise og midlertidige blir ikke feil, men aktive grep som åpner sprekker i maktforholdene og strukturene vi til daglig beveger oss ubemerket rundt i. De gjør plass til tvil, forhandling og nye forbindelser. Ved å løsrive objektene fra sin opprinnelige funksjon oppstår nye sammenhenger. Det sanselige, det lekne og det irrasjonelle fremtrer som mer enn stilistiske grep, men som konsekvenser av materialenes medvirkning og iboende historie.

Mette Sandfær (f. 1961, Roskilde, Danmark) er utdannet fra Kunstakademiet i Bergen i 2023. Sandfærs stedsspesifikke praksis aktiverer funne hverdagsmaterialers egenart og historier i kroppslig forankrede installasjoner, som undersøker orden og kaos som kritikk av hierarkier, kontroll og effektivitet. Sandfær har hatt separatutstillinger ved blant annet Hordaland Kunstsenter, Kunstforeningen i Trondheim, Forhallen i Stavanger, Tag Team Studio i Bergen og Nida Art Colony i Litauen. Hun har også deltatt på utstillinger ved Bergen Kunsthall, Aarhus Kunsthall og Kunsthall Charlottenborg.

---

A pose can try out an identity or attempt to counterfeit it. It can conceal, create illusions, express power, or reveal insecurities. Posing is linked to identity, self-understanding, and self-deception. A pose usually comes into being for an external gaze. It is also a fleeting moment in time; it can be painful or humorous. A pose is always temporary. 

POSERS presents a landscape of re-constructions where a group of sculptures greet us through graceful gestures. In Mette Sandfær’s work, found objects, everyday materials, and forms made of papier-mâché find a new life through their re-configuration where chance and play are at the core of the creative process. The sculptures attempt to preserve their dignity despite bearing traces of wear or violent changes. They strive to remain upright, but succeed only with the help of temporary or improvised solutions. 

Humor arises in the work when materials refuse to behave properly, when recognizable objects are displaced and move from the everyday toward the absurd. The skewed, the imprecise, and the temporary are not treated as errors, but as active strategies that open cracks in the power relations and structures we normally move around within unnoticed. They create space for doubt, negotiation, and new connections. By detaching objects from their original function, new constellations emerge. The sensory, the playful, and the irrational appear as more than stylistic devices; they are consequences of the materials’ agency and their inherent histories.

Mette Sandfær (b. 1961, Roskilde, Denmark) graduated from the Bergen Academy of Art and Design in 2023. Sandfær’s site-specific practice activates the inherent qualities and histories of found everyday materials in installations that examine order and chaos as a critique of hierarchies, control, and efficiency. Sandfær has held solo exhibitions at Hordaland Art Centre, the Trondheim Art Association, Forhallen in Stavanger, Tag Team Studio in Bergen, and Nida Art Colony in Lithuania among others. She has also participated in exhibitions at Bergen Kunsthall, Aarhus Kunsthall, and Kunsthall Charlottenborg.

I utstillingen Your Holy Water i LNM presenterer Robel Temesgen en serie malerier av vannflasker som en fortsettelse av sitt doktorgradsprosjekt ved KHiO «Practising Water»; om Den blå Nilen og ritualer knyttet til den.

I 2800 meters høyde ligger kilden Gish Abay i Etiopia, den er starten på Den blå Nilen som renner videre inn i Sudan der den møter Den hvite Nilen og sammen blir til Nilen som så flyter gjennom Egypt og ut i Middelhavet. Denne kilden blir ansett som hellig av den ortodokse kirken i Etiopia og er et viktig pilegrimsmål. Etiopia har en av de eldste kristne tradisjonene i verden, allerede på 300-tallet ble kristendommen statsreligion, og det sies at røttene til den etiopiske kirken går helt tilbake til apostlenes tid.

I utstillingen i LNM fokuserer Temesgen på vannflaskene som pilegrimene samler opp det helende og hellige vannet for å bære det med seg hjem. I våre dager er det for det meste helt ordinære vannflasker eller vannkanner i plast som brukes, men fylt med vannet fra Gish Abay blir de til hellige beholdere som pilegrimene tar med seg hjem for å velsigne og beskytte seg, og sine hjem.

Det var under sitt andre besøk til Gish Abay at Temesgen ble interessert i vannbeholderne: Jeg oppholder meg så mye som mulig i umiddelbar nærhet til vannet – eller i det. Gradvis vender oppmerksomheten seg mot forestillingen om beholderen, forstått i vid forstand: som det som rommer, kanaliserer eller muliggjør vannets bevegelse. Beholderen kan anta mange former og skalaer, og omfatter blant annet elveleiet; formasjoner av steiner som legemliggjør elvens ånder; tekstiler, geiteskinn, plastflasker og kar brukt til å bære det hellige vannet; samt menneskekroppen selv. (Fra Robel Temesgen, Practising Water: report #1)

Adbar, et førkristent amharisk begrep som har blitt integrert inn i den etiopiske ortodokse kristendommen, peker på naturlige landskap som er befolket av beskyttende ånder; kilden ved Gish Abay er et slikt sted. Ved Gish Abay blir vannbeholdere samlet ved kilden før de skal fylles, mens pilegrimene foretar rituelle renselsesbad. Flaskene blir ofte merket eller på annet vis personliggjort så eieren skal finne tilbake til riktig flaske eller kanne. Han omtaler maleriene av vannflasker både som landskap og som portretter. De er malerier av landskapet rundt kilden, tett befolket av flasker og vannkar, men flaskene representerer også pilegrimene som samler seg ved kilden, eller åndene som bebor vannet.

Seriene med malerier er malt med vannbasert maling, de er tilnærmet ensfarget i oker, gul, karmosinrød, viridiangrønn eller gråsvart. Måten flaskene er malt, delvis overlappende, skaper en nesten spøkelsesaktig stemning, på en måte som understreker flaskenes gjennomsiktighet. Slik blir vann i seg selv et element som ikke bare definerer motivet, men det inngår også i mediet verkene males med. De store kraftige akvarellarkene henger løst på veggen og bøyer seg utover, slik at de får en skulpturell tilstedeværelse i rommet.

___________________________________________________________

Robel Temesgen (f.1987 i Etiopia) sin praksis spenner mellom maleri, installasjon og performance. Arbeidet hans utforsker de symbiotiske relasjonene mellom mennesker, steder og spirituelle tradisjoner. Temesgens langsiktige prosjekter, inkludert Adbar, Addis Newspaper og Practising Water, undersøker hvordan kulturell hukommelse og ritualer former offentlige rom og kollektive erfaringer. Temesgen er ph.d.-stipendiat i kunstnerisk utviklingsarbeid ved Kunsthøgskolen i Oslo. Siden 2010 har han vært foreleser ved Maleriavdelingen ved Alle School of Fine Arts and Design, Addis Abeba Universitet.

Landsforeningen Norske Malere (LNM)

Landsforeningen Norske Malere (LNM) er en landsdekkende fagorganisasjon for profesjonelle kunstnere som arbeider med maleri.

Organisasjonen ble etablert i 1968 for å fremme malernes interesser og inngår som en av grunnorganisasjonene i Norske Billedkunstnere. Les mer om LNMs historikk under.

LNMs galleri ligger i Rådhusgata 37, like ved Kontraskjæret. Årlig vises 8-9 utstillinger som avspeiler bredden i norsk samtidsmaleri.

LNM har i dag over 650 medlemmer. Se liste over LNMs medlemmer.

LNM kan bistå med private og offentlige konsultasjoner til utsmykningsoppdrag.

Velkommen til LNM!

Opprettelsen av LNM startet i 1967, da det ble avholdt to møter i Kunstnernes Hus i den hensikt å danne det som da ble kalt “malerforeningen.” Formålet med møtene var å utarbeide et formålsdokument og sammenkalle til en konstituerende generalforsamling. Foreningen skulle være en frittstående organisasjon som kunne samarbeide med de øvrige organisasjonene som eksempelvis Norske Grafikere. En komité ble opprettet for å utarbeide endelige lover og et interimstyre bestående av Irma Salo Jæger, Frans Widerberg og Snorre Andersen.

Landsforeningen Norske Malere så dagens lys 15.mai 1968. I den tredje utgaven fra 1968 i "Meddelelesblad til norske kunstnere fra Bildende Kunstneres Styre" ble kunngjøringen om LNM opprettelse gitt. Der står det videre å lese at styret skulle ha fem medlemmer: Halvdan Ljøsne, Knut Rose, Niclas Gulbrandsen, Kalle Orstad og Tor Refsum.

70-årene: Kunstnernes krav

LNM ble dannet like i forkant av 70-årene, som ble tiåret hvor kunstnerne tok aktivt del i å kjempe for å bedre sine kår. Det gjaldt ikke bare materielle krav, som at staten skulle gi vederlag for ytelser kunstnerne gir, men vel så viktig var det at de også skulle få mer innflytelse over beslutninger som gjaldt deres egen situasjon. Egne organisasjoner skulle bli mer demokratiske og gi større bredde. Formålet var at medlemmene skulle få en sterkere følelse av tilhørighet. Omorganiseringen skulle dessuten gi større slagkraft.

Den første tiden

De første styremøtene i LNM kom i gang i 1969. Det tok lang tid før foreningen fikk et skikkelig kontor og utstilligslokale. Økonomien var et problem, men mangel på penger hindret ikke medlemmene i å stille ut sine verker i en rekke kollektive utstillinger, som gikk på vandring til ulike kunstforeninger. Noen utstillinger ble også presentert i leide lokaler i Oslo.

Utstillingslokaler

I 1978 kunne medlemmene endelig stille ut i eget galleri i Uranienborgveien 7. Fjorten år senere i 1992 fikk LNM nye lokaler i Kongens gate 2, først i lokaler med store vinduer ut mot Kongens gate, så to år senere i hjørnelokalene mot Bankplassen. Plassen økte betraktelig fra 60 kvadratmeter til 100 kvadratmeter. Sentral plassering i hovedstaden og nærhet til museer, som Samtidskunstmuseet plassert i gamle Norges Bank på andre siden av plassen, Arkitekturmuseet og Astrup Fearnley museet og andre gallerier gjorde beliggenheten gunstig.

Mange har opp gjennom årene gjort en uegennyttig innsats, især da de forskjellige formennene: Rino Harveg, Anne M. Norum, Henry Bardal, Irma Salo Jæger, Ingolf Holme, Odd Kristian Steenberg, Torstein Rusdal, Erik Frohde, Bergljot Viksjø Blaaland, Sverre Dybing, Inger Høyer-Dahl, Berit Løken, Halvard Haugerud, Britt Juul, Ingeborg Stana, Lars Strandh, Hennie Ann Isdahl, Annine Qvale, Nina Refsnes, Jens Hamran, Thomas Sæverud og Øystein Tømmerås.

20-års jubileum

Da foreningen fylte 20 år, og vi fortsatt holdt til i Uranienborgvn. 7, ble det arrangert 2 store utstillinger i henholdsvis Oslo og Drammen Kunstforeninger. 170 malerier av 452 innleverte ble vist i utstillingene som varte fra 27 august til 18 september. I LNMs styre satt Bergljot Viksjø Bjaaland (styreleder), Marilyn Amatruda, Mette Holst, Lazslo Pal Kiss og Kari Røhmen Langaas. I juryen satt Kjetil Skøien (formann), Conny Andersen, Bjørg Brekke, Johan Knoff og Mette Nissen Melsom

25-års jubileum

25-årsjubileet i 1993 ble markert med en stor utstilling i Ibsenhuset i Skien. Utstillingen ble senere vist i tre omganger i LNMs lokaler i Kongens gate 2 (flyttet i 1991). Kunstnerisk råd ble avskaffet våren 1992 og styret overtok også den juryerende funksjonen. Juryen/styret besto dengang av Berit Løken (styreleder), Marilyn Amatruda, Morten Juvet, Anne Lindvik og Ivar Jerven.

30-års jubileum

De første 30 årene ble behørlig feiret over hele landet: Medlemstallet hadde økt fra 286 i 1976 til 520 i 1998, og det ble åpnet over 20 utstillinger simultant over hele landet fra Nordkappmuseet i nord til Galleri Lista fyr i sør. i Galleri LNM ble det vist en separatutstilling med Jørgen Dobloug, de andre utstillingene ble arrangert og gjennomført av medlemmene selv. På denne tiden besto juryen/styret av Ingeborg Stana(styreleder), Tony Larsson, Maureen Baird, Roar Werner Eriksen og Lars Strandh.

40-års jubileum

Jubileumsutstillingen 40/40 ble til i nært samarbeid med Stenersenmuseet, og viste arbeider av førti malere utdannet mellom 1968 og 2008: Ti kunstnere fra hvert tiår som sammen representerer et bredt utvalg av de siste 40 års produksjon. Kuratorer for utstillingen var Åsil Bøthun, Henie Ann Isdahl og Kjetil Skøien.

50-års jubileum
I 2018 feiret vi foreningens 50-års jubileum. Gjennom en todelt utstilling, filmvisninger, konsert, seminar og en katalog ønsket vi å undersøke maleriets posisjon i dag, i tillegg til å drøfte hvordan dagens maleri relaterer seg til det historiske bakteppet. I jubileumsutstillingen 1968 I 2018 sto verk fra 1968 og 2018 i dialog med og brytning til hverandre. Utstillingen var kuratert som én utstilling, men den ble vist to steder: På Kunstnernes hus og i LNMs galleri.

Nye lokaler i Rådhusgata 25b
Etter 30 år på Bankplassen flyttet LNM til nye lokaler i Rådhusgata 25b i april 2024. LNM ble oppfordret av huseier i Kongens gate 2 til å begynne å lete etter nye lokaler på senhøsten 2023, da de hadde nye planer for hele gården. De nye lokalene i Rådhusgata 25b ligger like ved Kontraskjæret, i lokaler som opprinnelig huset offentlige toaletter, og så fra 90-tallet, Club Skansen, en kjent teknoklubb. De nye lokalene befinner seg midt mellom Kunstnerforbundet og Oslo Kunstforening, men også fortsatt med nærhet til resten av institusjonene i Kunst i Kvadraturen. Lokalene er også på motsatt side av Rådhusplassen for det nye Nasjonalmuseet.

Åpningstider

• Tir. - fre. 11-17
  Lør. - søn. 12-16
  Man. stengt

• Adresse
  Rådhusgata 37
  0158 Oslo

• Kontakt

• E-post: daglig@lnm.no

• Tlf: (+47) 45834426 / Randi: (+47) 90081685

• Følg LNM

• Facebook

• Instagram

• Nyhetsbrev

Vi er stolte av å presentere Anne Karine Thorbjørnsens tredje soloutstilling på Salgshallen. Velkommen!

Åpningstider

tor 12:00 – 18:00
fre-lør 12:00 – 16:00

Tone Vigeland (1938-2024) was one of Norway’s most recognized artists of her generation.

She received her education from the National College of Art, Craft and Design, Oslo and from the 1970’s and onward, she was one of the world’s leading studio jewellery artists.

From the mid 1990’s, she worked increasingly with sculpture and installation, oftentimes on a monumental scale. From the early 1960’s she exhibited regularly and was presented in numerous arts and crafts surveys internationally.

Her works are held in collections such as the National Museum in Oslo, The Museum of Modern Art in New York, Victoria and Albert Museum in London and the National Museum of Modern Art in Tokyo. In 2014, Vigeland was the Festival Exhibition Artist at the Bergen International Festival, and in 2017 she was honoured with a retrospective exhibition at Die Neue Sammlung in Munich. In 2022, Vigeland completed an outdoor sculpture for Kistefos Museum in Jevnaker, Norway.

ABOUT GALLERY RIIS

Galleri Riis was founded in Trondheim in 1972 by collectors Inger and Andreas L. Riis, and it has been based in Oslo since 1980. From 2011 to 2017 the gallery operated a second space in Stockholm which confirmed the gallery’s importance on the Scandinavian art scene. In August 2016, the Oslo gallery relocated to a renovated 1890’s residential building in the city centre.

The current exhibition program reflects a long-standing history, with a primary focus on important contemporary art from the Nordic countries including a selective spotlight on international artists. The gallery has over the years also mounted a number of historic exhibitions with contemporary and modern masters. Galleri Riis is owned and directed by Espen Ryvarden and Kristin Elisabeth Bråten.

CONTACT

Arbins gate 7
NO-0253 Oslo
Norway

Tuesday – Friday 12-17
Saturday 12-15

+47 22 94 40 40
info@galleririis.no

Eit gøyme er ein stad du kan legge frå deg skattane dine, til du trenger dei.
– Anne-Marte Før

I Eit gøyme utforsker Anne-Marte Før et tvisyn knyttet til stedbundenhet, bevaring, bruk og omforming. Hun utforsker håndminne og handlingsbåren kunnskap.

Kunstneren jobber med gjenstander som er gamle, laget med kunnskap som er overført fra hånd til hånd, fra kropp til kropp. Gjenstander som har flyttet seg gjennom landskap og som har vært til nytte både vintrer og vårer. Eit gøyme er Anne-Marte Førs første separatutstilling i Oslo.

Gjenstander som krysser tid og rom

I utstillingen vender Anne-Marte Før tilbake til tre tidligere verk. Hun forsøker å hente frem noe mer eller noe annet fra de, la de trekke veksler på hverandre. Her får vi møte en fugl eller flere, dyrebjeller, trau og en ølbolle. Disse gjenstandene har lokale minner og spor, som kan knytte de til et sted, til en tid, men samtidig har de, for kunstneren, noe universelt og kanskje tidløst ved seg. For Før krysser disse gjenstandene, på sine vis, tid og rom, samtidig som de blir meningsbærere til ulike tider og for verden nå.

Kulturhistorisk materiale

Anne-Marte Før arbeider med kulturhistorisk materiale i vid forstand og reflekterer over transformasjon, fravær, mellomrom og tid. Kunstneren er interessert i stedbundne og flytende identiteter, og hvordan gjenstander, sanger, fortellinger, kunnskap og kunst endrer seg gjennom traderingsprosesser.

Om Anne-Marte Før

Anne-Marte Før er billedkunstner bosatt i Valdres/Oslo. Hun har en mastergrad fra Kunsthøgskolen i Oslo (2024). Førs praksis er ikke mediespesifikk og spenner fra installasjon, lydarbeid, objekt og skulptur til tekst. Arbeidene hennes har vært vist på blant annet Guttormsgaard Arkiv, Blaker, Gallery Carillion, Dallas, USA, Kunstbanken Performancefestival, Hamar og Kunstnernes Hus, Oslo. Før driver også kunstprosjektet Flyktig / Fugitive, sammen med Gary Farrelly, der de hver sommer siden 2021 har invitert kunstnere til å jobbe med performative og temporære praksiser i Valdres.

Omtaler og anmeldelser:

3000 leirfuglar, eit maskinelt trau og ein «sci-fi-ølbolle: Anne-Marte Før utforskar omforming av det gamle i ny utstilling, Avisa Valdres, 19.1.2026.

___

I anledning utstillingen har vi laget en film der Anne-Marte Før forteller om utstillingsprosjektet:

Utstillingen er støttet av Billedkunstnernes Vederlagsfond og Kulturrådet.

Om oss

Atelier Nord er et visningssted for samtidskunst med fokus på mediekunst. Vi presenterer et variert program av utstillinger, kunstnersamtaler og workshops, og tilbyr gratis arbeidsopphold for profesjonelle billedkunstnere i vårt studio for lyd- og bilderedigering

Historikk

Atelier Nord ble opprettet av Anne Breivik og Reidar Rudjord i 1965 som et verksted for grafikk. Verkstedet ble en viktig base for kunstproduksjon i Oslo og spilte en avgjørende rolle for flere av grafikkens nestorer. I 1993 fikk verkstedet investeringsmidler fra Norsk Kulturråd for å opprette en data- og videoavdeling. Grafikkavdelingen ble nedlagt i 1998 og elektronisk kunst satt i fokus. Atelier Nord spilte en sentral rolle i etableringen av norsk videokunstproduksjon og var den første organisasjonen som arbeidet målrettet med nettkunst.

Fra 2003 startet en omlegging av Atelier Nord fra fokus på elektronisk kunst til å bli en base for såkalte ustabile kunstformer. Å vise og formidle mediekunst er hovedformålet til Atelier Nord i dag. Fra høsten 2011 ble virksomheten utvidet med et visningsrom på Olaf Ryes plass på Grünerløkka i Oslo. I 2017 flyttet også administrasjonen til samme adresse etter tilhold på Sagene og på Kunstnernes Hus. Dermed befinner både kontor, visningsrom og redigeringsrom seg i samme bygg. ORP 2 (Olaf Ryes plass 2) er en del av Oslo kommunes kulturbygg og rommer 18 kunstneratelier i tillegg til gjesteleilighet og kontorlokaler.

Organisasjon

Atelier Nord er en selveiende stiftelse. Atelier Nord mottar driftsstøtte fra Norsk kulturråd og støtte fra Kulturetaten, Oslo Kommune, i form av subsidisert leie.

Tilgjengelighet

Det er tilrettelagt for rullestoltilgang til galleriet, hvor det også finnes handicap–toalett. Det finnes også to handicap-parkeringsplasser rett utenfor inngangen til galleriet. Det er dessverre ikke heis til Atelier Nords kontor.

Besøk oss
Olaf Ryes plass 2, Oslo.
Inngang fra Sofienberggata.

Åpningstider
Torsdag/Fredag 15—18
Lørdag/Søndag 12—17

Kontakt
+47 23 06 08 80
office@ateliernord.no

Følg oss
Instagram Facebook
LinkedIn
Vimeo

Siden våren 2024 har dokumentarfotograf Andrea Gjestvang reist til Ukraina og dokumentert den ofte oversette hverdagskampen som utspiller seg i krig.

Mens mange menn sendes til fronten, kjemper ukrainske kvinner en annen, mindre synlig kamp; de holder sine familier samlet i usikkerheten og forsøker å skape kontinuitet i et liv preget av fravær. 

Gjestvang har besøkt frontnære byer som Kharkiv, Zaporizjzja og Dnipro, samt Kyiv, og møtt kvinner som på ulike måter er berørt av Russlands invasjon: Mødre, søstre, døtre, enker og frivillige. De bærer omsorgsbyrden og lever med traumer og tap, samtidig som hverdagen skal fortsette med arbeid, skole og omsorg. 

Før 24. februar 2022 lignet livene deres på fotografens eget:

Helt siden Russlands fullskalainvasjon har jeg hatt et sterkt ønske om å reise til Ukraina og dokumentere. Men jeg var redd, og det var vanskelig å rettferdiggjøre hvorfor også jeg skulle dra. Det var så mange fotografer der allerede. Det er ikke mitt land. Samtidig kunne jeg ikke slippe tanken på kvinnene i krigens hverdag. Som mor selv kan jeg bare ane det enorme presset de lever under.  

Blant kvinnene som Gjestvang har fotografert, er mødre som var på Okhmatdyt-barnesykehuset i Kyiv, under rakettangrepet 8. juli 2024. Som mødre til alvorlig syke barn sto de allerede i sitt livs kamp da sykehuset ble rammet av et dødelig missilangrep. Andre har mistet partnere, sønner og fedre. Flere bygger nye fellesskap og støttenettverk i lokalsamfunnene.

Bildene blander intime portretter med lavmælt dokumentarfotografi. Gjestvang nærmer seg motivene tett på og uten dramatikk. I en tid preget av en konstant strøm av krigsbilder søker hun å skape fotografier som gir rom for ettertanke og inviterer til refleksjon rundt fravær, omsorg, savn og styrke.

Arbeidet er støttet av Norsk Fotografisk Fond, Fritt Ord, Otto-Steinert-Preis i Tyskland og Panorama nyheter.

Biografi

Andrea Gjestvang er en norsk fotograf med base i Oslo og Berlin, med praksis innen redaksjonelle oppdrag og langsiktige dokumentarprosjekter. Hennes arbeid kjennetegnes av et nært uttrykk som ofte tematiserer samtidige sosiale spørsmål. Gjestvang fikk internasjonal anerkjennelse for prosjektet One Day in History (2011), portretter av overlevende etter terrorangrepet 22. juli, og ble i 2013 tildelt L’Iris d’Or – Photographer of the Year under Sony World Photography Awards. I 2023 publiserte hun boken Atlantic Cowboy, om mannens identitet og rolle i utkantsamfunn på Færøyene. Gjestvang har vært publisert i internasjonale medier og stilt ut ved en rekke museer og kunstinstitusjoner i Europa, Asia og Latin-Amerika. Hun er medlem av Panos Pictures og har mottatt flere nasjonale og internasjonale priser og stipender.

FOTOGRAFIENS HUS

Fotografiens Hus er et fotogalleri åpent for allmennheten og holder sentralt til i kunstdistriktet Kvadraturen i Oslo.

Fotografiens Hus har siden 1999 vært et visningssted for fotografi i Rådhusgata 20 i Oslo. Galleriets formål er å øke kunnskap om og engasjement for fotografiet som uttrykk og fag. Utstillingsprogrammet skal gjenspeile de mangfoldige måtene fotografi i vår samtid blir brukt for å fortelle historier, med bredt spenn i sjanger og uttrykk. Utstillingene skal ha høy kunstnerisk kvalitet og velges av en egen fagkomité. For å sikre et tidsaktuelt program der ulike stemmer tar plass, arbeider fagkomitéen også etter anmodning om bredde i utstillernes kjønn, alder, etnisitet og kunstnerisk bakgrunn. 

Driften av Fotografiens Hus finansieres gjennom tilskudd fra Norske Fagfotografers Fond.

Åpningstider:
Onsdag–fredag: 12-17
Lørdag-søndag: 12–16

Gratis inngang

Adresse Fotografiens Hus
Rådhusgata 20
0151 Oslo

E-postsekretariat@fotografiens-hus.no

Sosiale medier

• Instagram

• Facebook

Lisa Tan (born 1973, Syracuse, NY, USA) lives in Stockholm. Her work is imbued with personal narrative and marked by material and conceptual precision. Video, installation, text, sculpture, drawing, photography, performance, other gestures, are the different forms her work has taken. The complexities of individual subjectivity and the formation of the self occupy her, as she often turns to literature and the history of photography to contemplate how a person’s relationship to the world and to others is shaped.

Her work has been presented in solo and group exhibitions at institutions such as Moderna Museet (Stockholm), Kunstinstituut Melly (formerly known as Witte de With) (Rotterdam), MIT List Center (Cambridge), Kunsthall Trondheim, Whitechapel Gallery (London), ICA Philadelphia, Kadist Art Foundation (Paris), Tabakalera International Center for Contemporary Culture (San Sebastian), Contemporary Art Gallery CAG (Vancouver), Artists Space (New York), ICA Philadelphia, Accelerator (Stockholm). Tan’s work was presented in the 11th Göteborg International Biennial of Contemporary Art (GIBCA) (2021), osloBIENNALEN First Edition (2019-2020), ever elusive, Transmediale festival, Haus der Kulturen der Welt (2017), Why Not Ask Again?, the 11th Shanghai Biennale (2016), Surround Audience, the Triennial exhibition at the New Museum (2015). Her work is in the collections of Moderna Museet, Stockholm, Malmö Konstmuseum, the City of Oslo’s public art collection, Coleção Moraes-Barbosa, São Paulo, and Artium the Museum of Contemporary Art of the Basque Country, Vitoria-Gasteiz.

She is currently Professor of Art in the Master’s program at Konstfack University of the Arts, Crafts and Design in Stockholm. She received a MFA from the University of Southern California (USC) in Los Angeles (2001), a PhD from Valand Academy, University of Gothenburg (2015).

ABOUT GALLERY RIIS

Galleri Riis was founded in Trondheim in 1972 by collectors Inger and Andreas L. Riis, and it has been based in Oslo since 1980. From 2011 to 2017 the gallery operated a second space in Stockholm which confirmed the gallery’s importance on the Scandinavian art scene. In August 2016, the Oslo gallery relocated to a renovated 1890’s residential building in the city centre.

The current exhibition program reflects a long-standing history, with a primary focus on important contemporary art from the Nordic countries including a selective spotlight on international artists. The gallery has over the years also mounted a number of historic exhibitions with contemporary and modern masters. Galleri Riis is owned and directed by Espen Ryvarden and Kristin Elisabeth Bråten.

CONTACT

Arbins gate 7
NO-0253 Oslo
Norway

Tuesday – Friday 12-17
Saturday 12-15

+47 22 94 40 40
info@galleririis.no

In the exhibition Losing Landscape, Dalmar has worked with the impact of Sitka spruce on the Norwegian landscape. Through fieldwork in logging areas along the coast of Western Norway and Mid-Norway, she has examined how the Norwegian cultural landscape has changed since small-scale and subsistence farming was phased out in the 1950s. Grassland was planted with fast-growing Sitka spruce, and the landscape changed both in appearance and character. When natural forests were transformed into so-called production forests, clear-cutting became a consequence.

The wood type, which within a few decades became a beloved national asset, symbolized progress and modernity. It created optimism among farmers on islands and along fjords. The planting was initially seen as an opportunity for transition and a much-needed source of timber and building materials. The long-term and unintended ecological effects have led many to reconsider their relationship with Sitka spruce. This form of forestry has altered the character of the landscape across large areas, damaged cultural heritage sites, blocked paths and access routes, and crowded out local vegetation.

How is it experienced by those who live in such areas when the forest around them is suddenly clear-cut? Architect Nordberg Schults introduced the concept of “loss of place” in relation to development and transformation in urban and rural areas. Dalmar is interested in how these sudden changes affect us. When places and forest environments we grew up with change overnight, our memories of these places also change—memories tied to nature’s forms, experiences, and physical appearance. Through photographic works, Dalmar shows the visual consequences in the landscape following the introduction of Sitka spruce. Using Sitka spruce sourced from a clear-cut area in Trøndelag, she explores the wood material itself in several sculptural works.

Line Anda Dalmar (b. 1983, Stavanger) is based in Trondheim and works across various materials and media, including photography, sculpture, sound, video and drawing. Her work is rooted in reflections on memory and the ways we experience, remember, and register the world around us. Dalmar works site-sensitively, and her projects usually originate from field studies. In recent years, she has exhibited at Rogaland Art Centre, Stavanger Art Museum, Preus Museum, RAM Galleri, Tegnerforbundet, Spriten Kunsthall, and the art associations of Trondheim, Kongsberg, and Levanger. Her work has been acquired by Preus Museum, and she has completed public art commissions for, among others, Sviland School and Stord Upper Secondary School. Dalmar holds a master’s degree from Konstfack in Stockholm and a bachelor’s degree from Faculty of Fine Art, Music and Design (KMD) in Bergen.

The exhibition is supported by: Arts and Culture Norway, the Municipality of Trondheim, the Norwegian Visual Artists’ Remuneration Fund, the Relief Fund for Visual Artist, and the Norwegian Art Centres.

FORMAT

Format was founded in 1991 and is a leading gallery for contemporary crafts and design in Norway. The gallery is an exhibition and sales venue of the finest artistic quality within the material-based arts. The gallery aims to strengthen the position of Norwegian contemporary crafts and design internationally and through working with both established and emerging artists the gallery reflects the various tendencies in contemporary crafts and design today. The gallery’s goal is to challenge established norms while highlighting key values in the field by actively bringing a wider spectrum of artistic practices in material-based art to the fore.

FORMAT OPEN CALL 2027/2028
Format is a leading gallery for contemporary craft. The gallery presents professional, material-based artists. By exhibiting established artists and new talents side by side, the gallery reflects the various tendencies within contemporary craft today. Through exhibitions and outreach to a wide audience, Format works to increase knowledge and understanding of contemporary craft. The gallery aims to be a central and visible actor in the field, promoting the quality and diversity that contemporary craft represents. Format hosts six exhibition periods per year, featuring up to 18 different exhibitions. The gallery showcases the breadth of the field in relation to diverse materials, techniques, and forms of expression.

Submit your exhibition proposal—including concept, images, and bio—in a single PDF file (max 5 MB) to oslo@format.no. Remember to include a name in the PDF filename and mark the email subject line with “Open Call”.

The application deadline is January 9, 2026. Applications will be reviewed by a professional jury, and results will be communicated during March 2026.

Floor plan

Opening hours
Tues­day - Fri­day 12 - 17
Sat­ur­day - Sun­day 12 - 16
Closed during the Christmas, Easter, Pentecost and Summer Holidays (July)

Accessibility
Format is accessible for disabled guests and wheelchair users. You can find a wheelchair access next door to the gallery in Kongens gate.

Contact
Format
Rådhusgaten 24 N-0151 Oslo
T +47 22 41 45 40
oslo@format.no

I 2026 løfter utstillingen "Tråder i tid – Fra Riksteppene til Kongeteppet" i Dronning Sonja KunstStall fram den norske billedvevtradisjonen.

Mens andre europeiske kongehus på 1600-tallet bestilte store, fabrikkproduserte gobeliner fra steder som Paris, forteller Slottets samling en annen historie. Den består av vevnader fra fremstående norske kunstnere og håndverkere, preget av den nasjonale husflidsånden, lokal ull og plantefarging. Denne arven representerer et unikt stykke norsk kunst- og kulturhistorie som ikke har vært vist i et slikt omfang tidligere. Flere av vevnadene er til daglig en del av private interiører og vises nå for aller første gang i en offentlig sammenheng.

Utstillingen løfter fram kjente og ukjente kunstnere og håndverkere. Gjennom grundige undersøkelser av arkiver og regnskaper har det vært mulig å identifisere flere viktige mønstertegnere som Marie Karsten og Annette Schirmer, samt dyktige vevere som Karen og Ragnhild Prestgard, Ulrikke Greve og Karen Meidell.

Prestgard-søstrene, som farget garnet selv med vekster fra naturen, og Meidell, som leverte en rekke arbeider direkte til Dronning Maud, er viktige representanter for det høye håndverksmessige nivået som preget perioden. Utstillingen viser hvordan disse kvinnene kombinerte det tekniske med en ideologisk holdning forankret i norsk natur og tradisjon.

For mange vil Riksteppene være utstillingens absolutte høydepunkt. Disse monumentale verkene, vevd under ledelse av Frida Hansen etter tegninger av Gerhard Munthe, vant gullmedalje under verdensutstillingen i Paris i 1900. I utstillingen blir teppene vist sammen med Gerhard Munthes versjoner, som for anledningen er lånt inn fra Norges Handelshøyskole / Villa Stupet i Bergen og Trondheim Kunstmuseum. Riksteppene hang i mange år i Slottets øvre vestibyle som et nasjonalt symbol, men ble tatt ned for å bevares for ettertiden. Nå gjøres de igjen tilgjengelige for publikum.

Utstillingen Tråder i tid spenner fra 1890-tallets renessanse for billedvev med motiver fra sagn og middelalder, og helt frem til fredstiden etter andre verdenskrig.

Type arrangement:

Utstilling

Sted:

Dronning Sonja KunstStall

Utstillingsperiode

13. feb. - 6. des. 2026

Priser:

Voksen:

140,-

Student:

70,-

Barn (6-17):

70,-

Barn (0-5):

Gratis

Familiebillett (2 voksne og inntil fem barn):

350,-

Lukkede grupper inntil 25 personer:

3500,-

Se tilgjengelige billetter

In this exhibition, Cheann presents a body of work inspired by the enduring allure of Metaphysical art—an artistic pursuit that sought to reveal a reality beyond the physical by transforming the familiar into the mysterious and quietly unsettling. Drawing from a movement marked by illogical juxtapositions, stillness, and disorienting spatial constructions; she reinterprets these perceptions through jewelry, sculpture, and installation.

The Metaphysical painters of the early twentieth century created dreamlike interiors and uncanny urban vistas as they confronted a rapidly modernizing world and the erosion of classical ideals during the First World War. Cheann reflects on this moment of artistic and cultural upheaval, finding parallels in their challenge to agency and meaning that is also present in our time.

The jewelry, sculpture, and installation operate at the threshold between the intimate and the architectural. The rings—conceived as wearable sculptures—invite the wearer to use them as viewfinders, framing fragments of the surrounding environment. As such, they become instruments for looking, mediating perception and drawing the exterior world inward. By viewing landscapes through these objects, the wearer encounters a reframed reality in which the metaphysical subtly inflects the everyday. Through this interplay of scale, object, body, and environment, Veronica invites visitors to reconsider how perception shapes the terrain of experience.

Veronica Cheann (1976, Hong Kong), is based at Nesodden, Norway, and received her bachelor degree in material based art in KHIO. She has several solo exhibitions in Norway, and has taken part in Årsutstillingen and exhibition at Trøndelag Centre for Contemporary Art. Cheanns work was acquired by Trondheim kommune in 2024. She has also exhibited in Germany during Munich Jewellery Week, Galerie Mazeel in the Netherlands, and Beijing International Jewelry Art Exhibitions. Beside her art practice, Cheann is also a trained landscape designer and architect, and worked in these fields together for over 16 years.

The exhibition is supported by Arts Council Norway.

FORMAT

Format was founded in 1991 and is a leading gallery for contemporary crafts and design in Norway. The gallery is an exhibition and sales venue of the finest artistic quality within the material-based arts. The gallery aims to strengthen the position of Norwegian contemporary crafts and design internationally and through working with both established and emerging artists the gallery reflects the various tendencies in contemporary crafts and design today. The gallery’s goal is to challenge established norms while highlighting key values in the field by actively bringing a wider spectrum of artistic practices in material-based art to the fore.

FORMAT OPEN CALL 2027/2028
Format is a leading gallery for contemporary craft. The gallery presents professional, material-based artists. By exhibiting established artists and new talents side by side, the gallery reflects the various tendencies within contemporary craft today. Through exhibitions and outreach to a wide audience, Format works to increase knowledge and understanding of contemporary craft. The gallery aims to be a central and visible actor in the field, promoting the quality and diversity that contemporary craft represents. Format hosts six exhibition periods per year, featuring up to 18 different exhibitions. The gallery showcases the breadth of the field in relation to diverse materials, techniques, and forms of expression.

Submit your exhibition proposal—including concept, images, and bio—in a single PDF file (max 5 MB) to oslo@format.no. Remember to include a name in the PDF filename and mark the email subject line with “Open Call”.

The application deadline is January 9, 2026. Applications will be reviewed by a professional jury, and results will be communicated during March 2026.

Floor plan

Opening hours
Tues­day - Fri­day 12 - 17
Sat­ur­day - Sun­day 12 - 16
Closed during the Christmas, Easter, Pentecost and Summer Holidays (July)

Accessibility
Format is accessible for disabled guests and wheelchair users. You can find a wheelchair access next door to the gallery in Kongens gate.

Contact
Format
Rådhusgaten 24 N-0151 Oslo
T +47 22 41 45 40
oslo@format.no

Utstillingsåpning torsdag 29. januar, kl. 18:00.

Tegnerforbundets utvalgte 2025 er den niende utgaven av en utstilling som har blitt et fast høydepunkt i Tegnerforbundets årsprogram.

Årets utvalgte tegnere er:

Bjørn Ousland, Velkommen til Grumyra, Gyldendal
Kaia Dahle Nyhus, Gå vekk! (skrevet av Gro Dahle), Cappelen Damm
Marianne Gretteberg Engedal, Fugler du kan ha møtt, Aschehoug
Flu Hartberg, OsloLovers, No Comprendo Press
Åshild Irgens, Oskar og eg – Alle tinga vi har (skrevet av Maria Parr), Samlaget
Mari Kanstad Johnsen, Svømmefugl (skrevet av Kjersti Annesdatter Skomsvold), Aschehoug
Helen Kaldheim, Mørkalven 4, TNT/Bonnier
Espen Friberg, Nulteliv nr. 3 (skrevet av Fredrik Larsen), No Comprendo Press
Sigbjørn Lilleeng, Dinosaurenes rekordbok (skrevet av Reidar Müller), Aschehoug
Per Ragnar Møkleby, Tur-retur, Spriten Forlag
Kari Stai, Flokken – forteljingar, Samlaget
Rune Markhus, Sopp ein hal! (skrevet av Unni Vik), Gyldendal

‍

De utvalgte bøkene vil være tilgjengelig for publikum i galleriet gjennom hele utstillingsperioden.

Hvert år får en av de utvalgte tegnerne oppdraget med å pryde galleriets vindusfasade med en original tegning til utstillingen. I år er det Per Ragnar Møkleby som står for denne tegningen. Videointervjuer med de utvalgte tegnerne vil også bli vist i Tegnerforbundet i utstillingsperioden.

‍–

Utstillingsprodusenter: Rosanna Vibe og Beatrice Guttormsen.

___

Arrangementer i utstillingsperioden:
‍

Lørdag 31. januar, kl. 11:00–13:00:

UNG I TEGNING: Tegneserieverksted med Sigbjørn Lilleeng. Målgruppe 7–10 år.

Torsdag 05. februar, kl. 15:30–17:30:

UNG I TEGNING: Tegneserieverksted med Sigbjørn Lilleeng. Målgruppe 10–14 år.

___

Illustrasjon: Per Ragnar Møkleby.

Åpningstider

Tirsdag - fredag 12-17
Lørdag - søndag 12-16
Mandag stengt

Avvikende åpningstider

Vi holder stengt i tidsperiodene mellom utstillingene og 1. mai, 17. mai, Kristi himmelfartsdag, 1. pinsedag, samt i påskeuka og romjula hvert år.

Kontakt oss

Tlf: (+47) 476 87 355
E-post: post@tegnerforbundet.no
Adresse: Rådhusgata 17, 0158 Oslo

V

Aksel Ree's exhibition "I have promises to keep" is hosted at QB Gallery from February 19 to March 29, 2026. This exhibition showcases new works by the artist.

AKSEL REE

Aksel Ree (f. 1993, Hamar) har en utdannelse i interiørarkitektur fra KHIO.

Den fragmenterte kroppen er et tydelig motiv i flere av Ree sine marmorreliefer. Fragmentene undersøker materialets mulighet til å tilnærme seg en opplevelse av hud. I marmorreliefene til Ree, vises de mest sårbare og intime delene av kroppen, som veksler mellom det klassiske og det samtidige. Med detaljerte ornamenter balanserer verkene på grensen til det kitschy og banale, samtidig som de trekker linjer til kunsthistorien og fortellingen om det androgyne.

Å jobbe i marmor, beskriver Ree, er den mest intime kunstneriske prosessen han kjenner ettersom det krever hele kroppen og hodet. I løpet av arbeidet trekker han ikke lenger et skille mellom materialet og hans egen hud. På et vis, opplever han at han alltid jobber i marmor - selv når han jobber i andre materialer.

QB Gallery

QB Gallery ble etablert 2014 og er et Oslo-basert galleri for norsk og skandinavisk samtidskunst, som representerer både etablerte og yngre fremadstormende kunstnere.

Galleriet arbeider med et bredt spekter av kunstneriske uttrykk, og har en åpen tilnærming til ulike kunstscener og bakgrunner.

Taktilitet, materialitet og betydningen av bevissthet og tilstedeværelse er aspekter som fremheves gjennom kurateringen og formidlingen av vårt galleri­program – kvaliteter vi anser som særlig viktige i en digital tidsalder.

Drevet av nysgjerrighet og et ønske om å samle ulike aktører i kunstverdenen, har vi langsiktige mål med lekne tilnærminger, der vi kombinerer kunstverdenens veletablerte standarder med nye ideer.

Galleriet drives av Mikaela Bruhn Aschim og Kari Kjøsnes.

Gabels Gate 43
0262, Oslo, Norge

post@qbg.no

+47 993 65 233

Ons-Fre 12:00-18:00
Lør-Søn 12:00-16:00

• Facebook

• Instagram

• Artsy

Samlingsutstillinger / Pågående utstillinger

OPPLEV BREDDEN AV MUNCHS KUNSTNERSKAP

I tillegg til årets spennende nykommerne kan du fordype deg i Edvard Munchs fantastiske kunst og liv i våre pågående utstillinger: 

EDVARD MUNCH - UENDELIG

Bli med på en ny og enestående oppdagelsesreise i Edvard Munchs kunst. Opplev verdenskjente motiver som Skrik og Madonna, og la deg overraske av ukjente hovedverk og uventede blikk inn i dette mangfoldige kunstnerskapet.

I denne utstillingen tar vi deg med inn i Edvard Munchs egen verden verden – hans ideer, hans arbeidsprosesser, og de dypt menneskelige problemstillingene han var opptatt av, og som fortsatt berører mennesker i dag. Gjennom et bredt utvalg fra museets samling, kan du oppleve rikdommen i Munchs kunstnerskap og hans utrettelige vilje til eksperimentering og nyskapning.

Utstillingen legger til rette for en fri vandring gjennom temaer og motiver som Munch utforsket hele livet, både som maleri, grafikk, tegning, fotografi og skulptur – fortellinger om angst, død, kjærlighet og ensomhet, og som er felles for alle mennesker. Munch ble selv aldri ferdig med å utforske kunstens muligheter. På samme måte inviterer vi publikum til å oppdage og gjenoppdage ham i en helt ny ramme ved Oslofjorden. Kom og bli kjent med en av modernismens viktigste kunstnere på nye måter – eller for aller første gang.

EDVARD MUNCH - MONUMENTAL

Opplev Munchs største og mest ambisiøse malerier i en helt ny ramme.

I en spesialbygget sal som strekker seg over to etasjer kan du oppleve noen av de største maleriene Edvard Munch noensinne laget. Disse enorme kunstverkene er versjoner av motiver Munch utviklet til Universitetet i Oslos nye aula i forbindelse med 100-årsjubileet i 1911.

Munch deltok i konkurranse med flere andre, og jobbet utrettelig med motivene i flere år, et arbeid som resulterte i flere hundre arbeider og skisser. For å klare å male i formater på opptil femti kvadratmeter, bygget han en rekke utendørsatelierer på eiendommen sin, og lagde flere versjoner av motivene i ulike størrelser.

Vi inviterer publikum på innsiden av Munchs kreative prosess i hans første store prosjekt for et offentlig rom, og viser hvordan han med en usedvanlig energi, iderikdom og pågangsmot lyktes med å realisere disse arbeidene. Solen løftes frem som et nytt hovedmotiv i Munchs karriere – et symbol på livets kraft og idérikdom, og et verk som rommer en rekke historier knyttet til naturvitenskap, religion og universets tilblivelse.

EDVARD MUNCH - SKYGGER

Kom tett på mennesket Edvard Munch i en banebrytende interaktiv museumsopplevelse.

Edvard Munch tilbrakte de siste 30 årene av sitt liv på eiendommen Ekely utenfor Oslo. Selve huset ble revet i 1960, men i denne utstillingen gjenreiser vi kunstnerhjemmet i en multimedial installasjon hvor lys, lyd og levende bilder forteller historier fra Munchs liv.

Selv sa Munch at hjemmet var hans hjerne. Det var kanskje også grunnen til at han så sjelden inviterte til besøk – for ham var det som å la folk komme i berøring med selve nervetrådene i hans private og skapende liv. Likevel hadde han et stort nettverk av venner og bekjente som alle virket inn på hans kunstnerskap. Det samme gjorde tiden han levde i, som var preget av teknologisk nyvinning og et samfunn i sterk utvikling, men også av politisk uro og krig.

Når vi nå vekker Ekely til live, får ikke publikum bare tre inn i Munchs private hjem, men også i hans liv, hukommelse og tanker. Gjennom en spesialbygget utstillingsvegg kommer publikum tett på tingene Munch eide og brukte i hverdagen. Bli med på en sanselig tidsreise hvor vi utvider forståelsen av mennesket Edvard Munch og hans omgivelser, i en biografisk utstilling uten sidestykke.

EDVARD MUNCH - STENERSEN

Opplev Munch sammen med store nordiske kunstnere fra hans egen levetid, og oppdag sporene han etterlot seg i kunsthistorien.

Edvard Munch var banebrytende innen den moderne kunsten, både i Norge og internasjonalt. I motsetning til mange andre av hans samtidige kolleger, var han ikke del av en bestemt kunstgruppering og underviste heller ikke på kunstakademier – hans innflytelse gikk først og fremst gjennom det å stille ut kunst.

Derimot hadde han nære støttespillere som var viktige for ham, slik som kunstsamleren og forretningsmannen Rolf Stenersen, som ga sin samling til offentligheten i 1936. Denne samlingen er i dag en del av museets samling.

Stenersen-samlingen begynte med Munch, men ble etter hvert utvidet med en lang rekke av datidens unge kunstnere som Olav Strømme, Kai Fjell, Ludvig Karsten, Reidar Aulie, Rolf Nesch og Jakob Weidemann. Flere av disse var direkte eller indirekte påvirket av Munch, som også ga Stenersen råd om hvilke kunstnere han burde satse på.

Publikum får i denne utstillingen en helt spesiell anledning til å se Munch sammen med norske og nordiske kunstnere fra hans egen samtid – en fremvoksende generasjon modernister som til dels befant seg i skyggen av den store, norske innovatøren.

Med utgangspunkt i sentrale verk fra norsk kunsthistorie i forrige århundre, viser vi hvordan Munch virket inn på sine kolleger, både når det gjelder metode, form og temaer. De fleste bildene vil være hentet fra Stenersen-samlingen, men blikket løftes også utenfor Norges grenser, med innlån fra andre samlinger. På den måten vil publikum kunne oppleve Munch sammen med betydningsfulle nordiske kunstnere, som for eksempel Asger Jorn.

EDVARD MUNCH - INNTIL

Utforsk Edvard Munchs nyskapende arbeid innen tresnitt med utgangspunkt i en mystisk trykkplate hvor ikke et eneste avtrykk er bevart. Utstillingen viser den slående bredden i Munchs tresnitt, fra de tidligste motivene han utarbeidet til det siste tresnittet han trykket.

Edvard Munch eksperimenterte med ulike kunstneriske metoder hele livet, og oppdaget grafikken som 30-åring. Den ble etter hvert en stor og viktig del av hans kunstnerskap. Tresnitt var den siste grafiske teknikken Munch tok i bruk, og kanskje var det den som tillot ham å utforske med størst frihet. I det spontane og uforutsigbare samspillet mellom kunstner og materiale – mellom det levende treverket, papiret og trykksverten – oppsto noen av Munchs fineste arbeider.

Teamet for denne utstillingen er hentet fra en av trykkplatene i museets samling hvor ikke et eneste avtrykk er bevart. Den har tittelen Møte i verdensrommet, og er datert rundt århundreskiftet.

Platen skåret ut og satt inn med svart trykksverte, men vi vet ikke om den noen gang ble brukt til å trykke med. Heller ikke vet vi hvorfor Munch eventuelt valgte å forkaste motivet. I utstillingen utforsker vi Munchs nyskapende og overraskende teknikker gjennom 20 avtrykk som alle viser et nytt møte mellom mennesker. Hvert trykk er utstilt sammen med sine tilhørende trykkplater, og inviterer publikum til et nært møte med Munchs arbeid og store påvirkningskraft. 

OPPLEVELSER FOR BARN I UTSTILLINGENE

Vil du hilse på musen «Herr Storm»? Eller oppdage kikkehull med egne fortellinger?

I noen av utstillingssalene våre gir vi egne innganger til Edvard Munch og kunstens tankesett og muligheter, for å inspirere og engasjere våre yngre besøkende.

Her får du en oversikt over hva du kan forvente: 

OPPDAG KIKKEHULL I VEGGEN

Hvor: 4. etasje, i utstillingen Edvard Munch uendelig

Barn i alderen 3 til 10 år tilbys en egen opplevelse av samlingsutstillingen Edvard Munch uendelig gjennom små kikkehull i veggen, utformet av utstillingsarkitekten manthey kula. I de samme salene som hovedverkene Skrik, Madonna og Pikene på broen befinner seg, kan barna kikke inn på motiver basert på spesialskrevne fortellinger av forfatteren Lene Ask, som formidler temaene Munch arbeidet med på deres premisser. For de eldre barna har vi oppgaver og spørsmål skrevet på veggen, som åpner for refleksjon rundt Munchs kunst.

MØT MUSEN «HERR STORM»

Hvor: 7. etasje, i utstillingen Edvard Munch skygger

I denne banebrytende utstillingen gjenreiser vi kunstnerens hjem på Ekely i en multimedial installasjon, der lys, lyd og levende bilder forteller historier fra Munchs liv. Om barna følger musesporene i utstillingen, vil de finne musehull i møbler, kasser og trapper. Her utspiller det seg scener med musen «Herr Storm» i hovedrollen, laget av kunstnerne Pjotr Sapegin og Kristin Günther, som driver selskapet Norwegian Toolbox.

UTFORSK OPPDAGELSESBORDET

Hvor: 6. etasje, i utstillingen Edvard Munch monumental

I utstillingen som er viet Edvard Munchs største malerier, deriblant Solen og Forskerne, står et spesiallaget oppdagelsesbord midt i salen. Bordet, som er utformet av utstillingsarkitekten manthey kula, byr på interaktive opplevelser og formidling rettet mot barn og unge. Her vil de kunne utforske og erfare med utgangspunkt i naturelementer- og prosesser knyttet til Munchs monumentale verk.

LAG DINE EGNE TRYKK

Hvor: 7. etasje, i utstillingen Inntil

I utstillingen Inntil, som viser et utvalg av Munchs tresnitt, tilbyr vi en trykkeoppgave til både barn og voksne, der de kan gni en fargestift eller blyant over et papir for å lage en frottasje, en eldgammel trykkemetode. På et arbeidsbord vil man finne figurer hentet fra trykkeplatene i utstillingen, som kan kombineres på ulike måter for å lage personlige trykk.

Full oversikt over vårt tilbud til barn og unge finner du her

MAT & DRIKKEPÅ NYE MUNCH

Mat og drikke kan du nyte i restauranten i 12. etasje, kaféen på bakkeplan, eller i baren på toppen av bygget.

I MUNCH deli & kafé på bakkeplan kan man slå seg ned for en kaffe og hjemmebakst både inne og på terrassen mot sjøen. Her serverer vi sandwicher, varmretter og fersk sjømat både til lunsj og middag.

I MUNCHs toppetasje finner du cocktailbarenKranen, som byr på fantastisk utsikt over Bjørvika. Baren har også servering på byggets lune takterrasse, hvor man under åpen himmel kan observere alt som skjer i fjordbyen i fugleperspektiv.

Restauranten Tolvte, som ligger i muséets 12. etasje, lener seg på kontinentale tradisjoner med et avslappet smil. En slags europeisk bistro sett gjennom rause amerikanske briller. Her skal du få østers, burger, eller en treretter med helstekt flyndre og rekecocktail på samme meny. I restauranten vil det være åpent for alt fra klassisk frokost, til en deilig ettermiddagsbrunsj, og full middag eller en helaften for å feire gledene i livet.

Restauranten Tolvte, som ligger i muséets 12. etasje, lener seg på kontinentale tradisjoner med et avslappet smil. En slags europeisk bistro sett gjennom rause amerikanske briller. Her skal du få østers, burger, eller en treretter med helstekt flyndre og rekecocktail på samme meny. I restauranten vil det være åpent for alt fra klassisk frokost, til en deilig ettermiddagsbrunsj, og full middag eller en helaften for å feire gledene i livet.

MUNCH DELI & KAFÉ 

Man-tirs:   09-18
Ons-tors:  09-21
Fredag:      09-22
Lørdag:      11-22
Søndag:    11-18

Vi har god kapasitet og kjører kun drop-in. 

BISTRO TOLVTE

Man-lør: 16-24
Søndag: stengt

Kjøkkenet stenger kl 21 mandag til onsdag, og kl 22 torsdag til lørdag.

Bestill bord

Se meny

KRANEN BAR

Man-ons:   17-24 
Tors-lør:     17-02
Søndag:    stengt

Siste innslipp 1 time før stengetid. 

Veien til baren er via kaféen på sjøsiden av bygget, med en glassheis opp til 13. etasje.

Velkommen til utstillingsåpning torsdag 16. april kl. 18.00.

Utstillingen Future Remains av islandske Þorgerður Ólafsdóttir gir innsikt i kunstnerens pågående utstillings- og forskningsprosjekt som tar for seg vårt forhold og vår tilknytning til naturen i en verden i endring.

Hun er interessert i skjæringspunktet mellom natur- og kulturarv, og hvordan disse påvirker hverandre. På Atelier Nord presenterer hun nye videoverk, fotografier og tekstilarbeider, sammen med en samling naturprøver, gjenstridige artefakter og andre markører for antropocen.

Fra vulkanøy og havbunn til isbre og bjørkeskog

I Þorgerður Ólafsdóttirs kunstneriske praksis ligger et aktivt engasjement for stedene hun ferdes i. I utstillingen kan publikum oppleve arbeider som er resultater av disse forskningsturene. Eksempler er dokumentasjoner av gjentatte reiser til vulkanøya Surtsey, dokumentasjoner av havbunnen fra hennes ekspedisjon med forskningsskipet Kronprins Haakon, som krysset Barentshavet fra Svalbard, og prøver av både iskjerner fra Islands største isbre og en oversvømt bjørkeskog.

Feltarbeid og forskningsprosjekter

Gjennom samarbeid med institusjoner som Islands naturhistoriske institutt, Miljøetaten og Islands nasjonalmuseum har Þorgerður bidratt til å utvide rammen for vitenskapelig feltarbeid og arkivmateriale. Hun har to ganger fått forskningstillatelse til å reise til vulkanøya Surtsey, som ble skapt i et utbrudd mellom 1963 og 1967 og har stått på UNESCOs verdensarvliste siden 2008. Oppholdene hennes på øya har hatt stor betydning for hennes kunstneriske praksis. I 2023 ga hun ut boken Island Fiction with Relics of Nature, som samler kunstverk og essays som utvider våre forestillinger om og tilknytning til denne avsidesliggende øya, samt forholdet mellom natur- og kulturarv

Hun deltar også i to tverrfaglige forskningsprosjekter: Extremes at the Arctic ved Universitetet i Tromsø og Relics of Nature – an Archaeology of Natural Heritage in the High North ved Universitetet i Oslo.

Om Þorgerður Ólafsdóttir

Þorgerður Ólafsdóttir (1985) har en Master of Fine Art fra Glasgow School of Art og en BA fra Islands Kunsthøyskole. Arbeidene hennes har blitt vist blant annet ved MASP, Museu de Arte de São Paulo (Brasil), Islands Nasjonalmuseum, Sequences Art Festival (Reykjavík, Island), Reykjavík Kunstmuseum, Artierranti (Bologna, Italia), Scandinavia House (New York, USA), Catalyst Arts (Belfast, Nord-Irland), Demon’s Mouth (Oslo, Norge), og Glasgow International. Þorgerður Ólafsdóttir er bosatt i Reykjavík.

Utstillingen er støttet av Rannis – The Icelandic Centre for Research og Nordisk kulturkontakt.

ATELIER NORD

Atelier Nord er et visningssted for samtidskunst med fokus på mediekunst. Vi presenterer et variert program av utstillinger, kunstnersamtaler og workshops, og tilbyr gratis arbeidsopphold for profesjonelle billedkunstnere i vårt studio for lyd- og bilderedigering

Historikk

Atelier Nord ble opprettet av Anne Breivik og Reidar Rudjord i 1965 som et verksted for grafikk. Verkstedet ble en viktig base for kunstproduksjon i Oslo og spilte en avgjørende rolle for flere av grafikkens nestorer. I 1993 fikk verkstedet investeringsmidler fra Norsk Kulturråd for å opprette en data- og videoavdeling. Grafikkavdelingen ble nedlagt i 1998 og elektronisk kunst satt i fokus. Atelier Nord spilte en sentral rolle i etableringen av norsk videokunstproduksjon og var den første organisasjonen som arbeidet målrettet med nettkunst.

Fra 2003 startet en omlegging av Atelier Nord fra fokus på elektronisk kunst til å bli en base for såkalte ustabile kunstformer. Å vise og formidle mediekunst er hovedformålet til Atelier Nord i dag. Fra høsten 2011 ble virksomheten utvidet med et visningsrom på Olaf Ryes plass på Grünerløkka i Oslo. I 2017 flyttet også administrasjonen til samme adresse etter tilhold på Sagene og på Kunstnernes Hus. Dermed befinner både kontor, visningsrom og redigeringsrom seg i samme bygg. ORP 2 (Olaf Ryes plass 2) er en del av Oslo kommunes kulturbygg og rommer 18 kunstneratelier i tillegg til gjesteleilighet og kontorlokaler.

Organisasjon

Atelier Nord er en selveiende stiftelse. Atelier Nord mottar driftsstøtte fra Norsk kulturråd og støtte fra Kulturetaten, Oslo Kommune, i form av subsidisert leie.

Tilgjengelighet

Det er tilrettelagt for rullestoltilgang til galleriet, hvor det også finnes handicap–toalett. Det finnes også to handicap-parkeringsplasser rett utenfor inngangen til galleriet. Det er dessverre ikke heis til Atelier Nords kontor.

Besøk oss
Olaf Ryes plass 2, Oslo.
Inngang fra Sofienberggata.

Åpningstider
Torsdag/Fredag 15—18
Lørdag/Søndag 12—17

Kontakt
+47 23 06 08 80
office@ateliernord.no

Følg oss
Instagram Facebook
LinkedIn
Vimeo