Sommerutstilling med Yelena Yemchuk & Mark Leckey - Fotografihuset
Jun
28
to Aug 23

Sommerutstilling med Yelena Yemchuk & Mark Leckey - Fotografihuset

  • Adresse og sted for utstillingen: Fotografihuset (Sukkerbiten) (map)
  • Google Calendar ICS

Hovedatriet: ODESA – Yelena Yemchuk

Prosjektrommet: FIORUCCI MADE ME HARDCORE – Mark Leckey

Utstillingsperiode: 05.06-23.08 2025

Sommerens utstilling bringer sammen to verk som speiler hverandre på tvers av tiår, geografi og politiske skifter.

Yelena Yemchuks visuelle ode til sin egen barndoms drømmeby, Odessa, portretterer byens ungdom i en tid med økende protestbølger og angrep i et Ukraina i overgang til krig. Mark Leckeys ikoniske videomontage ‘Fiorucci Made Me Hardcore’ skildrer Storbritannias undergrunnsklubbscene gjennom tre tiår, med et bakteppe av kulturell, sosial, politisk og økonomisk uro. Som en duett serverer de en nostalgisk knyttneve – og et felles varsko om en frihetsidé som står i fare for å fordufte like brått som lyset skrus på når festen er over.

Fra serien Odesa, Yelena Yemchuk

Yelena Yemchuk (f.1970) emigrerte til USA fra Kyiv i Ukraina da hun var elleve år gammel, og fikk først muligheten til å vende tilbake til Ukraina etter Sovjetunionens oppløsning. Selv om hun var født og oppvokst i Kyiv, hadde havnebyen Odessa alltid hatt en spesiell betydning for henne. Hun var fascinert av byens rykte som et fristed under sovjettiden og en by full av tilsynelatende motsetninger — «et sted fylt med både aksept og fare, befolket av lovløse og intellektuelle.»

Yemchuk besøkte Odesa for første gang i 2003, og i 2015 begynte hun for alvor å fotografere byen og dens innbyggere, inkludert 16- og 17-åringene ved Odesas militærakademi. Ett år etter at Russland invaderte og deretter annekterte Krim, og mens det fortsatt pågikk kamper ved Ukrainas østlige grense, var Yemchuks opprinnelige plan å dokumentere ansiktene til barna som skulle ut og kjempe. Hun ble imidlertid raskt klar over viktigheten av å gi livene deres mer kontekst, og slik begynte det fire-årige arbeidet med å fotografere Odessa.

Resultatet ble utgitt i bokform i 2022 (GOST Books), og gir et sjeldent innblikk i ukrainsk identitet, motstandskraft og ungdomskultur gjennomsyret av like mye melankoli som feiring. I lys av den pågående krigen fremstår serien også som et vitnesbyrd og et kulturelt minne om en tid, en ungdomsgenerasjon og en by med uavklart skjebne. Utdrag fra serien stilles nå for første gang ut i Norge.




 I prosjektrommet:
FIORUCCI MADE ME HARDCORE
Mark Leckey
(Video 15 min)

Visninger fredager fra kl. 16 – 20
lørdager og søndager fra kl. 12 – 16

Mens verden telte ned til år 2000, satt den britiske kunstneren Mark Leckey i en liten leilighet i London og satte sammen timevis med opptak fra VHS-kassetter til den 15 minutter lange filmen som skulle komme til å definere karrieren hans. 25 år senere hylles Fiorucci Made Me Hardcore som et verk som overskrider skillet mellom høy- og lavkultur, og som regnes som en forløper til dagens remix- og memekultur. Fiorucci Made Me Hardcore er en kronologisk oversikt over 30 år med britisk klubbkultur – fra Northern Soul-nattklubbene på 70-tallet, via 80-tallets casuals-kultur som Mark selv var en del av som tenåring i Liverpool, til 90-tallets utendørs rave-fester.

Leckeys egenkomponerte lydspor av forvrengte klubblyder, musikksamples, jubelrop, og oppjaga MC-er, klippet sammen med arkivopptak fra TV, amatørvideoer og klubbpromoer, danner en drømmende, transelignende refleksjon over utelivskultur og ungdomsidentitet. Leckey selv har kalt filmen «en spøkelsesfilm», delvis fordi noen av de anonyme menneskene vi ser på skjermen sannsynligvis ikke lenger er i live, men også fordi den fremstår som en hjemsøkende fortelling som balanserer mellom lengsel og vemod – en lett overførbar tanke til Yemchuks ode til Odessa.

Stillbilde fra Fiorucci Made Me Hardcore,1999 @ Mark Leckey / Cabinet Gallery, London

Som et nikk til den karibiske sound system-kulturen, til britisk rave-historie, og til Leckeys mange varianter av lydinstallasjoner som har fulgt Fiorucci Made Me Hardcore gjennom et kvart århundre, har Oslo-baserte Tim Bird for anledningen bygget en egen høytalerstabel med tittelen Windrush Baby. Kritt danseskoene og bli med på fellesvisning kl 18.30, med påfølgende etterfest hos vår nærmeste nabo, Sukkerbiten Bar fra kl 19, med vinyl-DJs Simon Songhurst & Hugh_Mane (UK). Gratis inngang!

Tusen takk til Fritt Ord, Oslo kommune, Preus museum og Hav Eiendom for støtten til Fotografihusets utstillingsprogram 2025.

View Event →
Ved Kongens bord - Dronning Sonja KunstStall
Jun
28
to Dec 14

Ved Kongens bord - Dronning Sonja KunstStall

  • Adresse og sted for utstillingen: Dronning Sonja KunstStall (map)
  • Google Calendar ICS

Den 6. februar foretok Hennes Majestet Dronningen den høytidelige åpningen av en ny utstilling i Dronning Sonja KunstStall: Ved Kongens bord - Fra bordstell til samtidskeramikk.

Utstillingen er åpen for publikum fra 7. februar og står fram til 14. desember 2025.

Palé-serviset fra 1815. Foto: Øivind Möller Bakken, De kongelige samlinger

Utstillingen tar utgangspunkt i den historiske arven som hentes frem når Kongeparet inviterer til offisielle måltider. «Ved Kongens bord» viser servise som stammer fra 1815 og helt frem til å dag.

Utstillingen Ved Kongens bord. Paul Scott i arbeid. Foto: Øivind Möller Bakken, De kongelige samlinger

Dette er servise fra en samling som spenner over flere generasjoner. Når gjestene ankommer, møtes de ikke bare av et dekket bord, men av en fortelling nedfelt i serviser, serveringsdeler, praktstykker og vaser.

Fra utstillingen "Ved Kongens bord” i Dronning Sonja KunstStall. Foto: Øivind Möller Bakken, Det kongelige hoff

I sitt forord til utstillingens katalog, skriver Dronningen:

- Måltidene ved de kongelige eiendommer kan i tillegg ha en ekstra betydningsfull dimensjon. De kan brukes til å markere, feire og hylle på vegne av nasjonen. De kan bidra til å styrke relasjoner over landegrensene, knytte viktige bånd mellom mennesker – og kanskje også løse opp i floker – og fremme kunst og kultur. Nasjonens fortellinger skapes rundt Kongens bord.

Utstillingen Ved Kongens bord. Paul Scott - to tallerkener. Foto: Øivind Möller Bakken, De kongelige samlinger

Dronning Sonja omgitt av Slottets eldste servise – det blåhvite Palé-serviset fra 1815 – ved åpningen av utstillingen "Ved Kongens bord". Foto: Øivind Möller Bakken, Det kongelige hoff


Praktisk informasjon: KunstStallen

Fra utstillingen "Ved Kongens bord” i Dronning Sonja KunstStall. Foto: Øivind Möller Bakken, Det kongelige hoff

Her finnes svar på de vanligste spørsmålene i forbindelse med omvisninger og arrangementer i Dronning Sonja KunstStall.

Atkomst

Dronning Sonja KunstStall ligger i Parkveien 50. Nationaltheatret er nærmeste T-banestasjon. Nærmeste stopp for buss og trikk er Solli plass.

Bevegelseshemmede

KunstStallen er tilgjengelig for bevegelseshemmede. En slak rampe leder opp til inngangen og utstillingen ligger på ett plan. 

Vi har også rullestoler til utlån, og det er benker i lokalet for de som kunne ha behov for å sitte ned litt underveis. 

Billetter

Billetter kan kjøpes ved inngangen eller i forkant via Ticketmaster.

Ticketmaster.no

Detaljerte opplysninger om billettpriser finner du i faktaboksene til høyre (eller nederst på siden dersom du bruker mobil).

Fotografering

Fotografering er tillatt i Dronning Sonja KunstStall, og post gjerne bildene i sosiale medier. 

Hunder

Førerhunder er velkomne til å ledsage på omvisning.

Kontaktinformasjon

Telefonnummeret til KunstStallen er 90 95 31 48. Telefonen er bemannet i åpningstiden (se faktaboks til høyre - eller lenger ned dersom du bruker mobil).

Adressen er Parkveien 50, 0010 Oslo.

Mobiltelefoner

Av hensyn til guidene og de andre besøkende, ber vi om at mobiltelefoner er avstengt under omvisningene.

Nyhetsbrev

Det finnes et eget nyhetsbrev fra KunstStallen. Det går ut noen ganger i året og informerer om nye utstillinger, arrangementer og liknende.

Registrer deg her om du ønsker å abonnere

Orienteringer

Det går faste orienteringer i utstillingen. Gjeldende tider finner du i faktaboksen til høyre (eller lenger nede på denne siden dersom du bruker mobil). Orienteringene er inkludert i inngangsbilletten og koster ikke noe ekstra. Hvis dere er mange, setter vi pris på en liten "advarsel" i forkant.

Private omvisninger skjer etter avtale, så langt våre ressurser tillater innenfor åpningstid. Legg gjerne inn ønske om omvisning i dette skjemaet:

Legg inn ønske om privat gruppeomvisning

Parkering

Det er ikke mulig å parkere i umiddelbar nærhet. Vi anbefaler Oslo kommunes oversikt parkingsmuligheter i området - se lenkelisten.

Souvenirer

De er en liten museumsbutikk i lokalet. Her selges souvenirer som sjal, krus og te-lyslykter, servietter og fyrstikker, blokker og blyanter, bøker og postkort.

Toaletter

Det finnes toaletter for publikum i lokalet, også tilgjengelig for bevegelseshemmede.

Åpningstider

Detaljerte opplysninger om åpningstider finner du i faktaboksen til høyre (eller lenger nede på denne siden dersom du bruker mobil).

Åpningstider KunstStallen

Kunstallen er normalt åpen torsdag til søndag 11.00–17.00.

Avvikende åpningstider

Midtstallen er et lite lokale og holder derfor stengt i periodene der en utstilling tas ned og en ny settes opp. Det hender også at vi må stenge på grunn av lukkede arrangementer. Endringer i åpningstidene finner du på Facebook og her på Kongehuset.no 

Billetter til KunstStallen

Billetter er tilgjengelig via Ticketmaster.

  • Voksen: 140,-

  • Student: 70,-

  • Barn (6-17 år): 70,-

  • Familiebillett: 350,-

  • Barn under 6 år har gratis adgang

  • Ledsager for handikappede har gratis adgang

  • Grupper på inntil 25 personer (med omvisning): 3 500
    For gruppebestilling, ta kontakt via lenken nedenfor.

Introduksjon

Det gis omvisninger i utstillingen klokken 13.00 torsdag og fredag, og klokken 12.00 og 14.00 i helgene. Dette er inkludert i billetten.

Private omvisninger for grupper er mulig så langt ressursene rekker, innenfor ordinær åpningstid. Legg inn ønsker via lenken nedenfor.

View Event →
NASJONALMUSEET - PROGRAM
Jun
28
to Apr 11

NASJONALMUSEET - PROGRAM

Aktuelle og kommende utstillinger


Gothic Modern. Fra mørke til lys

Den gotiske estetikken, med sin kraft til å vekke dype følelser, inspirerte mange moderne kunstnere. Tro og tvil, kjærlighet og seksualitet, identitet og roller er noen av temaene disse kunstnerne skildret.

Selv om det gotiske ofte assosieres med noe mørkt og mystisk, noe skremmende og uforklarlig, er det også et begrep for det som er annerledes, en motkultur til det rådende. Utstillingen er delt inn i sju kapitler: Reiser inn i det gotiske​, Kunstens pilegrimer, Møter med døden​, Fellesskap og tradisjoner​, Gotiske variasjoner​, Kjærlighet og tiltrekning,​ og Fra mørke til lys.

Akseli Gallen-Kallela, «Lemminkäinens mor», 1897 © Antell samlinger, Finlands nasjonalgalleri

Foto: Hannu Pakarinen

Blant sentrale kunstnere er Käthe Kollwitz, Edvard Munch, George Minne, Akseli Gallen-Kallela, Max Beckmann og Ernst Ludwig Kirchner. Verkene deres presenteres i dialog med kunstnere som Hans Holbein den yngre, Albrecht Dürer og Lucas Cranach den eldre. «Gothic Modern» er den første internasjonale utstillingen som presenterer en slik sammenstilling. Her får du oppleve et bredt spekter av uttrykk – fra grafikk og maleri til tegninger og skulpturer. 

Over 200 verk av mer enn 60 kunstnere vises i Lyshallen hvor moderne kunst fra perioden 1875 til 1925 presenteres i dialog med kunst fra middelalderen.



Utstilling

Ny nordisk. Mat, estetikk og sted

I denne utstillingen viser Nasjonalmuseet hvordan en særegen estetikk basert på stedslokale råvarer og naturmaterialer har etablert seg på tvers av arkitektur, design, kunsthåndverk, kunst og matkultur i Norden i de siste 20 årene.

Utgangspunktet for utstillingen er Ny nordisk mat, en bevegelse som oppsto på begynnelsen av 2000-tallet.  I 2004 ble det laget et manifest for et nytt nordisk kjøkken. Det hadde som mål å etablere mat fra Norden som et anerkjent regionalt kjøkken på linje med det franske, italienske eller kinesiske. Oppskriften var å bruke regionens ekstreme klima og geografi til en fordel, og å ta i bruk lokale råvarer og mattradisjoner.

Illustrasjon av Paviljongen på Museumsplassen © 2025, Oscar Grønner / BONO

Med utgangspunkt i lokale landskap skapte bevegelsen en særegen estetikk som kom til syne i matretter, dekketøy og restaurantinteriører. Naturmaterialer som stein, mose og ubehandlet tre samt håndlaget keramikk, duse naturfarger og ville planter som dekor var ofte brukte elementer.  Gjennom de siste tiårene har Ny nordisk mat blitt et internasjonalt fenomen og en betydelig nordisk kultureksport.

Utstillingen viser hvordan matbevegelsen har utviklet seg parallelt med at det har vokst fram en interesse for økologi, natur og stedsidentitet i samfunnet. I utstillingen får man blant annet se keramisk dekketøy, møbler, menyer og signaturretter fra toneangivende restauranter, og eksempler på arkitektur og samtidskunst fra museets samling. Det vises også eldre verk fra Nasjonalmuseets samling som plasserer den nye nordiske estetikken i en større fortelling om hvordan kunstnere, arkitekter og vitenskapsfolk gjennom århundrer har kartlagt det ville landskapet for å skape et felles nordisk kulturuttrykk.

En versjon av utstillingen skal vises i National Nordic Museum i Seattle i USA, der den åpner 7. november 2025.

Utstillingen foregår både inne i museet og i en spesialbygd paviljong på Museumsplassen.  I Paviljongen vil det være et omfattende program med arrangementer, med blant annet designverksted, sanketurer og måltider tilberedt av kjente kokker.



Utstilling

A K Dolven. amasone

A K Dolven har jobbet internasjonalt som kunstner i over fire tiår. Nå inviterer hun publikum til en sanselig opplevelse i og rundt Nasjonalmuseet.

Med sine videoinstallasjoner og filmprojeksjoner, malerier og skulpturer, fotografier, lydverk og tekst, utforsker Dolven det universelle gjennom det intime.

A K Dolven, «amazon» (utsnitt fra video), 2005 © Dolven, A K/BONO

Ved å undersøke spenningsfeltet mellom det kjente og ukjente, åpner Dolvens verk for nye blikk og perspektiver på verden som omgir oss. Til tross for en stor variasjon i materialer, formater og uttrykk, inneholder hennes arbeider noen tilbakevendende tematikker: naturens og kroppens forhold til tid og kultur.

På tvers av sine arbeider utforsker Dolven naturfenomener som lys og mørke, landskap og vær. Tåke spiller en viktig rolle i ett videoverk, mens flytende isfjell er fokus i et annet.

Menneskets tilstedeværelse undersøkes på tilsvarende måter, både i naturlig og kulturell forstand. I det fem meter høye maleriet This is a tall political painting har kunstneren dekket overflaten med et mønster av lange, repetitive linjer dannet av sine egne fingeravtrykk. Slik inviterer hun oss dermed til å reflektere over spørsmål om identitet og uttrykk.

Kroppen er også mer konkret til stede, om enn noe gåtefullt, i mange av Dolvens arbeider, blant annet i en serie verk der flere kvinnelige torsoer er vendt mot et vakkert nordnorsk sjølandskap. I videoverket amazon ser vi nærbilder av en androgyn skikkelse som skyter piler med bue, en moderne utforskning av den gamle greske myten om den kvinnelige amasone-krigeren.

Gjennom tidene har kunstnere forsøkt å formidle tidløse og universelle følelser. Den sårbare selvtilliten hos ungdommer utforskes for eksempel i puberty, Dolvens hyllest til Edvard Munchs maleri med samme tittel. Med referanser til flere kunsthistoriske forbilder som Helene Schjerfbeck og Peder Balke, knytter A K Dolven fortid og nåtid sammen.


Utstilling

Stamina. Kari Nissen Brodtkorb og fire forgjengarar

Arkitekt Kari Nissen Brodtkorb har bygd stort og mykje, men også stått i mange kampar i ein mannsdominert bransje.

Utstillinga presenterer Kari Nissen Brodtkorbs bygningar side om side med arbeida til fire historiske forgjengarar: Lilla Hansen, Kirsten Sand, Kirsten Sinding-Larsen og Maja Melandsø. Dei er alle kvinner som dreiv eigne arkitektkontor i løpet av karrieren, og i utstillinga blir åra då dei hadde eigen praksis, vektlagde.  

Gjennom Brodtkorbs blikk får du oppleve den over femti år lange karrieren hennar formidla via eit utval fotografi, avisutklipp og gjenstandar frå det private arkivet til arkitekten. I utstillinga blir det også vist teikningar og publikasjonar frå dei fire forgjengarane hennar. 

Arkitektkontoret Kari Nissen Brodtkorb AS, Leilegheiter og næringslokale, Stranden, Oslo, oppført i 1990.

Foto: Nina Brodtkorb Spilling

Sjølv om dei fem arkitektane har vore anerkjende i samtida, finst det få spor av dei i museum og arkiv, og dei er lite omtalte i norsk arkitekturhistorie.

Kari Nissen Brodtkorb 

Kari Nissen Brodtkorb (f. 1942) lét seg ikkje skremme av arkitekturprofessoren sin i 1960-åra, som erklærte at arkitektur var så krevjande at «alle små piker i denne sal bør ta første tog hjem». Ho dreiv sitt eige arkitektkontor i over 30 år, frå 1985 til 2017, og har realisert over hundre bygningar. 

Brodtkorbs arkitektur er kjenneteikna av stadforståing, tegl- og stålkonstruksjonar, opningar som slepper lys inn i gardsromma, og vektlegging av detaljar. Bygningane hennar på mellom anna Aker brygge, på Sørenga og i Gullkroken i Oslo viser evna ho har til å sameine estetikk og funksjonalitet, samtidig som ho skaper bygg som er tilpassa omgivnadane. 

Brodtkorb har vunne ei rekke prisar, mellom anna Anders Jahres Kulturpris i 2014 og Houens fonds diplom for Stranden i 1994.  

 

Dei fire forgjengarane 

Lilla Hansen (1872–1962) etablerte eigen praksis i 1906, og vart for alvor kjend for ein bygard i Thomas Heftyes gate 42 i Oslo, som stod ferdig i 1912. Ho engasjerte seg i bustadbygging og teikna også ei rekke helsebygg. 

Kirsten Sand (1895–1996) vart i 1919 den første norske kvinna med full arkitektutdanning frå Norges tekniske høgskole (no NTNU). Ho dreiv eigen praksis i ti år, og etter den andre verdskrigen var ho distriktsarkitekt i Nord-Troms. 

Kirsten Sinding-Larsen (1898–1978) etablerte sitt eige arkitektkontor i 1933 og arbeidde hovudsakleg med bustadar og helsebygg fram til omkring 1960. Ho var mellom anna aktiv i debatten om bukvalitet og standardar for norsk bustadbygging. 

Maja Melandsø (1906–1981) er mest kjend for forretningsbygget Melandsøgården i Trondheim, oppført i 1932. Frå 1945 til 1957 arbeidde ho med gjenreising og bustadbygging i Kristiansund, og frå 1962 hadde ho eigen praksis i Trondheim. 


Utstilling

Espen Gleditsch. Sanatorium Stenersen

Hva har helse og moderne arkitektur til felles? I denne utstillingen oppsøker kunstneren Espen Gleditsch den moderne helsearkitekturens opprinnelse, fra de finske skogene til alpene i Sveits.

Dette er første gang Villa Stenersen inngår i en skreddersydd kunstnerisk sammenheng, der huset i seg selv blir en direkte del av utstillingen.

Frem til antibiotikabehandlingens utbredelse på 1940-tallet var frisk luft i landlige omgivelser, sollys og hvile på det som ble kalt sanatorium, noen av de viktigste behandlingsformene mot tuberkulose. Sanatoriene var derfor tidlig ute med å introdusere luftige og lyse interiører, og var ofte plassert i fjellområder eller langs kysten.

Espen Gleditsch, «The Magic Mountain», 2025 © Gleditsch, Espen/BONO

Foto: Espen Gleditsch

Villa Stenersen, tegnet av arkitekt Arne Korsmo i 1937, ligger på en liten høyde i et stille strøk på Vinderen i Oslo. Bare noen få år før han tegnet huset, opplevde Korsmo selv et alvorlig tilfelle av tuberkulose.

Likhetene mellom sanatoriene og hvordan Korsmo utformet Villa Stenersen er flere: åpne planløsninger, store vindusflater som slipper inn rikelig med dagslys, glidende overganger mellom innendørs- og utendørsområder, hygieniske overflater som keramiske fliser og stålrør, og enkel adkomst til balkonger og hager.

Villa Stenersens åpne planløsninger, synlige konstruksjoner og store glassfasader, som samspiller med naturen rundt huset, vekker fremdeles oppsikt og tiltrekker besøkende fra hele verden. I dag regnes det som et nøkkelverk innen moderne, norsk boligarkitektur.

I denne utstillingen kommer du tett på sammenhengen mellom arkitektur og dens omgivelser. Ved å rette kamera mot helsearkitekturens historie, åpner Gleditsch opp for nye perspektiver på forholdet mellom helsearkitektur og den moderne arkitekturens opprinnelse. 

Espen Gleditsch (f. 1983) er kunstner og bruker fotografi som medium for å undersøke hvordan historien fortelles, endrer seg og fortolkes. Han har markert seg med en rekke utstillinger og prosjekter der han utforsker fotografiets rolle i formidlingen av kunst- og arkitekturhistorien.

Kunstneren har mottatt støtte til utstillingen fra Ingrid Lindbäck Langaards stiftelse, Ingerid Synnøve og Elias Fegerstens stiftelse for norske bildende kunstnere og Norsk Fotografisk Fond.

MERK!

Utstilingsperiode: 10. mai–31. august 2025

  • Sted: Villa Stenersen

Villa Stenersen og utstillingen er åpen torsdager (kl. 14–19), lørdager og søndager (kl. 11–17). Billetter må bestilles for en spesifikk tidsluke.


Utstilling

Søylerommet

Opplev Yayoi Kusamas «Narcissus Garden» omkranset av malerier av Hurvin Anderson, Michael Armitage, Louise Giovanelli, Yukimasa Ida og Kerry James Marshall.

Landskap, stilleben og hager er tilbakevendende motiver gjennom kunsthistorien, uttrykt i ulike stiler og teknikker, med et mangfold av impliserte metaforer og symbolikk.

Med en fot i vestlig kunsthistorie og en annen i samtiden, utvider verkene i denne utgaven av Søylerommet tradisjonelle motivkretser. Nye typer identiteter dukker opp i hager og landskap, kunstneriske teknikker finslipes og historiefortellingen justeres til nye oppdaterte virkeligheter. 

I løpet av en karriere som strekker seg over syv tiår, har den japanske kunstneren Yayoi Kusama (f. 1929) utforsket temaer som selvrefleksjon, besettelse og det uendelige. Med sine mangefasetterte installasjoner, ofte med karakteristisk bruk av prikker, speil og sterke farger, inviterer Kusama publikum inn i illusjoner som utfordrer vår oppfatning av virkeligheten.  

Nærbilde av speilkulene fra Yayoi Kusamas «Narcissus Garden» (1966 -). © YAYOI KUSAMA. Courtesy of The Fredriksen Family Collection. Foto: Nasjonalmuseet / Annar Bjørgli

Narcissus Garden (1966 -) refererer direkte til den greske mytologiske figuren Narcissus, en slående vakker ung mann som forelsker seg i sitt eget speilbilde og kaster bort livet ved å stirre besatt på seg selv. Myten har siden fungert som en advarsel mot farene ved forfengelighet og selvopptatthet. Med sine 1300 speilkuler inviterer verket oss inn i et uendelig hav av refleksjoner, hvor vi aldri kan unnslippe vårt eget speilbilde. Slik skapes en fascinerende dialog mellom kunst og mytologi, selvbilde og selvbevissthet.

I utstillingen får du også oppleve malerier fra Hurvin Anderson, Michael Armitage, Louise Giovanelli, Yukimasa Ida og Kerry James Marshall, som på ulikt vis utforsker tradisjonelle motiver fra kunsthistorien, være seg landskaper, hager, draperier, eller blomster.  

Narcissus Garden

Kusamas omsluttende installasjon ble først vist som et uoffisielt bidrag til den 33. Venezia-biennalen, hvor kunstneren selv var tilstede og solgte speilkulene under plakaten “Din narsissisme er til salgs!”

Siden den gang har Narcissus Garden blitt rekonstruert i en rekke sammenhenger, med ulike lesninger av verkets symbolske og kulturelle betydning, og vises nå for første gang på norsk jord. 

The Fredriksen Family Collection – en samling i utvikling 

 Søylerommet er viet utstillinger med verk fra The Fredriksen Family Collection, en samling i kontinuerlig utvikling, med hovedvekt på kunstverk fra etterkrigstiden fram til i dag. Utstillingene vil endre seg etter som museet gjør nye utvalg og presentasjoner av samlingen. Søylerommet kompletterer museets egen samlingspresentasjon, og skiller seg ut med sin særegne utstillingsarkitektur. Kunstverkene utvider museets fortellinger om samtiden og vår nære fortid. 

The Fredriksen Family Collection er dedisert til Inger Katharina Astrup Fredriksen (1950–2006). Det første verket ble kjøpt inn i 2018. Samlingen danner grunnlag for Nasjonalmuseets utstillingsserier i Søylerommet. 


Utstilling hele året

Samlingen

11. juni 2022 åpnet Nordens største kunstmuseum i Oslo. Her kan du oppleve eldre og moderne kunst, samtidskunst, arkitektur og design under samme tak og på helt nye måter.

Hvordan griper kunst, design og arkitektur inn i livene våre? Fortellinger om kunst er også fortellinger om samfunnet og tiden vi lever i.

Det nye Nasjonalmuseet er et sted for nye ideer, inspirasjon og store kulturopplevelser. Vi skal gjøre kunsten tilgjengelig for alle og reflektere samfunnet og tiden vi lever i. 

Nasjonalmuseet i Oslo har en av verdens viktigste samlinger av Edvard Munchs mest berømte malerier, blant dem det ikoniske «Skrik». Munch får et eget rom i det nye Nasjonalmuseet i 2022.. Fotograf: © Eirik Dahl - Hva Skjer i Oslo - Oslo Fjord Pictures

I det nye Nasjonalmuseet kan du for første gang oppleve verk fra ulike deler av museets samling under samme tak. Museet rommer nesten dobbelt så store utstillingsarealer som de gamle museumsbygningene.

Norges mest omfattende samling

I samlingspresentasjonen får du oppleve rundt 6 500 verk fra Norges største samling av kunst, arkitektur og design – fra oldtiden og fram til i dag. Her vises norsk kunst, design og arkitektur i en internasjonal kontekst.

Presentasjonen er kronologisk og viser hovedtrekk i norsk kunsthistorie, sammen med sentrale utenlandske verk fra samlingen. Her skapes det samspill mellom de ulike delene av samlingen både innenfor historiske perioder og på tvers av historien.

I utstillingsrommene er det også plass til fordypning, avkobling og aktiviteter. Her kan du skape dine egne fortellinger.

Samlingspresentasjonen:

  • Vises i 1. og 2. etasje i over 80 rom.

  • Dekker et historisk spenn på nærmere 3 000 år.

  • Inneholder over 6 500 verk fra hele samlingen.

  • Rom 1–18 (1. et): Design før 1900.

  • Rom 19–31 (1. et): Design og kunsthåndverk fra 1900 til i dag.

  • Rom 33–61 (2. et): Kunst 1500–1900.

  • Rom 63–74 (2. et): Kunst 1900–1960.

  • Rom 75–88 (2. et): Kunst fra 1960 til i dag.

  • Utstillingsarkitektur og designkonsept: Guicciardini & Magni Architetti. Hovedarkitekt: Marco Magni.

Storslagent! “Wind”. av May-Bente Aronsen. Fotograf: © Eirik Dahl - Hva Skjer i Oslo - Oslo Fjord Pictures

Fra keiserlig porselen til norsk samtidsmote

I 1. etasje møter du design og kunsthåndverk fra oldtiden fram til i dag. Maleri, skulptur og arkitektur utgjør også en sentral del av presentasjonen. Her kan du blant annet oppleve romerske keiserbyster og det nesten tusen år gamle Baldishol-teppet fra nåværende Innlandet fylke. Her tematiseres den politiske og sosiale kraften design og kunst har hatt gjennom tidene. 

Fotografert av © Eirik Dahl - Hva Skjer i Oslo - Oslo Fjord Pictures

Her får du også se store deler av Dronning Maud og Dronning Sonjas kongelige draktsamling. I salen for norsk samtidsmote presenteres etablerte designere som Per Spook og Peter Dundas, sammen med yngre designere som har markert seg de senere årene.

En av attraksjonene i det nye Nasjonalmuseet er rommet for kongelige drakter, kalt To dronninger møtes. Her blir dronning Maud og dronning Sonjas drakter, sko, vesker og tilbehør stilt ut. Fotograf: © Eirik Dahl - Hva Skjer i Oslo - Oslo Fjord Pictures

Storslåtte landskapsmalerier, politikk og samtidskunst

I 2. etasje finner du blant annet stilleben fra 1600-tallet, de eldste skildringene av norske landskap, og Edvard Munchs mange framstillinger av menneskets følelsesliv, blant annet Skrik. Hannah Ryggens tekstilarbeider og John Savios tresnitt er viet stor plass, og i Eventyrrommet kan du oppleve Theodor Kittelsens mystiske univers.

I rommene 75-88 opplever du kunst fra 1960 til i dag. Fotograf: © Eirik Dahl - Hva Skjer i Oslo - Oslo Fjord Pictures

Her kan du se noen av museets mest sentrale verk innenfor nasjonal og internasjonal samtidskunst. I denne delen av samlingspresentasjonen kan du oppleve tre installasjoner: Per Inge Bjørlos Indre rom V, Ilya Kabakovs Søppelmannen og samarbeidsverket Blikk av bildekunstner Irma Salo Jæger, komponist Sigurd Berge og poet Jan Erik Vold. En egen sal er dedikert arkitekten Sverre Fehn. 


Besøk samlingen virtuelt

Har du ikke anledning til å besøke museet, eller foretrekker du uansett å utforske Samlingen hjemmefra? Opplev samlingspresentasjonen virtuelt her:


Nasjonalmuseets digitale samling

Utforsk dine favoritter og lag egne samlinger blant over 47 000 kunstverk og objekter fra Nasjonalmuseets samling. Se de digitaliserte verkene fra samlingen her

 

Kreditering av digitale installasjoner og lydproduksjoner



Lobbyen rett innenfor inngangsdørene på Nasjonalmuseet. . Fotograf: © Eirik Dahl - Hva Skjer i Oslo - Oslo Fjord Pictures

Åpningstider


Mandag Stengt

Tirsdag, onsdag, torsdag, fredag, lørdag og søndag 10–21


Alle avvik til åpningstidene

  • 23. desember 2022 – 25. desember 2022

    Stengt: Jul

  • 31. desember 2022 – 1. januar 2023

    Stengt: Nyttår

  • 17. mai 2023 – 17. mai 2023

    Stengt: 17. mai

Kilde: Nasjonalmuseet

Tekst: Nasjonalmuseet



Det nye Nasjonalmuseet åpner 11. juni 2022. Nasjonalmuseet samler og bevarer, stiller ut og formidler Norges mest omfattende samlinger av kunst, arkitektur og design

View Event →
Kunstutstillinger på Oslo Museum
Jun
28
to Dec 23

Kunstutstillinger på Oslo Museum

  • Oslo Museum: Tøyenbekken 5, Sagveien 28 og Frognerveien 67 (map)
  • Google Calendar ICS

Se også de andre avdelingene i Oslo Museum


Opplev sommeren på Oslo Museum

I sommer kan du blant annet bli med på gratis byvandringer rundt omkring i Oslo, ta turen inn i vakre Frogner hovedgård, bli kjent med byen gjennom varierte utstillinger, bli med inn i den historiske arbeiderleiligheten på Sagene og la barna prøve seg på historiske uteleker.

Du kan også nyte forfriskninger i de hyggelige museumskaféene på Grønland, Sagene og Frogner.


Vi har flere spennende utstillinger både på Sagene, Grønland og Frogner. På Arbeidermuseet på Sagene og Interkulturelt Museum på Grønland er det gratis inngang for alle alle dager, og på Bymuseet og Teatermuseet i Frognerparken er det gratis inngang for alle på torsdager – og alltid gratis for barn.

Foto: Oslo Bymuseum

I tillegg til utstillingene har vi også sommervandringer rundt omkring i Oslo fire tirsdager i juli/august, sommeromvisninger på Frogner hovedgård hver dag fra tirsdag til søndag gjennom hele sommeren, minivandringer og omvisning i arbeiderbolig på Sagene hver helg, og flere barneaktiviteter på Bymuseet.

Velkommen til oss i sommer!

Sjekk programmet her:

Kafé- og museumsbesøk på Interkulturelt Museum

Ta deg en tur innom den hyggelige kaféen på Interkulturelt Museum i Tøyenbekken 5 i sommer – gjerne kombinert med et museumsbesøk

I hele juli er kaféen åpen tirsdag, onsdag og torsdag kl. 11–15. Her kan du få deg enkel lunsj, nystekte vafler og skikkelig god iskaffe. Betaling med Vipps.

Kafeen driftes i samarbeid med Ung Jobb i Bydel Gamle Oslo.


Kjenn din by – sommervandringer

Ulike steder i Oslo

4. juli, 11. juli, 18. juli og 1. august kl. 18:00


Omvisninger i Frogner hovedgård


Frogner hovedgård, Frognerparken

Hver dag (tir–søn) kl. 14


Sagenevandring med besøk i arbeiderboligen

Arbeidermuseet, Sagveien 28

Hver lørdag og søndag kl. 12 og 14


Barneaktiviteter på Frogner

Løs rebus i utstillingene og prøv historiske uteleker på tunet.

Bymuseet/Teatermuseet, Frognerparken

Tirsdag til søndag kl. 11–16 (tor: 11–19)



UTSTILLINGER

Beyond Barcode

Interkulturelt Museum, Tøyenbekken 5

Tirsdag til søndag kl. 11–16

Hvordan ser Oslo ut om 30, 50 eller 70 år? Bli med inn i fremtiden og utforsk ulike fremtidsscenarioer.


Fra ånd til hånd

Tunet til Frogner hovedgård, Frognerparken

Tirsdag til søndag kl. 11–16 (tor: 11–19)

Gjenopplev dukketeatermagien med fotografier fra gamle klassikere, prisvinnende forestillinger og nyere publikumsfavoritter.


Smaken av Oslo

Bymuseet, Frognerparken

Tirsdag til søndag kl. 11–16 (tor: 11–19)

I denne fotoutstillingen får du servert smakebiter fra Oslos mathistorie de siste 150 årene.


Kjære Akerselva

Arbeidermuseet, Sagveien 28

Onsdag til søndag kl. 11–16

Fotograf Torbjørn Moen har fanget glimt fra Akerselva og omgivelsene, fra Maridalsvannet til utløpet i Oslofjorden. 

View Event →
Sommerutstillingen - Galleri Semmingsen
Jun
28
to Aug 3

Sommerutstillingen - Galleri Semmingsen

  • Adresse og sted for utstillingen: Galleri Semmingsen (map)
  • Google Calendar ICS

Velkommen til en variert og innholdsrikt sommerutstilling! 

En utstilling som gir deg smakebiter fra hele kunstnerstallen. Vi tar utgangspunkt i nordiske kunstnere som fordyper seg i maleri, fotografi, skulptur og arbeider på papir. 

Utstillingen åpner 12. juni.
Vi holder stengt fra 30. juni – 3. august.

Utstillingen kan sees på våre nettsider i sommermåneden. Send oss en mail om dere er noe dere ønsker å reservere.

Bildene under er kun et utvalg fra utstililingen. Utstillingen vil endre seg underveis. 

Janicke Schønning. Day by the River, (Yellow). 2024. Tusj og akryl på 300 g dyptrykkpapir. 100 x 120 cm. NOK 25 000,-

 

Janicke Schønning. Day by the River (Blue). 2024. Tusj og akryl på 300g dyptrykkpapir. 100 x 120 cm. NOK 25 000,-

 
 

GALLERI SEMMINGSEN

Galleri Semmingsen har fokus på nordiske kunstnere og er ute etter å finne essensen i den skandinaviske samtidskunstscenen. Siden åpningen i 1999 har tyngden ligget hos maleriet som uttrykksform, men galleriet representerer også kunstnere som fordyper seg i fotografi, skulptur og papirarbeider. Uttrykkene er fra det helt konseptuelle til det klassisk figurative. For oss er det viktig å samtale med de besøkende og galleriet har gjennom årene oppnådd en trofast kundekrets. Vi hjelper dere med helheten, tørk støv av gamle arveklenodier og ominnram gammel grafikk og foto, kombiner de med nye ervervelser. Slik blir samlingen til en større fortelling, slik glemmer eller gjemmer vi ikke vår historie.

Den brede interessen jeg har for kultur, musikk og design – men aller mest for billedkunst har vært min drivkraft. Det har styrt mine valg av galleriets kunstnere og det er en glede for meg å videreformidle dette til et interessert og entusiastisk publikum. Alle har ulike innfallsvinkler til kunstens verden, og det er galleristens rolle å vise vei. Min oppvekst blant naturens energier, krefter og minner sitter i og kan aldri vike”

- Astrid Hilde Semmingsen

KONTAKT

Galleriet: 941 81 249
Astrid Hilde Semmingsen: 905 94 117
Mail:  ah@gallerisemmingsen.no

BESØK

Niels Juels gate 50, 0257 Oslo
Onsdag 11-16, torsdag 12-20, fredag 11-16, lørdag og søndag 12-16.

View Event →
Emily Gernild   -  Nagori
Jun
28
to Aug 8

Emily Gernild - Nagori

  • Adresse og sted for utstillingen: O S L contemporary (map)
  • Google Calendar ICS

NAGORI

Let’s start with a book.

Writer Ryoko Sekiguchi tells us that there is a word for that sensation we feel when we know a fruit, a harvest of the earth, is nearing the end of its seasonality. It’s the final taste. The flavour changes, the scent grows denser. It’s a physical perception, but also an emotional one: we know that soon that fruit will no longer be on our tables. We will miss its taste and the ability to possess it, and it will miss us in return—mutually. The season comes to a close, and something within us prepares to make room for its departure. Nagori. La nostalgie de la saison qui vient de nous quitter (P.O.L., 2018) by Sekiguchi is not only a book, it is a sensory and emotional adventure through the millenary history of the relationship between human beings, the Earth, and its fruits.

“Nagori” is also the title of the exhibition by artist Emily Gernild, which presents a series of paintings on canvas imbued with the sensory and symbolic experience of contact with the most extraordinary and mysterious fruits of the earth: citrus. In the work that gives the exhibition its name, a large bright yellow citrus fruit—perhaps a pomelo, genealogical ancestor of the citrus family—is depicted on a wide plate. The bold lines and swirling brushstrokes do not merely describe the fruit but evoke a deep sense of metamorphosis and time. The paint, dense and sinuous, impresses the materiality of change onto the canvas: the fruit seems to become a symbol of a uterine gestation of time itself.

Citrus fruits become true talismans for other emotional worlds. In Citrus Portal 1 and Citrus Portal 2, both horizontal in format, the shape of the citrus fruit recalls that of an eye: a gaze that travels across different layers of reality. In Lemon Salicifolia, the focus shifts to the verticality of the tree and the uniqueness of this variety, known for its slender leaves that resemble those of a willow. With Delights of the Garden, the still life becomes increasingly rich and elaborate; in The Land of the Lemon Gold, it opens to new earthly delights: flowers, roses, petals, spores, roots. Wild Rose and Thorns offer close-up views of the rose, from the folds of its petals to the pointed architecture of its thorns. Finally, Compost Poetry speaks to the cyclical life of the earth, while Silver Moon lifts our gaze upward into the night sky, when the earth sleeps.

In the town of Palmera, between Valencia and Alicante, in it lies the largest open-air citrus collection in the world, or possibly so. With over 500 varieties of citrus, from ancient grafts to new experimental hybrids, this rare garden of citrus biodiversity (Todolì Citrus Fundaciò) was created with an educational mission, within the citric world that only appears familiar but is, in truth, boundless. Vicente Todolí, its founder, was inspired by the Florentine figure of Cosimo de’ Medici, who in 1550 sublimated his love for citrus into a collection as precious as any work of art. Emily Gernild visited the citrus collection in Palmera on three occasions—twice in 2024 and once in 2025—and it was, for her, a revelatory experience: a perfect portal, in tune with her already evident interest in the subject—just think of her Black Lemons exhibition at Schwarz Contemporary in Berlin in 2021. For Emily Gernild the strongest sensation was always the same, living in that garden of earthly delights: the most important one, the extraordinary epiphany in which all the senses awaken at once.

Emily Gernild leaves a visual imprint of the sensory experience of approaching the citric world, in all its complex whirl of sensations and melancholies. Nagori, in Japanese, literally means “trace,” and in relation to seasonality it expresses that taste which will never return. This is what can be found in Gernild’s Nagori: represented through vivid colours and granitic shadows—traces of the ecstasy of nature perceived through the senses, the mesmerizing gratuity of time, the mysterious elegance of seasonality as it exits the stage, leaving behind a vast void that transforms into a welcoming space for the new.


15.05.2025

Alice Ongaro Sartori

*

Alice Ongaro Sartori is a researcher, writer and curator in visual culture and publishing, with a focus on ecology and the public sphere. She is currently a Library Research Grant Recipient at the Getty Research Institute in Los Angeles. She is part of wetlands, a publishing house dedicated to social justice and environmental sustainability based in Venice. She is also a Guest Editor for the Brazilian publishing house Editora Âyiné. She was Head of Public Programs at Ocean Space / TBA21–Academy in Venice and she was awarded a Curatorial Fellowship at the Peggy Guggenheim Collection (2018).

*

Emily Gernild is a painter based in Copenhagen. She received her formal training at the Funen Art Academy and the Düsseldorf Art Academy, earning an MA in 2016. Gernild’s practice is characterised by assertive, textured, and chromatically rich paintings that engage with motifs drawn from dream imagery, idiomatic expressions, and conventions of historical still life. Her work interrogates and expands upon these sources, seeking to extract new meaning from established visual tropes. Applying both oil paint and rabbit-skin glue mixed with pigment, Gernild explores the dynamic interplay between figure and ground, utilising these materials to investigate different approaches to painting.


Gernild has presented several solo exhibitions including Emily Gernild // Sonja Ferlov Mancoba at the Vigeland Museum, Norway (2025); Beyond Ideas at Studio 4 Berlin, Germany (2024); and Aunts and Dolls at Gl. Holtegaard, Denmark (2023). Her work has also been featured in group exhibitions such as Koloristerne at Den Frie, Denmark (2025); Kolossal at Kastrupgårdsamlingen, Denmark (2024); Flowers in Art at Arken Museum for Modern Art, Denmark (2021); Leftovers and Other Squeezed Lemons at Gammelgaard Art and Culture, Denmark (2021); and After Images at Janus Vestjyllands Kunstmuseum, Denmark (2021). Her paintings are held in prominent public collections, including the Canica Art Collection (Norway), the Danish Arts Foundation (Statens Kunstfond), Trapholt Museum of Modern Art (Denmark), and Kastrupgårdsamlingen (Denmark). Gernild has also completed public art commissions for the Ministry of Higher Education and Science (Denmark), the Maritime and Commercial High Court (Denmark), Holbæk Art (Denmark).


O S L contemporary


OSL contemporary was established in 2011 by Emilie Magnus. Located in a former fire station in Oslo’s West End, the gallery has since developed an extensive program, currently representing twenty-three emerging and established artists encompassing a diverse range of disciplines.

With the focused initiative to nurture the artists’ positions within the Nordic region and promote their practice to a wider global audience, the gallery works closely with local institutions and museums whilst continuously engaging and participating in projects, exhibitions, and art fairs internationally.

Opening Hours

Tuesday - Friday, 12-17.00
Saturday, 12-16.00

Address

OSL contemporary
Haxthausens gate 3
0263 Oslo, Norway

View Google maps

Contact

General inquiries:
Tel +47 23 27 06 76
info@oslcontemporary.com


Opening hours

  • Tue – Fri:12 – 17

  • Sat:12 – 16

Address

Contact

View Event →
PROJECT: LOFOTEN H.M  -  Queen Sonja and Lars Lerin
Jun
28
to Aug 24

PROJECT: LOFOTEN H.M - Queen Sonja and Lars Lerin

  • Adresse og sted for utstillingen: The Queen Sonja Print Award (map)
  • Google Calendar ICS

Exhibition QSPA Bispevika, Oslo

April 24 to August 24, 2025

Queen Sonja Print Award presents the exhibition Project: Lofoten, an artistic collaboration between Queen Sonja and Lars Lerin, developed in support of printmaking and the foundation.

The exhibition showcases graphic prints featuring motifs from the northern Norwegian landscape, hand-coloured by Lars Lerin. The works are the result of a close collaboration, and several of the pieces are signed by both artists.

Queen Sonja has worked with printmaking for many years, often drawing inspiration from nature and landscapes, including those of Northern Norway. Throughout much of his career, Lars Lerin has turned his gaze towards Lofoten, where the region’s shifting light and weather have left a profound mark on his artistic practice. Together, they have explored the visual rhythms of nature, creating works that unite two distinct artistic expressions in one poetic interpretation.

The title of the exhibition, Project: Lofoten, refers both to the specific geographical location and to the shared artistic project. It is a tribute to the landscape of the North and to the possibilities of printmaking for collaboration, interpretation, and mutual inspiration.


ABOUT

The Queen Sonja Print Award is the world’s leading award for graphic art, and a means to celebrate the art of printmaking, by honoring artists and supporting great talent. It is The Queen’s sincere wish that the award will support and inspire ambitious artists to establish themselves on the international art scene.

Three awards - the Queen Sonja Print Award, the QSPA Inspirational Award and the QSPA Lifetime Achievement Award - are presented every other year by the HM Queen Sonja Art Foundation, which was established in 2011 to generate interest in and promote the development of graphic art. The awards celebrate the excellence of artists at various stages in their career.

About

The Queen Sonja Print Award also contributes to making graphic art more available to the public. The opening of the QSPA exhibition space in 2021 was an important step towards raising general interest in graphic art. Our ambition is to create a meeting place where people can enjoy unique, premium quality prints.




CONTACT

Address:Operagata 63B
0194 Oslo

hello@queensonjaprintaward.no

+47 21651180

INFO

> About> Contact> Privacy and cookies

SOCIAL

View Event →
INGRID LØNNINGDAL  -   Plant Combinations"
Jun
28
to Aug 3

INGRID LØNNINGDAL - Plant Combinations"

  • Adresse og sted for utstillingen: Soft Galleri (map)
  • Google Calendar ICS

Kombinasjonen av strategiske forberedelser, grundig skissearbeid, tilfeldighet og tidvis nådeløs uforutsigbarhet kjennetegner de omstendelige prosessene bak Ingrid Lønningdals utstilling. På SOFT presenterer hun to serier med nye arbeider – Plant Combinations og Garden – som befinner seg i skjæringspunktet mellom tekstil, skulptur og maleri.

Serien Plant Combinations er produsert ved hjelp av innfargingsmetoden indigosol – et kjemisk fargestoff som er utviklet spesielt for tekstil. Arbeidet med indigosolfargene er oppskriftsmessig balansekunst. I prosessen er fargene ugjenkjennelige: blå er brun eller rosa, grå er svart, svart er grønn. De «virkelige» fargene kommer først til syne når tekstilene fremkalles i syrebad. Lønningdals indigosolarbeider presenterer et stort spekter av fargerike komposisjoner – fra de helt duse rosa og milde blåtoner, til skarp gul og opak svart.

I Garden-serien er den myke, taktile overflaten erstattet med hard, knudrete mørtel. Verkene er lagvis bygget opp i en sammensetning av ulike konstruksjonsmaterialer – en treplate danner fundamentet, og en armeringsduk fungerer som et forsterkende bindeledd mellom trevirke og mørtel. Tekstilen inntar her en funksjonell rolle – armeringsduken synliggjør en strukturell forbindelse til tekstilenes mange, og kanskje overraskende, bruksområder.

Indigosolverkene i utstillingen er produsert i tett samarbeid med Bente Sætrang. Sætrang har over 50 års erfaring med indigosolfarger, og har delt sjenerøst av sin ekspertise og tid.

Onsdag 18. juni kl. 18, inviterer SOFT galleri til kunstnersamtale med Ingrid Lønningdal og Bente Sætrang, moderert av Elisabeth Byre.

Ingrid Lønningdal (f. 1981) bor og jobber i Lier, og har en mastergrad i kunst fra Kunsthøgskolen i Oslo. Lønningdal har hatt separatutstillinger ved blant annet Laboratory of Art and Form (Kyoto, Japan), Künstlerhaus Bethanien (Berlin), Kunstnerforbundet, Oslo Kunstforening, Galleri Opdahl og Trøndelag senter for samtidskunst, og har deltatt i gruppeutstillinger ved institusjoner som Hamburg Kunstverein, Nasjonalmuseet, Vigelandmuseet og Central Museum of Textiles (Łódź, Polen).

Lønningdal har gjort flere prosjekter i offentlig rom og er kjøpt inn av en rekke offentlige og private samlinger. Hun har publisert flere tekster og publikasjoner, blant annet «Borgen. Et sted for kulturproduksjon» (Teknisk Industri, 2015) og IL10 (Teknisk Industri 2019, red. Anne Szefer Karlsen). I 2025 er hun aktuell med monumentalverket «Rotasjoner», som består av et 1200 m2 takmaleri og fem skulpturer, på nye Stavanger universitetssjukehus.

https://www.ingridlonningdal.net

Utstillingen står til 3. august 2025
Åpningstider i utstillingsperioden:
Tirsdag-fredag: 12-17
Lørdag-søndag: 12-16
(Galleriet holder stengt i juli)

Les mer på www.softgalleri.no


Om SOFT galleri

SOFT galleri er driftet av Norske tekstilkunstnere (NTK) og åpnet høsten 2006. SOFT galleri viser utstillinger med både medlemmer av NTK og andre norske og utenlandske kunstnere som arbeider med tekstile uttrykk.

Galleriet holder til i første etasje i en forretningsgård oppført i 1898 av arkitekt Carl Michaelsen, sentralt i Kvadraturen i Oslo med nærhet til Akershus festning, Christiania torv, samt en rekke andre utstillingssteder.  

Styret i NTK er kunstnerisk ansvarlig for utstillingsprogrammet på SOFT galleri. Juryeringen er basert på en årlig utlysning av utstillingsplasser som både norske og internasjonale kunstnere kan søke. Galleriet viser åtte utstillinger i året.

Pressevisning og intervju med kunstnerne etter avtale.
Kontakt daglig leder Line Fasteraune, telefon 90 11 54 29 eller dl@softgalleri.no 

Åpningstider

Tirsdag – fredag: 12.00 – 17.00
Lørdag – søndag: 12.00 – 16.00

Stengt søndag 8. juni (Første pinsedag) / Closed Sunday 8 June (Pentecost)

SOFT galleri holder stengt i julen, påsken og hele juli.

Kontakt

Tlf: +47 90 11 54 29
E-post: dl@softgalleri.no
Adresse: Rådhusgata 20, 0151 Oslo

View Event →
LASSE ÅRIKSTAD: AMAROIDAMALGNIDGNOD
Jun
28
to Aug 10

LASSE ÅRIKSTAD: AMAROIDAMALGNIDGNOD

  • Adresse og sted for utstillingen: Prosjektrom Carl Berner (NORSK BILLEDHOGGERFORENING) (map)
  • Google Calendar ICS

Til utstillingen i Prosjektrom Carl Berner har Lasse Årikstad skapt et surrealistisk diorama som ikke presenterer et spesifikt narrativ, men inviterer publikum til å konstruere sine egne fortellinger på reisen gjennom stasjonen. Den stedsspesifikke installasjonen inneholder nye verk inspirert av beliggenheten og arkitekturen til stedet, og ikke minst menneskene som ferdes der. I dette fargerike landskapet lever verkene tilsynelatende sitt eget liv. 

Årikstad er en kunstner som arbeider parallelt med mange ulike medier og uttrykk i sitt kunstnerskap. Han bruker primært maleri, skulptur, film og collage, men også tegning, installasjon og relasjonell kunst. I Kristiansand driver han det kunstnerstyrte visningsrommet PALASS (KRS).

Lasse Årikstad har en MFA fra Kunsthøgskolen i Bergen. Han har tidligere stilt ut ved blant annet Kristiansand Kunsthall, Kunstnerens Hus, Van Etten, Entree, Kraft, Kvit og Kortfilmfestivalen. Hans arbeider er innkjøpt av Kunstsilo / SKMU, Koro, Bergen og Kristiansand Kommune og Brian Eno.


NORSK BILLEDHOGGERFORENING
NORWEGIAN SCULPTORS SOCIETY

OMVISNING

Vi gjennomfører svært gjerne omvisninger i utstillingsperiodene. Vi tilbyr gratis omvisninger for både skoleklasser, kunstklubber, arbeidsplasser, private grupper osv. Omvisningene blir tilrettelagt for aldersgruppe og type henvendelse. Har dere ønsker til innhold så er vi også behjelpelige med det. Avtal gjerne god tid i forveien. Åpningstid ons-fre 11-16, lør-søn 12-16. Henvendelser sendes til nbf@skulptur.no.

UTLEIE

I Norsk Billedhoggerforenings hus på Carl Berner i Oslo er det mulig å leie rom til møter, kurs, o.l. Vi leier dessverre ikke ut til private arrangementer og fester. Rommet er på 40m2 og har plass til rundt 30 personer. Møbleringen er fleksibel, men til vanlig har rommet et integrert kjøkken og møtebord. Rommet er ellers utstyrt med projektor og en fire meter bred prosjektorskjerm.

Grunnpris for utleie er kr. 3.000. Ved utleie utover alminnelige åpningstider tilkommer en sum på 250/time. Utleie skjer med forbehold om at det passer med Billedhoggerforeningens visnings- og arrangementsprogram. 

Ta kontakt med administrasjonen for å reservere: 22 37 77 80 / nbf@skulptur.no

NEDLASTBARE DOKUMENTER

ÅPNINGSTIDER:
ONS-FRE: 11-16
LØR-SØN: 12-16

Tilgjengelighet: Vi har HC-parkering, HC WC og trinnfri adgang

HEKKVEIEN 5, 0571 OSLO – NORWAY / +47 22 37 77 80 / nbf@skulptur.no 

View Event →
Skatter fra samlingen - Forsvarsmuseet
Jul
5
to Dec 31

Skatter fra samlingen - Forsvarsmuseet

  • Forsvarsmuseet, Akershus festning (map)
  • Google Calendar ICS

Skatter fra samlingen til Forsvarsmuseet


Åpningstider: Tirs - Søn: 10:00-16:00

Utstilling

Få et innblikk i Forsvarets utvikling og lær hvordan militær tenkning og krigens virkelighet har vært nært knyttet til teknologisk, økonomisk og politisk utvikling.

Inngangspartiet til Forsvarsmuseet. Bildefil © eies av Hva skjer i Oslo

Forsvarsmuseet er Forsvarets hovedmuseum og har holdt til i en gammel arsenalbygning på Akershus festning siden 1860. Utstillingene viser historien til det norske forsvaret, med vekt på tiden fra 1400-tallet og frem til våre dager.

Utstillingene gir et innblikk i Forsvarets utvikling og viser hvordan militær tenkning og krigens virkelighet har vært nært knyttet til teknologisk, økonomisk og politisk utvikling.

Tematiske utstillinger og aktiviteter

Museet har flere tematiske utstillinger og formidler informasjon fra alle forsvarsgrener. Slik kan de besøkende på historisk grunnlag ta standpunkt i forsvarshistoriske spørsmål, og til Forsvarets rolle i dag.

Museet har mange aktiviteter i og rundt utstillingene, og årlig har vi tilbud for både for store og små: vår- og høstprogram med foredrag og omvisninger, sommerløype i utstillingen, juleverksted, vinterferiedag og kulturnatt.

Lite jord, misnøye med forholdene hjemme og eventyrlyst var noen av grunnene til at vikingene reiste ut. Vikingskipene var gode sjøbåter og fraktet vikingene raskt over havet.. De gikk iland, drepte, plyndret og forsvant før det kunne organiseres skikkelig motstand. Men vikingene drev også fredelig handel og varebytte. Mange steder erobret de også land og slo seg ned. Fotografiet viser modell av vikingskipet Osebergskipet. Vikingsverd fra 800-tallet. Skjeggøks. Fotograf: Wolfmann. lisens: Creative Commons Attribution-Share Alike 4.0

Våpen brukt i Norge i vikingtid og middelalderen. Leidangen er kjent fra Håkon den godes tid (935-965). Langs kysten ble landet delt opp i områder kalt skipsreider. Hver skipsreide skulle stille et skip med mannskap. Det va streng straff for å ikke møte. Bøndene måtte selv anskaffe våpen (sverd, øks, spyd, pil og bue og skjold). Ved siden av sverd, øks og pil var stein et vanlig våpen i kampen mot fienden. Sagaen sier at slike kastestein ble brukt i slaget ved Fimreiste i Sogn i 1184. Bildet viser Vikingsverd, jernhatt, spyd, kastestein og Baldisholteppet.

Baldisholteppet er et vevd gobelinteppe, trolig fra før 1150. Teppet er enestående i sitt slag. Man kan ikke si med sikkerhet hvor Baldisholteppet laget, men det er trolig inspirert av kunst fra det kontinentale Europa. Stilmessig er det noe som tilsier at det kan være vevd i Nord-Frankrike eller England, men det kan også ha blitt vevd i Norge. Snitt og mønster på teppet kan tyde på at det er blitt laget i Norge. I tillegg er krigsutstyret som er gjengitt på teppet noe gammeldags til å passe til den tiden teppet er datert til, mellom 1180 og 1200. Det kan bety at teppeveveren har avbildet det fortsatt vanlige krigsutstyret i det perifere Norge, mens man i England og Nord-Frankrike bar nyere utstyr.

Navnet kommer fra Baldishol kirke i Nes i Ringsaker. Teppet ble funnet i 1879, da 1600-tallskirken på Baldishol ble revet. Teppet var en av de mange gjenstandene blant materialer og inventar som ble solgt på auksjon i forbindelse med rivingen. Familien Kildal på nabogården til kirken kjøpte en del av gjenstandene og oppbevarte dem på gården. En slektning, Louise Kildal, som var på besøk noen år senere fant blant kirkebilder og noen kirkespir, en skitten, gammel fille, full av leire, som hadde ligget under fotskammelen til organisten som vern mot trekken.

Louise Kildal tok vare på fillen, vasket og stelte den. Frem av skitten kom et billedteppe i farger. Hun hadde det deretter hengende i sin stue hvor det ble oppdaget av museumsdirektør H. A. Grosch, som sørget for at teppet ble overført til museum.

Fotograf: Wolfmann. lisens: Creative Commons Attribution-Share Alike 4.0

 

Andre temaer fra ulike tidsepoker som vises i Forsvarsmuseets utstillinger

INTOPS – Internasjonale operasjoner

Norske soldater har tjenestegjort i internasjonale operasjoner siden Tysklandsbrigadene (1947-53). Norge har stilt styrkebidrag til alle slags operasjoner med små og store enheter, i korte perioder, eller over mange år. Utstillingen inviterer til å oppleve historien – og høre historier – fra åtte geografiske områder. Disse viser samtidig den historiske utviklingen fra Tyskland og Korea rett etter andre verdenskrig, til Afghanistan og Libya i vår tid. Mellom disse  ytterpunktene ligger en omfattende og sammensatt innsats ikke minst i Midtøsten og på Balkan, samt i Afrika og Gulfen. 

Innsatsen synliggjøres ved å trekke fram gjenstander, hendelser og historier fra flere operasjoner. I lydinstallasjonene kan man høre ti veteraner dele sine erfaringer og betraktninger.



1300-1814: De eldste tider

Norges første forsvarsordning leidangen, gikk ut på at kystbøndene skulle stille langskip med mannskap, våpen og nødvendig utstyr. Norge var først i union med Danmark, og ble senere en del av Danmark. En norsk bondesoldat representerer den nye bondebevæpningen til kong Christian IV fra 1604. I 1628 ble bøndene pålagt å stille soldater når det var behov for det. Et visst antall gårder (en legd) skulle stille en soldat. Det tok tid før ordningen fungerte. Den revolusjonerende utviklingen av skytevåpen vises i en egen monter. Anholtkanonen fra 1400-tallet er et eksempel på at det også fantes bakladerkanoner på denne tiden, men godt fungerende bakladerkanoner kom først på slutten av 1800-tallet.

Den store nordiske krig (1700-1721) var slutten på en lang maktkamp i Norden. Etter en fredeligere periode ble Danmark-Norge innblandet i Napoleonskrigene på fransk side fra 1807-1814. Danmark måtte i 1814 gi fra seg Norge til Sverige, som var blant seiersmaktene i krigen.

Modeller fra Telegrafkompaniet antrukket uniform anno 1888. Her stående ved en feltsmievogn. Fotograf: Wolfmann. lisens: Creative Commons Attribution-Share Alike 4.0


 

1814-1905: Union med Sverige

Norge godtok ikke fredsoppgjøret. Etter kort tid ble Grunnloven utformet på Eidsvoll, og Norge erklærte seg selvstendig. Etter trefninger mellom Norge og Sverige måtte Norge inn i union med Sverige. Grunnloven ble beholdt så å si uendret, og det var kongens person som holdt de to landene sammen. Årene som fulgte var preget av store endringer i det norske samfunnet både politisk, sosialt og teknisk. Det var striden om eget norsk konsulatvesen som ble den utløsende årsak til at unionen med Sverige ble oppløst i 1905. Norge ønsket representasjonsrett i utlandet og da kongen nektet dette, rustet Norge kraftig opp med tanke på å ta en væpnet konflikt med Sverige. Stortinget oppløste unionen 7. juni 1905. Svenskene forlangte folkeavstemning og forhandlinger. Det var full mobilisering på begge sider av grensen. Forhandlingene i Karlstad endte fredelig, og resulterte i en formell oppløsning av unionen.









1940-1945: Den andre verdenskrig

Norge var nøytralt under den første verdenskrig 1914-1918. Da Tyskland angrep Polen 1. september 1939, var en ny verdenskrig i gang. Norge holdt seg nøytral, men klarte ikke å forsvare nøytraliteten. Totalt var det om lag 11 000 mann som angrep i morgentimene. I et monter viser vi senkningen av Blücher. Dette ga Konge og regjering tid til å flykte før Oslo ble okkupert, og den 7. juni forlot de Norge for å ta sete i London.

Tyskerne var militært overlegne på flere områder. Våpenteknologi og samband var bedre, og ble brukt på nye måter. Fallskjermlandestyrker kan stå som symbol for den nye tyske offensive militærkraften. Kampene i Sør-Norge, som varte til slutten av april, bar preg av improvisasjon og forsvaret var mer defensivt. I Nord-Norge var forsvaret mer offensivt, og Norge hadde dessuten større alliert hjelp. Norge kapitulerte 9. juni 1940. Allerede dager etter det tyske angrepet kommer den nazistiske politikken til uttrykk gjennom sensur og propaganda. Tysk sikkerhetstjeneste og politi satt raskt i gang med politisk undertrykkelse, og nordmenn begynte allerede i april 1940 å flykte til Storbritannia og Sverige. 

 





Krigskorset – Norges høyeste utmerkelse

Utstillingen forteller om alle de som har blitt tildelt Krigskorset med sverd, både i forbindelse med andre verdenskrig og for krigsinnsats i senere år. Utstillingen er delt i fire temaer: Felttoget 1940, Operasjoner på norsk jord, Operasjoner på utefronten og Operasjoner i nyere tid.

Medaljer og personlige gjenstander stilles ut i montre, og touchskjermer muliggjør at publikum selv kan forske i materialet og lete frem ytterligere informasjon. Alle de 281 personene og de syv avdelingsfanene som har fått Krigskorset med sverd presenteres. Flere filmer, bakgrunnsbilder og friser gir et personlig møte med Krigskorsmottakere, og skildrer også hendelser og operasjoner som ga tildeling av denne utmerkelsen. 

 

Norske handelsflåte handelsflagg 1936 MS British Columbia Express model skipsmodell. Fotograf: Wolfmann, lisens: Creative Commons Attribution-Share Alike 4.0

1939-1945: Sjøkrigen

Etter Frankrikes fall sommeren 1940, sto Storbritannia alene overfor Hitler-Tyskland. I denne situasjonen ble sikring av forsyningslinjene vesentlig. Forsyningene kom i vesentlig grad fra USA, og måtte fraktes over store havstrekninger i konvoier. I denne trafikken spilte den norske flåten en stor rolle. Flåten ble samlet i et stort rederi – Nortraship, styrt av Norge fra London og New York. Omlag 1000 skip seilte i konvoier, og over halvparten av flåten gikk tapt. Omtrent 4500 nordmenn mistet livet i sjøkrigen. Det var spesielt ubåten som var konvoiens verste fiende. I utstillingen kan man se et utsnitt av en ubåt, en tysk torpedo og alliert anti-ubåtvåpen.

 



1945-1990: Den kalde krigen

Utstillingen har fått navnet I atombombens skygge, og dekker i underkant av 50 års historie fra 1945 til 1990. Perioden 1945 og 1989 var preget av forholdet mellom verdenskrigens to store seierherrer – Sovjetunionen og USA. Supermaktene ledet an i en ny strid der øst sto mot vest, kommunisme mot kapitalisme, diktatur mot demokrati. Spenningen fikk tidlig navnet «kald krig». Gjensidig frykt førte partene inn i et rustningskappløp med produksjon av store mengder våpen. Norges medlemskap i NATO innebar at Forsvarets oppgave var å stå imot et angrep lenge nok til at NATO kunne komme til unnsetning. I et hus i enden av utstillingen har etterretningstjenesten bygget en egen utstilling om sin virksomhet.

Penguin pingvin) er et sjømålsmissil utviklet av det norske selskapet Kongsberg Våpenfabrikk (KV, nåværende Kongsberg Defence Systems) fra tidlig på 1970-tallet, og videreutviklet siden.

Missilet som fikk navnet Penguin MK1 var verdens første «fire and forget-missil». Fotograf: © Mosbatho, lisens: Creative Commons Attribution 4.0 International

Utstillingen består blant annet av improviserte hus og et bomberom, kjøretøy, gjenstander og bilder fra den første etterkrigstiden. I glasshuset i det ene hjørnet av lokalet ses en stor mengde gjenstander fra perioden – tunge og lette våpen, distinksjoner, uniformer, ABC-materiell og annet. I taket er det mange små modeller av kjøretøy, litt over ett tusen – så mange som trengtes for å transportere en av Norges tretten brigader. 


Åpningstider
Mai – august: 10.00 - 17.00
September – april: 10.00 – 16.00

Stengte dager 2022
24. - 26. desember 
31. desember

Kafé 
Alle dager 11.00 – 15.00

Bibliotek
Onsdager 09.00 – 18.00
eller etter avtale

View Event →
ROSEkollektivet  -  Sommer/Été 2025
Jul
6
to Jul 30

ROSEkollektivet - Sommer/Été 2025

  • Adrresse og sted for utstillingen: Hvervenbukta (map)
  • Google Calendar ICS

Vårt utstillingssamarbeid fortsetter direkte fra Rosetog-utstilling i Paris 12e, på Viaduc Renée Dumont 29 juni 2025 @ Art en balade


ROSEKOLLEKTIVET

Rosekollektivet med Tora Synnøve Yli Myre (ToraSola) og Karianne Brevick (Karianne B.)
ble skapt rundt demonstrasjon mot riving av Y-blokka #LaYstå @Yblokka Begge to var engasjerte kunstnersjeler som ga mye tid til saken og flere kunstverk ble skapt. ToraSola sang for fred, skrev poesi og tegnet i Oslo. Karianne laget visuell kunst, samlet norske kunstnere for kunstauksjon og skrev debattinnlegg fra Paris, Frankrike. Tora og Karianne er begge aktive kunst- og kulturaktører som brenner for rettferdighet og fred og de har begge forankring i folkekunsten.

Vårt utstillingssamarbeid fortsetter direkte fra Rosetog-utstilling i Paris 12e, på Viaduc Renée Dumont 29 juni 2025. Med inspirasjon fra tiden det var liv og egen produksjon av kortreiste roser på østkanten i Paris.

ROSEkollektivet er en kunstutstilling og et inkluderende verksted.

Vi vil bruke rommet til fredsarbeid i praksis: estetiske uttrykk, tegning, trykk, poesi og musikk, som grunnlag til et kollektivt verksted for fred. Vi vil bevisstgjøre kollektiv energi, rotfestet i det lokale for å ta vare på det unike i fellesskapet. Hvert individ som kommer inn i kollektivet vil kunne oppleve rom for kreativitet, og sammen kjenne sin egen skaperkraft.

Åpning lørdag 5. juli kl. 14
Finissage onsdag 30. juli kl. 14

Tidsplan og Åpningstider for publikum:
ons til søn : 11-17 | man – tir: stengt

Lenker
Instagram :
@tellusvision
@ToraSolaArt

#expo #kunstutstilling
#Hvervenbukta #SommerOslo #VisitOslo
#kunst #art

#tegning #drawing #dessin #drawingnow #pastel
#grafikk #estampe #printmaking
#print #printmakers #printart #printsforsale #printforsale
#printmakingart

#artcontemporain
#samtidskunst

View Event →
Freja Burgess
Aug
9
to Sep 14

Freja Burgess

  • Adresse og sted for utstillingen: Soft Galleri (map)
  • Google Calendar ICS

Velkommen til åpning av utstilling 7. august 2025 kl. 18.

The exhibition opens 7 August 2025, 6PM.

 

Om SOFT galleri

SOFT galleri er driftet av Norske tekstilkunstnere (NTK) og åpnet høsten 2006. SOFT galleri viser utstillinger med både medlemmer av NTK og andre norske og utenlandske kunstnere som arbeider med tekstile uttrykk.

Galleriet holder til i første etasje i en forretningsgård oppført i 1898 av arkitekt Carl Michaelsen, sentralt i Kvadraturen i Oslo med nærhet til Akershus festning, Christiania torv, samt en rekke andre utstillingssteder.  

Styret i NTK er kunstnerisk ansvarlig for utstillingsprogrammet på SOFT galleri. Juryeringen er basert på en årlig utlysning av utstillingsplasser som både norske og internasjonale kunstnere kan søke. Galleriet viser åtte utstillinger i året.

Pressevisning og intervju med kunstnerne etter avtale.
Kontakt daglig leder Line Fasteraune, telefon 90 11 54 29 eller dl@softgalleri.no 

Åpningstider

Tirsdag – fredag: 12.00 – 17.00
Lørdag – søndag: 12.00 – 16.00

Stengt søndag 8. juni (Første pinsedag) / Closed Sunday 8 June (Pentecost)

SOFT galleri holder stengt i julen, påsken og hele juli.

Kontakt

Tlf: +47 90 11 54 29
E-post: dl@softgalleri.no
Adresse: Rådhusgata 20, 0151 Oslo

View Event →
Ensemble
Aug
23
to Oct 11

Ensemble

  • Adresse og sted for utstillingen: Norske Grafikere (map)
  • Google Calendar ICS

Velkommen til utstillingsåpning torsdag 21. august kl. 18:00.

Å få et innblikk i arbeidet som ligger bak et kunstverk kan gjøre noe med vår forståelse og opplevelse av kunsten, men den kunstneriske arbeidsprosessen blir sjelden gjort tilgjengelig for oss som tilskuere. Med denne utstillingen ønsker vi å løfte frem nettopp den kunstneriske arbeidsprosessen, og særlig den som foregår i møtet mellom flere kunstnere. Vi ønsker å se nærmere på hvordan dynamikken mellom mennesker, og samspillet dem imellom, påvirker en kunstnerisk prosess.

Vi har invitert fire kunstnerduoer som på ulike vis tilnærmer seg samarbeid i sine kunstneriske prosjekter. Vi møter kunstnere som går inn i samarbeidet fra vidt forskjellige ståsteder. De har ulike relasjoner seg imellom, for noen er kunstnerskapet synonymt med duoen, andre har et større fokus på sine individuelle kunstnerskap og samarbeidsprosjektene foregår parallelt med disse. Felles for dem alle er at de har samarbeidet i en årrekke og er godt etablerte i sine respektive duoer.

Norske Grafikere er en av de ledende aktørene i landet innen samtidsgrafikk, og har en ambisjon om at vi som visningsrom skal bidra aktivt til å utfordre og forme samtidskunstfeltet. I lys av dette vil vi i tiden fremover kuratere en utstillingsserie der målet er årlige utstillinger som på ulike vis belyser og kontekstualiserer forskjellige sider ved samtidsgrafikkens vesen.


NORSKE GRAFIKERE

Tollbugata 24,0157 Oslo | 23 35 89 40
ng@norske-grafikere.no
org.nr. 971 435 828


 

Åpningstider:
ons og fre: 12-17 | tor 12-18
lør: 12-16 | søn – tir: stengt

 

View Event →

Utstillingsåpning: ROSEkollektivet  -  Sommer/Été 2025
Jul
5
2:00 PM14:00

Utstillingsåpning: ROSEkollektivet - Sommer/Été 2025

  • Adrresse og sted for utstillingen: Hvervenbukta (map)
  • Google Calendar ICS

Vårt utstillingssamarbeid fortsetter direkte fra Rosetog-utstilling i Paris 12e, på Viaduc Renée Dumont 29 juni 2025 @ Art en balade


ROSEKOLLEKTIVET

Rosekollektivet med Tora Synnøve Yli Myre (ToraSola) og Karianne Brevick (Karianne B.)
ble skapt rundt demonstrasjon mot riving av Y-blokka #LaYstå @Yblokka Begge to var engasjerte kunstnersjeler som ga mye tid til saken og flere kunstverk ble skapt. ToraSola sang for fred, skrev poesi og tegnet i Oslo. Karianne laget visuell kunst, samlet norske kunstnere for kunstauksjon og skrev debattinnlegg fra Paris, Frankrike. Tora og Karianne er begge aktive kunst- og kulturaktører som brenner for rettferdighet og fred og de har begge forankring i folkekunsten.

Vårt utstillingssamarbeid fortsetter direkte fra Rosetog-utstilling i Paris 12e, på Viaduc Renée Dumont 29 juni 2025. Med inspirasjon fra tiden det var liv og egen produksjon av kortreiste roser på østkanten i Paris.

ROSEkollektivet er en kunstutstilling og et inkluderende verksted.

Vi vil bruke rommet til fredsarbeid i praksis: estetiske uttrykk, tegning, trykk, poesi og musikk, som grunnlag til et kollektivt verksted for fred. Vi vil bevisstgjøre kollektiv energi, rotfestet i det lokale for å ta vare på det unike i fellesskapet. Hvert individ som kommer inn i kollektivet vil kunne oppleve rom for kreativitet, og sammen kjenne sin egen skaperkraft.

Åpning lørdag 5. juli kl. 14
Finissage onsdag 30. juli kl. 14

Tidsplan og Åpningstider for publikum:
ons til søn : 11-17 | man – tir: stengt

Lenker
Instagram :
@tellusvision
@ToraSolaArt

#expo #kunstutstilling
#Hvervenbukta #SommerOslo #VisitOslo
#kunst #art

#tegning #drawing #dessin #drawingnow #pastel
#grafikk #estampe #printmaking
#print #printmakers #printart #printsforsale #printforsale
#printmakingart

#artcontemporain
#samtidskunst

View Event →
 Utstillingen «pilegrim» i Gamle Aker kirke  /  Åpen kirke og kafé
Jul
1
1:30 PM13:30

Utstillingen «pilegrim» i Gamle Aker kirke / Åpen kirke og kafé

  • Adresse og sted for utstillingen: Gamle Aker kirke (map)
  • Google Calendar ICS

Sommerutstilling i Gamle Aker

Gjennom sommeren har vi gleden av å invitere til sommerutstilling i Gamle Aker. Utstillingen har tittel «pilegrim» og viser verker av Werner Anderson.

p i l e g r i m

«Jeg har vandret så langt, sett så mangt. 
Undret meg over naturens former,
i et langsomt og bekymringsløst tempo.
Min frihet føles total i stillhet og i storm.
I all enkelhet et åndelig og ydmykt felleskap 
med skapelsen.»  

                                               - Werner Anderson

Sommeren 2025 har vi gleden av å invitere til sommerutstilling i Gamle Aker kirke. Kunstneren Werner Anderson viser bilder i kirkerommet, det er salgsutstilling i krypten. Sort/hvitt-fotografiene er kolorert av kunstneren og trykket på bomullspapir, lerret, trevirke av oliven og seder.

Om kunstneren: Werner Anderson (f. 1972) er en norsk kunstner som har reist mye i sitt virke som dokumentarfotograf. Det har vært mange inntrykk fra konfliktområder som måtte renses ute i den frie, og forsåvidt trygge norske naturen. Med fotografiapparatet i sin hånd, på vandringer ved hav, i skog og på fjell, har han sanket gyldne øyeblikk for evigheten.

(Noen av bildene som kan kjøpes i krypten.)

Sommerutstilling og åpen kirke

Gamle Aker kirke har gjennomgått omfattende renoveringsarbeider, hovedsakelig finansiert av menighetsrådet. – Gjenåpningen skjedde forsommeren 2024. Arbeidene har åpnet nye arealer i kirkens krypt og skapt nye muligheter for å åpne kirken som både helligsted og kulturminne. 

Gamle Aker kirke har gjennom mange år fungert som pilegrimskirke, «Gudbrandsdalsleden» (Oslo-Trondheim, vest) går forbi kirken. Kirken er også et sted mennesker fra inn- og utland søker for stillhet, bønn og ettertanke, og for selv å oppleve byens ikke bare eldste men også vakreste rom!

Sommeren 2025, ukene 26–33 (24. juni – 17. august), holder vi åpen kirke hele uken (ikke mandag og lørdag), på ukedager 10.00-16.45 (stengt 11.45-12.15), søndag etter gudstjeneste kl. 12.30–16.45. I krypten er det en enkel kafé. Det gis omvisning i kirken gjennom dagen, og holdes morgenbønn (10.30), middagsbønn (12.30) og ettermiddagsbønn (16.30). 

Alle bilder: ©WernerAnderson


Åpen kirke og kafé

Sommeren 2025 holder vi åpen kirke hele uken, med omvisning, tidebønn, kunstutstilling og enkel kafé i Krypten.

Velkommen til åpen kirke med omvisninger, tidebønn, kunstutstilling og kafé i Gamle Aker kirke i sommer!

 

Omvisninger

Løpende omvisninger med vår Hanna, som er prestevikar hos oss i sommmer og også leder tidebønner.

 

Tidebønner

Tirs-fre kl.10:30 - 12:30 - 16:30

Søndag kl.16:30

 

Kunstutstilling

Vi viser verker av Werner Anderson i kirkerommet og i Krypten. Les mer ovenfor.

 

Kafé

Vi har en enkel kafé i Krypten - med kaffe, te, saft, is, kjeks og croissanter. Priser: kr.10,- og 20,-. Du er også velkommen til å ta med deg mat og drikke til den fine bakgården i Gamle Aker kirkesenter.

 

Åpningstider:
Tirs-fre kl.10:00-16:45 (stengt kl.11:45-12:15)
Søndag kl.12:30-17:00

 

 

Velkommen innom!

View Event →
Ane Hjort Guttu  -  På bakken
Jun
28
to Jul 6

Ane Hjort Guttu - På bakken

  • Adresse og sted for utstillingen: K4 Galleri (map)
  • Google Calendar ICS

«Det er et slags massivt trykk av impulser som er – fiktive. Det er sånn at jeg må lukke øynene, for ellers blir det for mange udefinerte forestillinger. Det har en slags form. Men likevel, det er veldig diffuse ting. Det er ikke en ren og tydelig stemme liksom, det er mumling bak en vegg.»

Ane Hjort Guttu er billedkunstner og filmskaper bosatt i Oslo. Arbeidene hennes tar for seg forholdet mellom frihet og makt, økonomi og offentlig rom, sosial endring og enkeltpersoners handlingsrom. Guttu er også aktiv som kurator og skribent, og hun er professor ved Kunsthøgskolen i Oslo."

/////

The program is curated by Hedda Grevle Ottesen and Adam Sindre Johnson.

The gallery is supported by Arts Council Norway, Fritt Ord and Oslo City Council for Cultural Affairs.

Contact:
k4galleri@gmail.com
Address: Københavngata 4. 0556 Oslo, Norway
k4 galleri

View Event →
Nye medlemmer 2023 – 2024
Jun
28
12:00 PM12:00

Nye medlemmer 2023 – 2024

  • Adresse og sted for utstillingen: Norske Grafikere (map)
  • Google Calendar ICS

Det er med stor glede vi presenterer våre nye medlemmer, tatt opp i foreningen i 2023 og 2024. Veklommen til utstillingsåpning torsdag 5. uni kl. 18:00.

Presentasjonen av våre nye medlemmer er en stolt tradisjon og en unik mulighet til å se hva som rører seg i det norske grafikkfeltet i dag. Her får publikum et innblikk i kunstnerskapene til en ny generasjon grafikere, bestående av både veletablerte kunstnere som har begynt å arbeide med grafikk og – ikke minst – nyutdannede kunstnere som kommer rett fra ulike utdanningsinstitusjoner. Som interesseorganisasjon for grafikk, er det viktig for oss å støtte opp under det viktige arbeidet utdanningsinstitusjonene gjør i å bevare mangfoldet av grafiske teknikker. Vi er derfor stolte over å være et naturlig sted for grafikere å henvende seg etter fullførte studier, og ser med begeistring på hvordan det tradisjonelle håndverket i grafikk både videreføres og videreutvikles med høyt kunstnerisk nivå. Det gledelig å se i hvilken grad årets utstilling er både rik og variert, med forankring i et stort spenn av uttrykk og teknikker. I tillegg til tradisjonell, veggbasert grafikk vises også tredimensjonale arbeider, kunstnerbøker og trykk på utradisjonelle medier.

Nina Edling – Av och på. Tresnitt, 58 x 62 cm

Det var allerede mot slutten av 1800-tallet at mange norske kunstnere så det rike uttrykkspotensialet som ligger i grafikkmediet. Et gryende fagmiljø, som søkte å dyrke og utvikle teknikkenes særegne kvaliteter, fikk raskt fotfeste. Det er i dette historiske landskapet Norske Grafikere har sitt utspring. Mer enn hundre år etter står foreningens grunnleggende målsetninger om å styrke og formidle originalgrafikkens interesser og særpreg ved like. Vi er derfor veldig stolte over å ønske nye medlemmer velkommen hvert år, og på den måten sørge for at samtiden speiles i medlemsmassen.

Vi ønsker alle våre nye medlemmer hjertelig velkommen til foreningen og ser frem til å ønske alle grafikkinteresserte velkommen til en innholdsrik utstilling!

Om utstillerne

Amalie Rugård Jensen

Amalie Rugård Jensen

(f. 1994, Danmark) Arbeider med litografi, tegning, tekst, fotogravyr og treskulpturer for å utforske emner relatert til økologi, poesi og spekulative fortellinger. Hun er interessert i hvordan fragmenter og samlinger kan bære en historie uten å avsløre for mye. I tillegg til å ha bakgrunn som papirkonservator, har Jensen en MA i Medium- og materialbasert kunst fra KHiO og en BA i grafikk og tegning fra samme sted. Hun er interessert i materialer som forteller historier og i historiske teknikker. Hun lar seg inspirere av naturhistoriske samlinger, ekspedisjoner inn i det ukjente og obskure motiver fra vitenskapens verden, i et forsøk på å forstå verden vi lever i bedre.

Jensen stiller ut en bok trykket med litografi, boktrykk og en monolog fra fisken damkaruss.


Anna Weilhartner

(f. 1982, Østerrike) har en MA i Medium- og materialbasert kunst fra KHiO. Hennes arbeider tar utgangspunkt i personlige erfaringer og omgivelser. Hun knytter ofte an til mellommenneskelige temaer, så vel som arkitektur og andre uttrykksformer som musikk eller poesi. Hun jobber på en umiddelbar måte med maleri, trykk og kunstnerbøker, og farger har en sentral rolle i hennes praksis.


Arnfinn Mork-Stordal

Arnfinn Mork-Stordal

(f. 1957, Hareid) Arbeider med tresnitt i stort format, med en karakteristisk kryssteknikk inspirert av kopperstikk. Han er utdannet ved Oslo tegne-og malerskole og SHKS i Oslo. Siden 2020 har han vært aktiv i Aggregat kunstfellesskap i Ålesund, hvor han trykker sine tresnitt. Mork-Stordals kunstnerskap er dypt forankret i det narrative med en særlig interesse for menneskers erfaringer valg og følelsesliv. Motivene henter ofte inspirasjon fra aviser og nyhetsbilder, og omformes til komplekse nye fortellinger.





Damian Vega

(f. 1980, Gijón Spania) er en spansk billedkunstner basert i Egersund. Han er utdannet innen grafikk fra Oviedo School of Art i Spania. Som kunstner jobber han i krysningen mellom tradisjonelle, grafiske teknikker og nye teknologier. Utover grafikk jobber han også med tegning, veggmaleri og innenfor det audiovisuelle feltet. Vega har vært prosjektleder for et kollektivt lydkunstalbum og har jobbet med audiovisuelle installasjoner for ulike festivaler. Han er blitt valgt ut til flere internasjonale prosjekter og kunstnerresidenser.
I utstillingen viser han tresnittet The Explorer, som er fritt inspirert av Nansens Fram-ekspedisjon.



Dåra Dorky

Dåra Dorky

(f. 1990, NO) er opptatt av å ta i bruk analoge og utdaterte teknologier for å jobbe frem nye uttrykk. Trykk og selvpublisering står sentralt i hennes praksis. Hun utforsker støy, teknologi/økologi og tid/resonans gjennom grafikk, fotografi, kunstbøker og musikk. Dorky jobber både visuelt og auditivt, og med avtrykk som kjernen i praksisen sin, bruker hun silketrykk, tresnitt, fotopolymer og risografi i arbeidet med de visuelle verkene. Auditivt lager hun støymusikk og produserer kassetter der hun sonisk trykker lydene på kassettenes magnetiske bånd. Disse to praksisene forenes i Dorkys egne utgivelsesplattform for kassetter og kunstbøker; Sort Sol, som er inspirert av Fluxus-kunstnere som gjennom selvpublisering lagde et rom for en alternativ kunstnerisk praksis.

Hun har sin utdannelse fra Strykejernet Kunstskole og en bachelor i materialbasert kunst ved Kunsthøgskolen i Oslo (KHiO).

I utstillingen viser hun silketrykket OBSOLETE #1




Henrik Hovland Svensen

(f. 1970, NO) arbeider med kontrasten mellom den dype geologiske tiden (millioner av år) og de raske endringer som nå skjer på jorden. Teknikkene han bruker mest er tresnitt, linosnitt og fotopolymer, men han jobber også med etsning og monotypi. I tillegg til å være grafiker, er Svensen også Dr. Scient. i geologi (2000) og jobber som professor ved Institutt for geofag på UiO. Som grafiker og geolog er Svensen særlig opptatt av det uorganiske. Noe av drivkraften er å belyse hvordan vi har påvirket og endret jorden på kort tid, enten det dreier seg om inngrep i natur, klimaendringer eller krigføring og konflikt.

Henrik Hovland Svensen

Svensen stiller ut tresnittet Under overflaten fra 2024. En eksplosjon, fragmentering av jordskorpen, en sky av partikler som slynges ut i atmosfæren. Hva ligger bak, og hva kan konsekvensene bli? Med dette tresnittet vil jeg vise spenningen mellom det skapende og det ødeleggende, mellom det vi vet med sikkerhet – og det ukjente.




Hilde Rosenberg Bamarni

(f. 1978, NO) bruker kunst for å utforske hvordan havet fungerer som en metafor for både lengsel, forandring og forbindelser mellom mennesker. Sentrale temaer i Bamarnis kunstnerskap er havet og menneskets forhold til det – både som en kilde til liv, bevegelse og tilhørighet, men også som en kraft som knytter mennesker sammen på tvers av tid og sted.

Hilde Rosenberg Bamarni

I utstillingen bidrar hun med verket Sightlines. Det presenterer tre ulike perspektiver på mitt møte med havet: et fotografi av fjorden jeg ser fra huset mitt, et sjøkart over det samme området, og tekster med løse tanker jeg har gjort meg mens jeg har betraktet fjorden.


Iris Theres Korsnes

(f. 1970, NO) har master og bachelor i medium- og materialbasert kunst fra KHiO, i tillegg til bachelor i estetiske studier og master i kunsthistorie fra UiO. Gjennom kunstnerskapet sitt utforsker Korsnes sosiale fellesskap som familiestrukturer og andre relasjoner der samhandling er essensielt. Tematikker hun er opptatt av, er menneskers fasade, psykologiske mønstre, sosial konstruksjon og feminisme knyttet opp mot craftivisme og samhold.

I utstillingen viser hun Venter på at dagene skal gå, som er et portrett av Korsnes’ mormor. Arbeidet undersøker tid, kreativitet, lengsel, utholdenhet og overlevelse. Matrisen er laget av hennes mormors heklede gardiner. Arbeidet har en variabel størrelse som kan tilpasses det stedsspesifikke rommet eller plassen det utstilles, enten som en monumental installasjon eller i små skala format.



Kjetil Teigen

(f. 1975, NO) har master i billedkunst fra Kunstakademiet i Trondheim. Han arbeider med grafikk og maleri i et visuelt spenn som rommer både geometriske strukturer og organiske former. I denne utstillingen vises Villnis XII og Psykomekanisk superposisjon VII, to verk som undersøker forholdet mellom system og kompleksitet, orden og sanselighet. Gjennom teknikker som monotypi og akvatint aktiverer Teigen billedflaten i form av lagdeling, rytme og forskyvning.

Kjetil Teigen

Verkene berører spørsmål knyttet til mekanistisk filosofi og til naturforståelser preget av tekniske modeller. Med et sideblikk til økofilosof Sigmund Kvaløy Setrengs kritikk av reduksjonistiske systemer, aktualiseres en tenkning der det levende og uforutsigbare trer frem. Arbeidene inviterer til refleksjon over hvordan visuelle språk kan romme både kontroll og oppløsning, struktur og overskridelse.






Maisen Klemp Pedersen

(f. 1998, NO) har bachelor og master fra Kunstakademiet i Bergen. Sentralt i hennes kunstnerskap er temaene bærekraft, gjenbruk og klimautfordringer. Dette gjenspeiles i hennes grafiske verk der materialer fra den grafiske prosessen blir til teksturer og overflater trykket på håndlaget, resirkulert papir. Arbeidene tar utgangspunkt i to-dimensjonale verk inspirert av foldede ark, som har brettet seg ut til tre-dimensjonale gjenstander.

I utstillingen viser hun både tredimensjonale skulpturer av brettet ark som står fritt på gulvet og en som henger montert på vegg.






Md Wahiduzzaman Bhuian

(f. 1987, Bangladesh) er kunstner og grafiker basert i Råholt, Viken. Han gikk ut med mastergrad i medium- og materialbasert kunst fra KHiO i 2019. Bhuians kunstneriske praksis utforsker figurativt uttrykk gjennom et bredt spekter av medier, inkludert litografi, tresnitt, silketrykk, skulptur og stop-motion-animasjon. Han henter inspirasjon fra litteratur og massemedier, og vever ofte sammen fiktive fortellinger med underliggende sosiale og politiske kommentarer.

Md Wahiduzzaman Bhuian

Arbeidene hans inneholder ofte både menneskelige karakterer og dyr, noen ganger i hybrisert form for å skape unike og uventede former. Denne blandingen gjenspeiler en interesse for å utforske samspillet mellom virkelighet, fiksjon, satire og drømmelignende tilstander.

Md Wahiduzzaman Bhuian



Miao Sun

(f. 1994, Kina) er en grafiker og billedkunstner basert mellom Oslo og Beijing. Etter et år som utvekslingsstudent i Zürich mellom 2016/17, i et land der hun ikke mestret språket, har Miaos kunstnerskap i stor grad utforsket språk som fenomen. Miao interesserer seg blant annet for språk som et verktøy som kobler sammen individers erfaringer i møte med samfunnets kulturelle avtrykk. Hun gikk ut med mastergrad i medium- og materialbasert kunst fra KHiO i 2020, og har tidligere studert kunst i både Zürich og Beijing.

Miao Sun

Om verket hun stiller ut, skriver Miao dette:

Å lage setninger er en vanlig måte for å lære et nytt språk. Alle lager forskjellige setninger, selv om vi bruker samme uttrykk. Hver esneste setning representerer en tanke. Tankene knytter seg til personlig opplevelser.
Dette er en vanskelig tid.
Alle har vanskeligheter.
Men kanskje det som er vanskelig for meg faktisk er veldig enkelt for deg.



Nina Beyer

(f. 1971) Bor og arbeider i Sennesvik, Lofoten. Beyer er utdannet ved kunsthøgskolen i Bergen 1993-98 og arbeider med både maleri og grafikk, spesielt monotrykk og tresnitt. Et gjennomgående tema i hennes kunstnerskap er naturen, hennes subjektive opplevelse av den og hvordan vi alle er knyttet til den på ulike måter. Gjennom en årrekke har Beyer studert og dokumentert naturens uendelige register av lys, farger, strukturer, bevegelser, værtyper, kontraster og detaljer. Hun utforsker naturen i et stort spenn av uttrykk, fra beskrivelser og abstraksjoner til rene avtrykk på lerret, stoff og papir. I billedoppbyggingen står forenkling av form, strøk, sanselighet, farger, lys og rytme sentralt.



Nina Edling

(f. 1985, Sverige) har studert ved Kunstakademiet i Trondheim og ved Slade School of Fine Art i London. Hun er basert i Uppsala. Som grafiker jobber Edling hovedsakelig med tresnitt og linosnitt. I sitt kunstnerskap utforsker hun psykisk uhelse knyttet til tvangsmessig atferd og sorg.

Edling har selv slitt med spiseforstyrrelser og alkoholisme, og har opplevd traumer som har farget henne og gjort henne fascinert av den store andelen mennesker som bærer på en selvdestruktiv natur. Kunstnerisk utforsker hun også landskapssjangeren sett gjennom linsen av sårbarhet og tillit.










Oliver Hambsch

Oliver Hambsch

(f. 1981) er en tysk/sørafrikansk kunstner som vokste opp i Cape Town. Hambsch gikk ut med en MFA fra Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town I 2022. I 2023 ble han tatt opp som doktorgradsstipendiat ved grafikklinjen på KHiO for å drive kunstnerisk forskning innen tresnitt. Med det er han i gang med å bli Norges første doktor i grafikk. For tiden dreier forskningen og praksisen hans seg rund det han oppfatter som tresnittets spektrale egenskaper – det hjemsøkte og spøkelsesaktige – uttrykt gjennom trykk og eksperimentell musikk.

Mellom avslutningen av MFA-graden og starten på doktorgradsstipendiatet underviste han deltid ved University of Cape Town og jobbet som kurator for universitetets trykkarkiv. Hambsch har stilt ut i Sør-Afrika, Storbritannia, Norge, Polen og Japan.






Suvi Nieminen

Suvi Nieminen

(f. 1957, Finland) har utdanning fra tekstilavdelingen ved Konsindustriella Högskolan i Helsinki (1981- 1984), og fra grafikkavdelingen ved Vestlandets Kunstakademi i Bergen (1984 -1990). Hennes kunstpraksis omfatter både grafikk og skulpturelle installasjoner. I grafikken har Nieminen hovedsakelig arbeidet med koldnål, men de siste årene har hun også eksperimentert med fargetresnitt.

Nieminen er opptatt av materialenes egenskaper og hvordan de virker i rommet og i relasjon til menneskelig skala. For å opprettholde direkte kontakt med prosessen og for å kunne justere trykket og uttrykket selv, tar hun avtrykkene manuelt og bruker oljebasert trykksverte for å holde fargeintensiteten. Motivene handler om fargenes møte, hvordan fargetoner samspiller med hverandre og treets strukturer og danner romlige og sanselige fargeflater.


NORSKE GRAFIKERE

Tollbugata 24,0157 Oslo | 23 35 89 40
ng@norske-grafikere.no
org.nr. 971 435 828


 

Åpningstider:
ons og fre: 12-17 | tor 12-18
lør: 12-16 | søn – tir: stengt

 

View Event →
Juniutstillingen 2025
Jun
28
to Jun 29

Juniutstillingen 2025

  • Adresse og sted for utstillingen: Kunstnerforbundet (map)
  • Google Calendar ICS
22.05.25 → 29.06.25

KUNSTNERE

Camilla Edström Ödemark, Ella Aandal, Erlend Leirdal, Freja Burgess, Jad El Khoury, Sigrid Espelien, Torbjørn Kvasbø, Unn Sønju.

Juniutstillingen har tradisjon helt tilbake til etableringen av Kunstnerforbundet. Juniutstillingen 2025 presenterer verk som belyser samspillet mellom prosess og produkt, mellom det pågående og det ferdige. Den utfordrer en tradisjonell distinksjon mellom kunstner og kunstverk og foreslår kunsthåndverket som en integrert praksis der levd erfaring og prosess er en uatskillelig, aktivt tilstedeværende del i kunstverket. 

Åtte kunstnere deltar i samtlige av galleriets utstillingssaler: Freja Burgess, Sigrid Espelien, Jad El Khoury, Torbjørn Kvasbø, Erlend Leirdal, Unn Sønju, Camilla Edström Ödemark og Ella Aandal.

Juniutstillingen 2025 er Kunstnerforbundets bidrag til NK50, Norske Kunsthåndverkeres 50-årsjubileum.

Utstillingen åpner 22. mai, og varer til 29. juni 2025.


KURATERT AV

Ingunn Svanes Almedal og Lars Sture



Kunstnerforbundet

Kjeld Stubs gate 3, 0160 Oslo

Tirsdag – fredag kl. 11 – 17
Lørdag – søndag kl. 12 – 16
Mandager stengt.

Telefon +47 23 31 02 40
E-post info@kunstnerforbundet.no

Kunstnerforbundet er en kunstnerstyrt, ikke-kommersiell visnings- og formidlingsinstitusjon med vekt på skiftende utstillinger av samtidskunst og kunsthåndverk fra hele landet.

Kunstnerforbundet ble opprettet i 1910 av yngre profilerte kunstnere og er ett av Skandinavias eldste kunstnerstyrte gallerier. Galleriet er organisert som et idealistisk aksjeselskap. 150 samtidskunstnere er i dag tilknyttet galleriet som aksjonærer. Alle kan søke om utstillingsplass, og Kunstnerforbundet har de senere årene mottatt over 800 søknader årlig. Over 30 000 besøkende deltar årlig i Kunstnerforbundets formidlingsprogram.

Kunstnerforbundet ser det som en vesentlig oppgave å bidra til å etablere en økonomisk plattform for kunstnerne. I over hundre år har galleriet tilrettelagt for offentlig innkjøp, utsmykninger og formidlingssalg til førstegangskjøpere og samlere.

Bygningen

Kunstnerforbundet eier bygården i Kjeld Stubs gate 3, sentralt beliggende bak Rådhuset i Oslo sentrum. Gården huser visningsrom for kunst, formidlingsrom, salgsavdeling, kontorer, kunstlager og atelierer for kunstnere.

View Event →
VIDAR KOKSVIK  - Engler og demoner / Angels and Demons
Jun
28
to Jun 29

VIDAR KOKSVIK - Engler og demoner / Angels and Demons

  • Adresse og sted for utstillingen: FORMAT (map)
  • Google Calendar ICS

“You see this goblet?” asks Achaan Chaa, the Thai meditation master. “For me this glass is already broken. I enjoy it; I drink out of it. It holds my water admirably, sometimes even reflecting the sun in beautiful patterns. If I should tap it, it has a lovely ring to it. But when I put this glass on the shelf and the wind knocks it over or my elbow brushes it off the table and it falls to the ground and shatters, I say, ‘Of course.’ When I understand that the glass is already broken, every moment with it is precious

For this exhibition, Vidar Koksvik has explored the sculptural potential of the wine glass stem. Throughout history, the stem has served as a subject for creative expression—a small sculpture meant to delight guests around the table. In his recent works, Koksvik has, to some extent, retained the recognizable form of the glass's bowl and base, while allowing the stem to become a site for experimentation. Here, cherubs of the Renaissance meet snakes and dragons, juxtaposed with down-to-earth Norwegian motifs such as mountains and traditional storehouses. It is within this tension that Koksvik creates a subtle humor and a sense of surprise.

The glass’s function as a vessel for wine is preserved, yet it becomes secondary to a message or narrative—one that may be so compelling that the wine drinker is challenged both technically and intellectually.

Vidar Koksvik (b. 1969) was trained in glassblowing at Glasskolan in Orrefors, Sweden. He holds a BA in Three-Dimensional Design from The Surrey Institute of Art and Design in England and an MA in Curatorial Practice from the University of Bergen. He has extensive experience from glass workshops around the world, including a period at the now-closed Randsfjord Glassworks in Jevnaker.

Since 1998, Koksvik has been established as a glass artist in Norway—first for four years at the Egenart glass studio at Bærums Verk, and later at Klart Glass studio in Grue, Innlandet.

Koksvik works in blown and freehand-shaped glass and is dedicated to exploring the properties of the material through these techniques. He develops his artistic language by sampling from the history of glass art and playfully engaging with references and expectations.

Koksvik’s works can be found in the collections of the National Museum, KODE, the Nordenfjeldske Museum of Decorative Arts, Norges Bank, Sørlandets Kunstmuseum, and Sunnfjord Kunstmuseum, as well as in numerous private collections. His chandeliers have been commissioned for a wide range of public buildings.

The exhibition is supported by a regional grant from BKH, the Arts Bank Center for Contemporary Art, and regional project funding from KIN.


ABOUT

Format was founded in 1991 and is a leading gallery for contemporary crafts and design in Norway. The gallery is an exhibition and sales venue of the finest artistic quality within the material-based arts. The gallery aims to strengthen the position of Norwegian contemporary crafts and design internationally and through working with both established and emerging artists the gallery reflects the various tendencies in contemporary crafts and design today. The gallery’s goal is to challenge established norms while highlighting key values in the field by actively bringing a wider spectrum of artistic practices in material-based art to the fore.

Open Call for exhibition space will be announced on our website, newsletter and social platforms. Open applications can be sent to oslo@format.no, containing artist bio and statement, images and concept.

Floor plan

Opening hours
Tues­day - Fri­day 12 - 17
Sat­ur­day - Sun­day 12 - 16
Closed during the Christmas, Easter, Pentecost and Summer Holidays (July)

Accessibility
Format is accessible for disabled guests and wheelchair users. You can find a wheelchair access next door to the gallery in Kongens gate.

Contact
Format
Rådhusgaten 24 N-0151 Oslo
T +47 22 41 45 40
oslo@format.no

View Event →
JULIA K. PERSSON - Øyets speiling / The Mirror of the Eye
Jun
28
to Jun 29

JULIA K. PERSSON - Øyets speiling / The Mirror of the Eye

  • Adresse og sted for utstillingen: FORMAT (map)
  • Google Calendar ICS

Tense is a grammatical term for time – it marks whether something is happening now, has happened, or will happen.

For this exhibition, Julia K. Persson presents a large floor installation alongside two wall-mounted sculptures. The floor piece consists of a ceramic relief resting on ceramic beams. The relief is composed of twelve segments, which together form a repeating profile of a face, and a child. By placing the relief on beams on the floor rather than mounting it on a wall, the work’s tense becomes diffuse, suspended in a ‘before’ or an ‘after’ rather than anchored in a static now.

This shifting sense of tense has been one of the recurring ideas throughout the process. In the act of drawing her mother’s face, Persson gradually recognized her own. In moments of magical thinking, she searched for her mother’s eye in the small pocket mirror she had inherited - but only her own eye appeared, though it resembled her mother’s.

It is in these shifts - or mirrorings - that Persson finds her focus: between generations and roles, between what once was and is no longer, between what has vanished and what has embedded itself within us.

Eleven short poems by Anna With accompany the exhibition.

Julia K. Persson (b. 1992, Sweden) primarily works with sculpture and installation in clay, ceramics, and textile. Through a strict yet tactile language, she explores constructions—not only physical structures, but also mental and imagined frameworks. It is often when something goes wrong, breaks, or comes to an end that her interest grows, and the work begins.

Persson holds an MFA from the Oslo National Academy of the Arts. She has exhibited at Rackstadmuseet in Arvika, Konstepidemin in Gothenburg, Höganäs Konsthall, and QB Gallery in Oslo, as well as in several group exhibitions, for example at KRAFT in Bergen, London Craft Week, Kunstnerforbundet, and ROM for kunst & arkitektur in Oslo.

The exhibition is supported by KiN (Kunstsentrene i Norge) and the Arts Council Norway.


ABOUT FORMAT

Format was founded in 1991 and is a leading gallery for contemporary crafts and design in Norway. The gallery is an exhibition and sales venue of the finest artistic quality within the material-based arts. The gallery aims to strengthen the position of Norwegian contemporary crafts and design internationally and through working with both established and emerging artists the gallery reflects the various tendencies in contemporary crafts and design today. The gallery’s goal is to challenge established norms while highlighting key values in the field by actively bringing a wider spectrum of artistic practices in material-based art to the fore.

Open Call for exhibition space will be announced on our website, newsletter and social platforms. Open applications can be sent to oslo@format.no, containing artist bio and statement, images and concept.

Floor plan

Opening hours
Tues­day - Fri­day 12 - 17
Sat­ur­day - Sun­day 12 - 16
Closed during the Christmas, Easter, Pentecost and Summer Holidays (July)

Accessibility
Format is accessible for disabled guests and wheelchair users. You can find a wheelchair access next door to the gallery in Kongens gate.

Contact
Format
Rådhusgaten 24 N-0151 Oslo
T +47 22 41 45 40
oslo@format.no

View Event →
kunstKALL i strandpaviljongen i Hvervenbukta💓
Jun
28
to Jun 29

kunstKALL i strandpaviljongen i Hvervenbukta💓

  • Adresse og sted for utstillingen: Pavilijongen i Hvervenbukta (map)
  • Google Calendar ICS

Kortreist kunst i strandpaviljongen i Hvervenbukta💓

For 6. året på rad arrangeres kunstKALL kortreist kunstfestival i den vakre paviljongen i Hvervenbukta. Besøkende kan i år igjen kombinere badelivet med kunstopplevelser, musikkinnslag og historiske vandringer. 

View Event →
INGRID BECKER   -  Flettede fortellinger / Woven Stories
Jun
28
to Jun 29

INGRID BECKER - Flettede fortellinger / Woven Stories

  • Adresse og sted for utstillingen: FORMAT (map)
  • Google Calendar ICS

In the exhibition “Woven Stories” at Galleri Format, Ingrid Becker presents works made from natural materials such as bark, willow, rattan, goatskin, and fruit stalks from the Phoenix palm. She has cultivated these materials herself in Fosen, Trøndelag, and gathered them during her travels.

Textile techniques—such as weaving, embroidery, knotting, and binding - are fundamental to Becker’s work. She continuously explores how traditional textile methods can be altered, combined, and fused into experimental woven pieces.

Over the past 20 years, Becker has explored the possibilities of the container as both a sculptural form and a bearer of meaning. Her objects have taken shape as woven containers in various forms - for example, baskets, dishes, trays, jars, bowls, cocoons, cradles, or abstract shapes. The works are crafted as precisely woven, elongated, cylindrical or square containers; as low, oval or circular dishes; or as more organically undulating and transparent, dissolved elements or linear objects. All symbolize the container and its connection to the story of human origins - as a tool used for gathering, carrying, and storytelling.

The times we live in compel us to seek alternative perspectives on our own history. Our Anthropocene age is a result of the dominant historical view that nature is unconscious matter to be controlled, manipulated, and exploited. We now realize we must think anew—on a broader scale, in a more inclusive, equitable, diverse, and ecological way. With “Woven Stories”, Becker contributes to telling these alternative narratives and proposes a worldview grounded in feminine values deeply rooted within us.

Ingrid Becker was born in 1952 in Stockholm and lives and works on a small farm in Stadsbygd, Trøndelag. Becker is educated in textile arts and pedagogy and has been active as a craftsperson and artist in Norway since 1977. She primarily works with sculptural woven forms made from natural materials such as bark, willow, roots, reeds, and other natural fibers.

Becker’s works have been exhibited in numerous group and solo exhibitions, including the Annual Exhibition of Norwegian Craftsmen in 2017 and 2023. Her works have been acquired by the National Museum in Oslo, KODE in Bergen, the Nordenfjeldske Museum of Decorative Arts, and the Municipality of Trondheim. Recent public art commissions include installations at Fosen Upper Secondary School's aviation department in Bjugn, the Department of Teacher Education at NTNU Trondheim, the ZEB Laboratory at NTNU Trondheim, and Johan Bojer Upper Secondary School in Indre Fosen Municipality.

Ingrid Becker’s exhibition “To Gather, to Carry, to Tell” was shown at Trøndelag Center for Contemporary Art in Trondheim and at Kunstrom Jakob in Steinkjer in the summer and autumn of 2024.


ABOUT FORMAT

Format was founded in 1991 and is a leading gallery for contemporary crafts and design in Norway. The gallery is an exhibition and sales venue of the finest artistic quality within the material-based arts. The gallery aims to strengthen the position of Norwegian contemporary crafts and design internationally and through working with both established and emerging artists the gallery reflects the various tendencies in contemporary crafts and design today. The gallery’s goal is to challenge established norms while highlighting key values in the field by actively bringing a wider spectrum of artistic practices in material-based art to the fore.

Open Call for exhibition space will be announced on our website, newsletter and social platforms. Open applications can be sent to oslo@format.no, containing artist bio and statement, images and concept.

Floor plan

Opening hours
Tues­day - Fri­day 12 - 17
Sat­ur­day - Sun­day 12 - 16
Closed during the Christmas, Easter, Pentecost and Summer Holidays (July)

Accessibility
Format is accessible for disabled guests and wheelchair users. You can find a wheelchair access next door to the gallery in Kongens gate.

Contact
Format
Rådhusgaten 24 N-0151 Oslo
T +47 22 41 45 40
oslo@format.no

View Event →
Bård Breivik - Svein Johansen
Jun
28
to Jul 6

Bård Breivik - Svein Johansen

  • Adresse og sted for utstillingen: KB Contemporary (map)
  • Google Calendar ICS


The gallery is located in St. Hanshaugen, in central Oslo.

Established in 2020 by Knut Blomstrøm, who has been active in the art business since 1990, the gallery draws on his experience in museums, institutions, and galleries.

It represents a diverse range of artistic expressions, with a focus on national and international mid-career and established artists.

Frydenlundgata 12
N — 0169 Oslo

0047 932 17 267
info@kbcontemporary.com

Opening Hours
Wed-Sun 12-16
Or by appointment

View Event →
 ANNA ZACHAROFF   -   RED HERRING
Jun
28
to Jul 5

ANNA ZACHAROFF - RED HERRING

  • Adresse og sted for utstillingen: STANDARD (map)
  • Google Calendar ICS

People actually fish from the foundation that wraps around the Norwegian National Opera. Well, by people I mean men, mostly older men, who are arriving at sunrise on a weekend, fnding a vacant spot for themselves, their backpack and their folding chair, putting together the rods and preparing the bait, lighting up a cigarette, pouring themselves a cup of cofee from a thermos, chatting with the neighbours, moving on the spot to stay warm, waiting, while scanning the surface and trying to catch a glimpse of some movement.

There they stand, a line of dark dots against the massive building, clad in white Carrara marble. On cold winter days, when the fjord freezes and it gets covered with snow, the building takes on the appearance of the fractals and forces that make up in Caspar David Friedrich's painting "Das Eismeer" ["The Sea of Ice"] (1823-1824).

It is not only a building that expresses the drama of the operas performed inside of it, but also a building that seeks to hold the tensions and contradictions on being located where the Oslo Fjord ends and the city of Oslo begins.

 

The same forms are repeated in the work "Kirsten Flagstads Plass 1" by Anna Zacharoff. However, there is an almost comical shift in terms of dimensions and notion of space. The opera, with its scale and spectacle, has been reduced to the size of an MDF box, measuring a modest 30 x 40 x 20 centimeters.

Each of the facades of the building have been accurately painted onto the four sides of the box, with the top rendering the birds eye view of the roof. In the work by Zachaoff, the architecture has both been unfolded and fattened, disconnected and compartmentalised, reduced from a whole into building blocks, once again. The box is one of many: the Oslo Opera is here appearing alongside the Sydney Opera House, the Opéra Garnier in Paris and the Metropolitan Opera House in New York. Each of them are given the same matter-of-factly treatment and each is confned to the size of the same box regardless of their actual scale. Here, they are equal.

They are all nodes of a global network, that circulate and consolidate the culture of opera. According to Operabase - a service surveying opera performances worldwide - the top 3 titles in terms of performances since 2000 are "La Traviata" by Verdi with 18 732 performances, "The Magic Flute" by Mozart that is following closely behind with 18 332 performances, and "Carmen" by Bizet with the slightly lower number of 16 856 performances. The top 20 list is - other than 4 titles by Mozart from the 18th century and 2 titles by Puccini from the 20th century - solely consisting of compositions dating back to the 18th century. While there might be a distance between Oslo, Paris, Sydney and New York, there is not much of a diference as to what performances make it onto these stages.

 

In the terms of fshing, this is best described as backwater. If the water is not reached by the current, it turns stagnant. Either the water has to move, the fsh has to move or the fsherman has to move. Anna Zacharoff knows that. Her whole project, since graduating from Städelschule in Frankfurt am Main in 2015, has been concerned with the fish as a motif and its biological and geological surroundings.

The vast landscape that is the seabed, measuring three quarters of our planet, has mostly been absent from painting and the history of art. Zacharoff's paintings, however, are not merely aiming at compensating this by depicting and describing the maritime life, but rather attempts at identifying connections between this and the lives we live on solid ground - whether it is looking into the use of the Alaskan Pollock in the fast food industry or bringing our attention to the history and rich connotations of the goldfsh as a specie and symbol good fortune. For a decade, Zacharoff's project has been like a research vessel, constantly seeking out new waters to sample and survey - gathering the knowledge of species and ecosystems as well as gathering the motifs and methods for an ongoing investigation of painting. Executed in oil and pigment, Zacharoff's paintings typically locates and isolates a singular figure, giving it shape through a minimum of gestures, and placing it against a canvas that is largely untouched and only occasionally interrupted by slight stains and sprinkles of pigments. The twelve paintings making up this exhibition, are each marked by this sense of restraint that seems to suspend the notion of an opposition between figuration and abstraction. Rather, Zacharoff seems more concerned with what colours and what brushstrokes are strictly necessary in order to make it tangible that this is a living, breathing and moving creature.

 

Sometimes, it is only by reading the titles of Zacharoff's paintings are you made aware what to look for. That the thin outline of a being appears from the brushstrokes laid down. This time, the titles even suggest what sounds you should listen for. A

s slapstick in its approach as the boxed portraits of the opera buildings, Zacharoff has solely chosen species of fsh whose name include the name of a music instrument: banjo fsh, drum fsh, or piano fangbenny, to name but a few. While Zacharoff paintings always come with a distinct sense of motion and animation, these paintings also bring their own musicality. Similar (to what children of the 1970s and 1980s will recall) the video for Jean-Michel Jarre's "Oxygene, Pt. 4" - in which colonies of penguins are migrating and marching in perfect sync to the synth music - nature is moving to its own carefully crafted choreography. As is the case with the mackerel at this time of the year. They are schooling and following the coastline all the way to the end of the Oslo fjord. The Oslo Opera is not the greatest spot for fishing, but the waters will be foaming with thousands upon thousands of fshes that are now coming in from North Sea. And singers, conductors and other musicians will follow a similar migration pattern - touring, transferring and connecting the nodes of the network that is opera world wide. When the mackerel season comes to an end in October, "The Magic Flute" is once again returning to the stage in Oslo.

 

----- 

Anna Zacharoff (b. 1987, lives and works in Brussels and Stockholm). She studied at Städelschule in Frankfurt am Main Recent solo exhibitions include "Entrée" at S.M.A.K. Ghent, Belgium; Bianca D'Alessandro, Copenhagen; Neue Alte Brücke, Frankfurt am Main, Germany; "The Devil*s Chemise", Kantine, Brussels, Belgium; and "Regular Co." in Kunstverein Wiesbaden, Wiesbaden, Germany. Throughout the course of the exhibition, Zacharof is also included in the group exhibition "Painting after Painting - A contemporary survey from Belgium" at S.M.A.K. Ghent.


 

STANDARD (OSLO)

WALDEMAR THRANES GATE  86C

NO-0175, OSLO 

 

+47 22 60 13 10

+47 22 60 13 11

 

INFO@STANDARDOSLO.NO

WWW.STANDARDOSLO.NO

 

-----

 

      

 

 

 

OPENING HOURS:

TUESDAY BY APPOINTMENT

WEDNESDAY - FRIDAY 12:00-17:00

SATURDAY 12:00-16:00

 

 

 

View Event →
Andreas Meinich  - A Wave From It Al
Jun
28
to Jul 6

Andreas Meinich - A Wave From It Al

  • Adresse og sted for utstillingen: QB Gallery (map)
  • Google Calendar ICS

Blått hav, solen som glitrer i vannet, hvite skyer mot horisonten, vinden som blafrer i håret, bare føtter, sjøsprut. Friheten til å dra hvor du vil, når du vil. Ikke bare fra noe, men mot noe. Være eventyrer, oppdager, fri.

Sublimitet er evnen et kunstverk kan ha til å vekke en følelse av frihet, transcendens og opphøyet sinnsro i betrakteren. For noen kan båt, eller drømmen om båt, ha den samme iboende kraften.

Andreas Meinich har i en årrekke syklet rundt i Oslos gater og tatt bilder av båter – spesifikt båtnavn. Bildene hans er et lite utsnitt sosiologisk forskning på båteiere. Hvem er eieren bak Gjeldfrid, Stressless eller InSanity? Eller Anarchy som har båtplass på Tjuvholmen? Og om båten er drømmen og frihetsfølelsens fartøy, hvilke fortellinger og ideer omkring drømmer og frihet kan båtnavnene invitere oss inn i?

Verkene i utstillingen leker med dissonansen mellom de store drømmene som anes i titlene, og realiteten rundt hva det å ha en båt faktisk er.

Det sies at de to lykkeligste dagene i en båteiers liv er 1: dagen den blir kjøpt og 2: dagen den blir solgt. Alle båtene avfotografert i serien står enten til havns eller på land. Og representerer med dette det faktum at mange båter kun er i bruk noen dager i året.

Det er både humor og poesi i bildene, fra kunstner og fra den anonyme eieren av båten. Samtidig er det en melankoli som kommer snikende etter hvert som bildene får landet i oss. Med A Wave From It All slipper Meinich oss vi inn i en verden hvor drømmer og ideer møter realiteten, og hvor de begge får leve side om side i oss.


QB GALLERY

QB Gallery ble etablert i 2014 og er et Oslo-basert galleri for norsk og skandinavisk samtidskunst, både yngre og etablerte kunstnere.

Galleriet fokuserer på et bredt spekter av uttrykk innen samtidskunsten, inkludert maleri, fotografi, skulptur, grafikk, tekstilkunst og installasjon. I 2021 introduserte galleriet utstillingsrommet KUBEN i galleriets underetasje, et visningsrom for kuratoriske prosjekter og utstillinger med kunstnere og unge kreative.

I 2018 ble galleriet tildelt prisen «Årets Galleri» av kulturmagasinet Subjekt: "QB Gallery markerer seg tydelig som et av hovedstadens hippeste og mest vibrante kommersielle utstillingsrom." I 2021 ble galleriet omtalt i Aftenposten som et av galleriene som har satt Oslo på kartet som kunstby: "De har vært med på å fange tidsånden".

QB deltar årlig på kunstmesser nasjonalt og internasjonalt, blant annet Enter Art Fair, Market Art Fair, Ceramic Brussels og Oslo Negativ. Galleriet ønsker å gjøre kunst tilgjengelig for et større publikum gjennom galleriutstillinger, kunstmesser og digitalt. I tillegg til utstillinger har galleriet et stort visningsrom for kunst i galleriets underetasje. Vi tar ikke imot uoppfordrede utstillingssøknader.

Galleriet drives av Mikaela Bruhn Aschim.

Gabels Gate 43
0262, Oslo, Norge

post@qbg.no

+47 993 65 233

Ons-Fre 12:00-18:00
Lør-Søn 12:00-16:00

View Event →
Twenty Minutes Away
Jun
28
to Jul 6

Twenty Minutes Away

  • Adresse og sted for utstillingen: Gamle Munch (map)
  • Google Calendar ICS
Fotografi 12.6.25 - 6.7.25

"Twenty Minutes Away" er en soloutstilling av Simen R. Ulvestad som åpner på Gamle Munch 12. juni. Gjennom fotografi og dokumentasjon utforsker utstillingen temaene minner, identitet og hvordan fortiden preger oss. Prosjektet tar utgangspunkt i Ulvestads søken etter sin fraværende bestefar, en figur han knapt kjente. Arbeidet belyser de usynlige båndene som knytter familier sammen.‍

Ulvestad ser på de usagte forholdene i familier, spesielt rundt rusmisbruk, skam og de hemmelige historiene som påvirker vår identitet. Ved å utforske sin egen bakgrunn gir han publikum innsikt i hvordan fortidens byrder kan påvirke oss i generasjoner.

Med en nær og ærlig tilnærming inviterer utstillingen til refleksjon rundt de personlige og kollektive erfaringene som ofte forblir tause. Ulvestad bruker sitt kunstneriske uttrykk for å utfordre stillheten rundt vanskelige temaer og åpne opp for gjenkjennelse og samtale.

I tillegg til verkene vil det være omvisninger og samtaler som gir publikum en dypere forståelse av kunstverkene og de samfunnstemaene de berører.

Bio

Simen R. Ulvestad (f. 1994) er en norsk kunstner og fotograf bosatt i Oslo. Hans kunstneriske praksis kombinerer visuell historiefortelling og dokumentasjon, med fokus på temaer som identitet, tilhørighet og familiehistorie. Ulvestad benytter analog fotografi og installasjoner som verktøy for å utforske hvordan historier og uttrykk formidles og bevares gjennom ulike visuelle medier. I tillegg til sine egne prosjekter, arbeider han tett med teaterkompaniet Susie Wang.


Velkommen til
Gamle Munch


Slå deg ned i kafeen og få kunst-, kultur og nabolagsaktiviteter inn i hverdagen.

Her kan du oppleve et mylder av arrangementer, konserter, forestillinger og utstillinger.

Åpningstider:

Mandag: Stengt
11 - 17 tirsdag - onsdag
11 - 19 torsdag
11 - 17 fredag - søndag


OM GAMLE MUNCH

Gamle Munch er et pilotprosjekt for perioden 2022 - 2025, som tester ut ny bruk av det gamle munchmuseet på Tøyen. Prosjektet er et samarbeid mellom Kulturetaten, Oslobygg og Bydel Gamle Oslo. Huset består av en kunsthall med tre saler, en stor og en liten scene, et kontorfellesskap og aktivitetsrom for nabolagsaktiviteter. I tillegg huser Gamle Munch en kafé og Oslo kommunes kunstsamling.

Programmet på huset er mangfoldig og det foregår til enhver tid forskjellige aktiviteter i tilstøtende rom og saler. Gamle Munch er bygget for utstilling av visuell kunst, altså er det dårlig lydisolert.  Det betyr at brukere av Gamle Munch må ta høyde for lydgjennomslag. Huset programmeres gjennom en årlig utlysning og utleie av lokaler.

Tøyengata 53, 0578 Oslo
gamlemunch@kul.oslo.kommune.no

Telefon: 457 31 243

View Event →
Tre kopper og fire fat
Jun
28
to Jul 6

Tre kopper og fire fat

  • Adresse og sted for utstillingen: Gamle Munch (map)
  • Google Calendar ICS

Annika Simonssons prosjekt grunner seg i evolusjonsteorien idé om de mest tilpasningsdyktige som en del av fremtiden. Barn og voksne kan bli med på workshop i juni og la et arbeid bli igjen for kunstneren å integrere i utstillingen. Et kunstverk i endring, tilpasset etter publikums innblandning, sted og rom.

Utstillingsåpning: 13. juni, kl. 18.

I et utstillingsprosjekt på gamle Munch inviterer kunstner Annika Simonsson publikum til å delta i en workshop som en del av utstillingen – en utstilling i stadig endring, som ikke er seg helt lik fra begynnelse til slutt.Selv om Darwin aldri direkte uttalte at «De individene som til enhver tid er best tilpasset sitt miljø, overlever», danner denne tanken grunnlaget for evolusjonsteorien. Ideen om kontinuerlig forandring gjenspeiles også i Annika Simonssons kunstneriske praksis.

Hun arbeider hovedsakelig med rester, avkapp og gjenbruk fra andre kunstneres produksjoner. I løpet av en helg arrangeres en workshop for både barn og voksne, der deltakerne får muligheten til å lage skulpturer og objekter av de samme materialene som Simonsson bruker. De som ønsker, kan la sine bidrag bli igjen, slik at Simonsson kan tilpasse dem i utstillingen.Etter et par ukers tid kan deltakerne komme tilbake og oppleve hvordan deres bidrag har blitt en del av utstillingen.

Bio

Annika Simonsson (f. 1969, Halmstad, Sverige) er utdannet ved Kunstakademiet i Trondheim og Kungl. Konsthögskolan i Stockholm. Etter studiene og tre år i Berlin har hun siden 2003 bodd og arbeidet i Oslo.Simonsson arbeider hovedsakelig med restmaterialer fra andre kunstneres produksjoner. Maleri, skulptur og tegning smelter sammen og presenteres i installasjonsform. Hun har blant annet stilt ut ved Konsthallen i Halmstad, Galleri 69 i Oslo og Høstutstillingen, hvor et av hennes verk ble innkjøpt av Bærum kommune.

Siden 2000 har Simonsson samarbeidet med Lars-Erik Svensson, og sammen har de laget en rekke utstillinger og kunstprosjekter i offentlige rom. Blant disse er Sandli omsorgsbolig og aktivitetssenter i Bergen, Campus Porsgrunn ved Universitetet i Sørøst-Norge, Galleri Hi10 i Skien og Galleri 54 i Göteborg, hvor en del av utstillingen ble innkjøpt av Kulturnämnden i Göteborg.

Siden 2015 har Simonsson arbeidet som formidlingskoordinator ved Kunstnernes Hus, med ansvar for formidlingsverkstedene knyttet til utstillingsvirksomheten rettet mot skoler og andre besøkende. Som kunstner har hun også utviklet workshops for Mini Munch-festivalen og workshops for ulike skoleprosjekter.

Foto: Annika Simonsson

Hvor

Sal A2

Passer for

Alle

Arrangør

Annika Simonsson



Velkommen til
Gamle Munch


Slå deg ned i kafeen og få kunst-, kultur og nabolagsaktiviteter inn i hverdagen.

Her kan du oppleve et mylder av arrangementer, konserter, forestillinger og utstillinger.

Åpningstider:

Mandag: Stengt
11 - 17 tirsdag - onsdag
11 - 19 torsdag
11 - 17 fredag - søndag


OM GAMLE MUNCH

Gamle Munch er et pilotprosjekt for perioden 2022 - 2025, som tester ut ny bruk av det gamle munchmuseet på Tøyen. Prosjektet er et samarbeid mellom Kulturetaten, Oslobygg og Bydel Gamle Oslo. Huset består av en kunsthall med tre saler, en stor og en liten scene, et kontorfellesskap og aktivitetsrom for nabolagsaktiviteter. I tillegg huser Gamle Munch en kafé og Oslo kommunes kunstsamling.

Programmet på huset er mangfoldig og det foregår til enhver tid forskjellige aktiviteter i tilstøtende rom og saler. Gamle Munch er bygget for utstilling av visuell kunst, altså er det dårlig lydisolert.  Det betyr at brukere av Gamle Munch må ta høyde for lydgjennomslag. Huset programmeres gjennom en årlig utlysning og utleie av lokaler.

Tøyengata 53, 0578 Oslo
gamlemunch@kul.oslo.kommune.no

Telefon: 457 31 243

View Event →
Prisms of Myopia
Jun
28
to Jul 6

Prisms of Myopia

  • Adresse og sted for utstillingen: Gamle Munch (map)
  • Google Calendar ICS

Gruppeutstillingen Prisms of Myopia viser fotografi og kamerabasert kunst kuratert av Monica Holmen fra Nitja senter for samtidskunst. Produsent for utstillingen er Stiftelsen Bjørka - Verksted for fotografi som holder til på Grønland i Oslo.

VERNISSAGE

På åpningsdagen 14. juni kl 14-17 serverer vi bobler og holder åpningstale.

FRA NÆRSYNT TIL KLARSYNT!

På åpningsdagen 14. juni blir det panelsamtale kl 14 med Katja Høst, Christian Belgaux, Mariann Enge og Monica Holmen.


Om samtalen:

Bli med på en samtale som utforsker det kunstneriske blikket, og fotografiets rolle i å forme hvordan vi ser verden rundt oss. Kan kameraet skjære gjennom støy og forvirring, eller gjør det noen ganger virkeligheten ytterligere uskarp?

I panelet:
- Mariann Enge, redaktør for Kunstkritikk
- Christian Belgaux, fotojournalist
- Katja Høst, billedkunstner og medlem i Bjørka
- Monica Holmen, kurator for «Prisms of Myopia» og ordstyrer



OMVISNINGER

Bjørkamedlemmer holder omvisninger i utstillingen hver søndag kl 14:

15. juni: Katharina Barbosa Blad (norsk)

22. juni: Marit Silsand på (norsk)

29. juni: Jan Khür (engelsk)

6. juli: Kari Margrethe Sabro (norsk)


Om utstillingen:

I samtidskunsten er man langt forbi oppfatningen om det fotografiske mediet som et sannhetsdokument. I likhet med hvilket som helst annet kunstnerisk medium, representerer også de kamerabaserte uttrykkene kunstnerens utforskende blikk, til dels subjektivt og farget av det individuelle engasjement. Inspirert av myopi, det vitenskapelige begrepet for nærsynthet, peker utstillingstittelen på betydningen av den enkelte kunstners dedikerte oppmerksomhet og myopiske tilnærming til sitt materiale.

Som resultater av en kunstners nærsynte studier, og gjennom det en insistering på betydningen av et gitt tema, vil et kunstverk forsøke å dytte betrakterens blikk i ulike retninger. Nettopp oppfordringen om å innta andre ståsteder og se ting fra flere sider er kan hende også samtidskunstens viktigste rolle i vår samtid. Et velkjent ordtak snakker om å gå noen mil andres sko; i kunsten er det nærliggende å oppfordre til å se verden med noen andre sine (metaforiske) briller.

Lik et prisme som bryter lysstrålene i utallige retninger, er Bjørka et samlingssted for kamerabasert kunstnerisk utvikling og refleksjon. Her deler 35 kunstnere analoge og digitale fellesverksteder. Følgelig utgjør Prisms of Myopia et mangefasettert bilde bestående av alle de myopiene som Bjørka-kunstnerne utgjør. Gjennom utstillingen får man også et innblikk i noe av det som opptar samtidskunsten i dag.

I Prisms of Myopia vil publikum oppleve arbeider som retter oppmerksomheten mot mellommenneskelige forhold, spørsmål omkring identitet og tilhørighet, og forventninger og fordommer i møte med menneskene rundt oss. Refleksjoner oppstått i kjølvannet av global pandemi, det gjennomdigitaliserte informasjonssamfunnet, og hvordan det påvirker oss som mennesker er et annet spor i noen av verkene. Et kritisk blikk på levesett, forventninger om stadig vekst, og hvordan dette anfekter både enkeltmennesket og det stadig mer anstrengte forholdet mellom menneske og natur går som en rød tråd i flere av kunstnerskapene. Refleksjoner omkring historiens plass åpnes det også for. Hvilke spor av historien ser vi – det være seg kunsthistorien så vel som den større historien – og hvilke implikasjoner har den i dag? Sist er også mer mediespesifikke utforskninger der selve fotografiet og dets muligheter og begrensninger er gjenstand for kunstnerisk utforskning. Resultatene synes ofte å være abstrakte og nonfigurative, noe som nok en gang punkterer eventuelle illusjoner noen måtte ha om fotografi som sannhet – og snarere poengterer det myopiske i ethvert kunstneriske prosjekt.

Monica Holmen, kurator for utstillingen.

Deltakere fra Stiftelsen Bjørka:

Dalia Karg, Karoline Hjorth, Ådne Dyrnesli, Adrian Bugge, Alexander De Cuveland, Andrea Gjestvang, Åsne Rambøl, Brian Cliff Olguin, Chris Harrison, Dag Nordbrenden, Eline Benjaminsen, Ingrid Eggen, Io Sivertsen, Istvan Virag, Jan Khür, Jói Kjartans, Jon Sæland, Kari Margrethe Sabro, Katharina Barbosa Blad, Katharine Mac Daid, Katinka Goldberg, Katja Høst, Linda Bournane Engelberth, Marie Sjøvold, Marin Håskjold, Marit Silsand, Maya Økland, Preben Holst, Rebecca Jafari, Signe Marie Andersen, Siri Ekker Svendsen, Tor Simen Ulstein, Ulla Schildt, Ingve Ottesen, Una Hunderi og Heidi Sundby.

Bio

Stiftelsen Bjørka er en hjørnestein i utviklingen av ny kunst, nye kunstnerskap og et vitalt og dynamisk fotokunstfelt i Norge. Det ble etablert i 1998 og drives som en ideell og privat stiftelse av og for billedkunstnere som jobber med kamerabasert kunst. Bjørka tilbyr analogt og digitalt utstyr, fellesverksteder og atelier til sine 35 medlemmer. Formålet med stiftelsen er å gi profesjonelle kunstnere bærekraftige arbeidsvilkår for egen kunstproduksjon. Bjørka ligger i Schweigaards gate 34 D på Grønland i Oslo.

Monica Holmen (f. 1982) er kurator og koordinator ved Nitja senter for samtidskunst, og frilanser som kurator, skribent og redaktør. Holmen er tidligere co-redaktør for magasinet Kunstforum, og har master i kunsthistorie fra Universitetet i Oslo med avhandlingen This is MOST Important – Dag Alveng’s New York-photographs in light of the American street photography (2010).

Foto: Marie Sjøvold, «Der veien ender», 2023 (utsnitt)

Hvor

Sal B

Passer for

Alle

Arrangør

Stiftelsen Bjørka


Velkommen til
Gamle Munch


Slå deg ned i kafeen og få kunst-, kultur og nabolagsaktiviteter inn i hverdagen.

Her kan du oppleve et mylder av arrangementer, konserter, forestillinger og utstillinger.

Åpningstider:

Mandag: Stengt
11 - 17 tirsdag - onsdag
11 - 19 torsdag
11 - 17 fredag - søndag


OM GAMLE MUNCH

Gamle Munch er et pilotprosjekt for perioden 2022 - 2025, som tester ut ny bruk av det gamle munchmuseet på Tøyen. Prosjektet er et samarbeid mellom Kulturetaten, Oslobygg og Bydel Gamle Oslo. Huset består av en kunsthall med tre saler, en stor og en liten scene, et kontorfellesskap og aktivitetsrom for nabolagsaktiviteter. I tillegg huser Gamle Munch en kafé og Oslo kommunes kunstsamling.

Programmet på huset er mangfoldig og det foregår til enhver tid forskjellige aktiviteter i tilstøtende rom og saler. Gamle Munch er bygget for utstilling av visuell kunst, altså er det dårlig lydisolert.  Det betyr at brukere av Gamle Munch må ta høyde for lydgjennomslag. Huset programmeres gjennom en årlig utlysning og utleie av lokaler.

Tøyengata 53, 0578 Oslo
gamlemunch@kul.oslo.kommune.no

Telefon: 457 31 243

View Event →
VERNISSAGE:  Prisms of Myopia
Jun
14
2:00 PM14:00

VERNISSAGE: Prisms of Myopia

  • Adresse og sted for utstillingen: Gamle Munch (map)
  • Google Calendar ICS

Gruppeutstillingen Prisms of Myopia viser fotografi og kamerabasert kunst kuratert av Monica Holmen fra Nitja senter for samtidskunst. Produsent for utstillingen er Stiftelsen Bjørka - Verksted for fotografi som holder til på Grønland i Oslo.

VERNISSAGE

På åpningsdagen 14. juni kl 14-17 serverer vi bobler og holder åpningstale.

FRA NÆRSYNT TIL KLARSYNT!

På åpningsdagen 14. juni blir det panelsamtale kl 14 med Katja Høst, Christian Belgaux, Mariann Enge og Monica Holmen.


Om samtalen:

Bli med på en samtale som utforsker det kunstneriske blikket, og fotografiets rolle i å forme hvordan vi ser verden rundt oss. Kan kameraet skjære gjennom støy og forvirring, eller gjør det noen ganger virkeligheten ytterligere uskarp?

I panelet:
- Mariann Enge, redaktør for Kunstkritikk
- Christian Belgaux, fotojournalist
- Katja Høst, billedkunstner og medlem i Bjørka
- Monica Holmen, kurator for «Prisms of Myopia» og ordstyrer



OMVISNINGER

Bjørkamedlemmer holder omvisninger i utstillingen hver søndag kl 14:

15. juni: Katharina Barbosa Blad (norsk)

22. juni: Marit Silsand på (norsk)

29. juni: Jan Khür (engelsk)

6. juli: Kari Margrethe Sabro (norsk)


Om utstillingen:

I samtidskunsten er man langt forbi oppfatningen om det fotografiske mediet som et sannhetsdokument. I likhet med hvilket som helst annet kunstnerisk medium, representerer også de kamerabaserte uttrykkene kunstnerens utforskende blikk, til dels subjektivt og farget av det individuelle engasjement. Inspirert av myopi, det vitenskapelige begrepet for nærsynthet, peker utstillingstittelen på betydningen av den enkelte kunstners dedikerte oppmerksomhet og myopiske tilnærming til sitt materiale.

Som resultater av en kunstners nærsynte studier, og gjennom det en insistering på betydningen av et gitt tema, vil et kunstverk forsøke å dytte betrakterens blikk i ulike retninger. Nettopp oppfordringen om å innta andre ståsteder og se ting fra flere sider er kan hende også samtidskunstens viktigste rolle i vår samtid. Et velkjent ordtak snakker om å gå noen mil andres sko; i kunsten er det nærliggende å oppfordre til å se verden med noen andre sine (metaforiske) briller.

Lik et prisme som bryter lysstrålene i utallige retninger, er Bjørka et samlingssted for kamerabasert kunstnerisk utvikling og refleksjon. Her deler 35 kunstnere analoge og digitale fellesverksteder. Følgelig utgjør Prisms of Myopia et mangefasettert bilde bestående av alle de myopiene som Bjørka-kunstnerne utgjør. Gjennom utstillingen får man også et innblikk i noe av det som opptar samtidskunsten i dag.

I Prisms of Myopia vil publikum oppleve arbeider som retter oppmerksomheten mot mellommenneskelige forhold, spørsmål omkring identitet og tilhørighet, og forventninger og fordommer i møte med menneskene rundt oss. Refleksjoner oppstått i kjølvannet av global pandemi, det gjennomdigitaliserte informasjonssamfunnet, og hvordan det påvirker oss som mennesker er et annet spor i noen av verkene. Et kritisk blikk på levesett, forventninger om stadig vekst, og hvordan dette anfekter både enkeltmennesket og det stadig mer anstrengte forholdet mellom menneske og natur går som en rød tråd i flere av kunstnerskapene. Refleksjoner omkring historiens plass åpnes det også for. Hvilke spor av historien ser vi – det være seg kunsthistorien så vel som den større historien – og hvilke implikasjoner har den i dag? Sist er også mer mediespesifikke utforskninger der selve fotografiet og dets muligheter og begrensninger er gjenstand for kunstnerisk utforskning. Resultatene synes ofte å være abstrakte og nonfigurative, noe som nok en gang punkterer eventuelle illusjoner noen måtte ha om fotografi som sannhet – og snarere poengterer det myopiske i ethvert kunstneriske prosjekt.

Monica Holmen, kurator for utstillingen.

Deltakere fra Stiftelsen Bjørka:

Dalia Karg, Karoline Hjorth, Ådne Dyrnesli, Adrian Bugge, Alexander De Cuveland, Andrea Gjestvang, Åsne Rambøl, Brian Cliff Olguin, Chris Harrison, Dag Nordbrenden, Eline Benjaminsen, Ingrid Eggen, Io Sivertsen, Istvan Virag, Jan Khür, Jói Kjartans, Jon Sæland, Kari Margrethe Sabro, Katharina Barbosa Blad, Katharine Mac Daid, Katinka Goldberg, Katja Høst, Linda Bournane Engelberth, Marie Sjøvold, Marin Håskjold, Marit Silsand, Maya Økland, Preben Holst, Rebecca Jafari, Signe Marie Andersen, Siri Ekker Svendsen, Tor Simen Ulstein, Ulla Schildt, Ingve Ottesen, Una Hunderi og Heidi Sundby.

Bio

Stiftelsen Bjørka er en hjørnestein i utviklingen av ny kunst, nye kunstnerskap og et vitalt og dynamisk fotokunstfelt i Norge. Det ble etablert i 1998 og drives som en ideell og privat stiftelse av og for billedkunstnere som jobber med kamerabasert kunst. Bjørka tilbyr analogt og digitalt utstyr, fellesverksteder og atelier til sine 35 medlemmer. Formålet med stiftelsen er å gi profesjonelle kunstnere bærekraftige arbeidsvilkår for egen kunstproduksjon. Bjørka ligger i Schweigaards gate 34 D på Grønland i Oslo.

Monica Holmen (f. 1982) er kurator og koordinator ved Nitja senter for samtidskunst, og frilanser som kurator, skribent og redaktør. Holmen er tidligere co-redaktør for magasinet Kunstforum, og har master i kunsthistorie fra Universitetet i Oslo med avhandlingen This is MOST Important – Dag Alveng’s New York-photographs in light of the American street photography (2010).

Foto: Marie Sjøvold, «Der veien ender», 2023 (utsnitt)

Hvor

Sal B

Passer for

Alle

Arrangør

Stiftelsen Bjørka


Velkommen til
Gamle Munch


Slå deg ned i kafeen og få kunst-, kultur og nabolagsaktiviteter inn i hverdagen.

Her kan du oppleve et mylder av arrangementer, konserter, forestillinger og utstillinger.

Åpningstider:

Mandag: Stengt
11 - 17 tirsdag - onsdag
11 - 19 torsdag
11 - 17 fredag - søndag


OM GAMLE MUNCH

Gamle Munch er et pilotprosjekt for perioden 2022 - 2025, som tester ut ny bruk av det gamle munchmuseet på Tøyen. Prosjektet er et samarbeid mellom Kulturetaten, Oslobygg og Bydel Gamle Oslo. Huset består av en kunsthall med tre saler, en stor og en liten scene, et kontorfellesskap og aktivitetsrom for nabolagsaktiviteter. I tillegg huser Gamle Munch en kafé og Oslo kommunes kunstsamling.

Programmet på huset er mangfoldig og det foregår til enhver tid forskjellige aktiviteter i tilstøtende rom og saler. Gamle Munch er bygget for utstilling av visuell kunst, altså er det dårlig lydisolert.  Det betyr at brukere av Gamle Munch må ta høyde for lydgjennomslag. Huset programmeres gjennom en årlig utlysning og utleie av lokaler.

Tøyengata 53, 0578 Oslo
gamlemunch@kul.oslo.kommune.no

Telefon: 457 31 243

View Event →
13 forsøk på kontroll
Jun
14
to Jun 22

13 forsøk på kontroll

  • Adresse og sted for utstillingen: Grünerløkka Lufthavna Galleri 69 (map)
  • Google Calendar ICS

Sverre Aurstad
Kaja Bruskeland
Johs Bøe
Linda Bournane Engelberth
Jo Michael de Figueiredo
Preben Holst
Damian Heinisch
Signe Fuglesteg Luksengard
Morten Løberg
Marie Sjøvold
Jo Straube
Luca Sørheim
Stig Marlon Weston

 

In a small studio at Tøyen, thirteen artists have met over a period of ten years to discuss photography—both technically and conceptually—and how these aspects come together in a personal practice. Over time, they have influenced each other in reciprocal ways, regardless of differences in experience, age and taste. In the past six months, the conversation has continued at 69, where they have gathered regularly to share works-in-progress, revisit earlier discussions, and challenge one another’s approaches. These sessions have gradually taken shape as «13 forsøk på kontroll» opening June 6th, presenting various works around the subject of photography.

 

The exhibition is curated by Luca Sørheim and Nora Stangebye.

View Event →
Inger Johanne Grytting: Tre tiår i tegning
Jun
14
to Jun 15

Inger Johanne Grytting: Tre tiår i tegning

  • Adresse og sted for utstillingen: Tegneforbundet (map)
  • Google Calendar ICS

Tegnerforbundet – senter for tegnekunst har gleden av å vise den første retrospektive utstillingen med Inger Johanne Gryttings (f. 1949) tegninger.

Utstillingen viser verk fra 1994 til 2024 og gir publikum en unik mulighet til å fordype seg i Gryttings rike og dynamiske forhold til tegning, et medium som står sentralt i hennes kunstnerskap. Utstillingen er et samarbeid mellom Inger Johanne Grytting, Westwood Gallery i New York og Tegnerforbundet – senter for tegnekunst.

Dype røtter i tegningen

Utstillingen på Tegnerforbundet viser hvordan Grytting stadig utforsker tegningens muligheter og hvordan hun bruker blyanten som en naturlig forlengelse av kroppen sin. På 1990-tallet balanserte Inger Johanne Gryttings tegninger mellom det figurative og det abstrakte. Et tilbakevendende motiv er objekter bundet sammen av knuter og linjer som skaper forbindelser mellom flere punkter. 2004 markerer en viktig utvikling i hennes kunstnerskap. I denne tiden frigjør Grytting seg selv fra gjenkjennelige former og overgir seg til en mer meditativ repetisjon av streker. Hun utforsker også hvordan materialet i tegneredskapene kunne påvirke det visuelle uttrykket, noe som ledet henne mot abstraksjon.  

Foto: Inger Johanne Grytting, Studio 2022. Fotografiet er tatt av Ruth Mirsky.

En prosess preget av introspeksjon og materialutforskning

Gryttings kunstneriske prosess er dypt personlig og meditativ. Hennes arbeidsmetode er en form for visuell dialog med seg selv, hvor blyanten fungerer som et verktøy for å utforske indre tilstander og personlige erfaringer. I tillegg har materialet en viktig rolle i arbeidene hennes. Grytting har en forkjærlighet for myk grafitt og lett porøst papir som har en organisk kvalitet og som gir blyantspissen en subtil motstand. Når spissen knekker, fortsetter hun til treet i blyanten møter papiret. Kontinuiteten i linjene blir brutt der blyanten knekker. Denne tegneprosessen skaper små pauser og uregelmessigheter i tegningen og gjør at hvert verk fremstår som et unikt uttrykk for kunstnerens personlige tankeprosesser, samt gir en opplevelse av materialets og kroppens nærvær.

En markant skikkelse i samtidskunsten

Inger Johanne Grytting har vært en markant skikkelse i nasjonal og internasjonal samtidskunst i flere tiår. Hun ble født i Svolvær i 1949 og flyttet til New York i 1972, hvor hun har tilbrakt størstedelen av sitt kunstneriske liv. Hun har studert ved City College of New York og arbeidet som assistent for den anerkjente skulptøren Chaim Gross. På 1980-tallet var Grytting engasjert i figurativt maleri, men fra 1990-tallet har hun viet seg til tegning som sitt primære medium. Hennes verk finnes i flere offentlige og private samlinger, inkludert Nasjonalmuseet i Oslo og Stavanger Kunstmuseum. Grytting er i dag representert av Westwood Gallery NYC.

Kurator: Lene Fjørtoft.
Utstillingsprodusent:
Hilde Lunde.

_

Filer å laste ned:

Utstillingstekst norsk

Utstillingstekst engelsk

Kuratortekst norsk

Kuratortekst engelsk

Verksliste

_


OM TEGNERFORBUNDET

Tegnerforbundet (TF) - senter for tegnekunst ligger sentralt i Kvadraturen i Oslo. Vi arbeider for å vise bredden innen tegnekunst og å fremme diskursen rundt tegning som kunstform. Visjonen vår er å være Norges fremste formidler og forkjemper for tegnekunst.

Våre lokaler i Rådhusgata 17 rommer et stort og moderne galleri hvor det vises fire til fem utstillinger i året. Her gjennomføres også formidlingsprosjekter og arrangementer med fokus på tegning til store og små, fagfolk og tegneentusiaster, samt de som vil bli det. Lokalene inkluderer i tillegg en salgsavdeling med utvalgt kunst av TFs medlemmer. Salgsavdelingen har en egen nettbutikk.

TF er også utgiver av NUMER, Norges eneste tidsskrift for tegning, illustrasjon og bokkunst. NUMER utgis tre ganger i året og sendes til abonnenter i og utenfor Norge. Tidsskriftet er gratis for TFs medlemmer, og interesserte kan kjøpe NUMER i TFs galleri og nettbutikk, samt på Tekstallmeningen og i boksalongen på Litteraturhuset i Bergen. NUMERs digitale plattform numermagasin.no byr på omtaler, intervjuer, kunstnerportretter og de siste nyhetene på tegnefeltet nasjonalt og internasjonalt.

Profesjonelle utøvere med fokus på tegning kan fagorganisere seg i Tegnerforbundet ved å søke medlemskap. TF er medlem av Norske Billedkunstnere (NBK) og TFs styre arbeider sammen med NBK for å forbedre medlemmenes vilkår og rettigheter. Per dags dato har TF ca. 600 medlemmer.

I tidsrommet 2002 til 2023 har TF arrangert Tegnebiennalen/ Tegnetriennalen (fra 2016), en arena for visning og formidling av kontemporær tegnekunst på internasjonalt nivå.

Tegnerforbundet er en del av nettverkssamarbeidet Kunst i Kvadraturen (KiK) og er støttet av Kultur- og likestillingsdepartementet, Norsk Illustrasjonsfond og Oslo kommune.

+++

Finn ut mer om Tegnerforbundets historikk.


ÅPNINGSTIDER

Tirsdag - fredag 12-17
Lørdag - søndag 12-16
Mandag stengt

Avvikende åpningstider

KONTAKT OSS

Tlf: (+47) 476 87 355
E-post: post@tegnerforbundet.no
Adresse: Rådhusgata 17, 0158 Oslo

View Event →
Kjære venner
Jun
14
12:00 PM12:00

Kjære venner

  • Adresse og sted for utstillingen: Femtensesse (map)
  • Google Calendar ICS

Damla Kilickiran

Eline McGeorge

Inga Sund Hofset

Marthe Ramm Fortun

Mohamed Mohamed


I am truly proud to inaugurate the gallery’s new space at Sinsen and, at the same time, celebrate Femtensesse’s five-year anniversary with a group exhibition featuring works by Damla Kilickiran, Eline McGeorge, Inga Sund Hofset, Marthe Ramm Fortun, and Mohamed Mohamed.

The exhibition springs from Eline McGeorge’s Cosmo Deren Weave (A World of Our Own), a shimmering tapestry she created in 2012. The piece interweaves a portrait of the Ukrainian-born American avant-garde filmmaker Maya Deren into the helmet of Russian cosmonaut Valentina Tereshkova, the first woman in space. Cosmo Deren is set within a landscape composed of imagery from the “No Cuts” protests and the Occupy movement in London in 2011, and strips of emergency blankets, a material invented for space travel and associated with protest, crisis and displacement. 

Marthe Ramm Fortun, "Testament", 2024, C-print, performance manuscript, clay, mixed media, Variable dimension

Guided by the spirit of Maya Deren, the exhibition brings together works that navigate across time and space, exploring dreams, memories, and spirituality. 

Installation view, "Kjære venner", Femtensesse, Oslo. Photo: Tor Simen Ulstein

Damla Kilickiran’s Dark Entries takes form from the artist’s own visual archive, sourced from public spaces in Oslo. It consists of ornaments and shapes that bear the traces of having been forgotten, like remnants of a bygone era. Rather than relying on familiar representations, Kilickiran gravitates toward the strange and estranged, favouring these over images that depict a world perceived as diluted. Cast into a door-like form cut from XPS boards—a construction material commonly used for façade insulation—the concrete-grey drawing in papier-mâché has loosened from its mold, undulating between image and sign, the private and the public, the inner and the outer.

Installation view, "Kjære venner", Femtensesse, Oslo. Photo: Tor Simen Ulstein

Inga Sund Hofset’s painting Midst. Before evokes a specific event, viewed from multiple angles and distances simultaneously. The expressive motif in earthy tones, reveals an inner world that echoes the outer—where reality, illusion, and dream converge, layer by layer, in oil on canvas.

Damla Kilickiran, "Dark Entries", 2024, Papier-mâché, muscovite, graphite on ladder, 240 x 120 cm

Mohamed Mohamed, "Prisoners Cinema", 2023, Video, ed. 1/3 + AP Three acts, 6 minutes each

Marthe Ramm Fortun’s Testament, created in Paris in 2024, stems from her research into the archives of feminist writer Natalie Clifford Barney, founder of the Temple of Friendship in Paris. Fortun embodied her testaments through performances blending prose and poetry, infused with the texts of Clifford Barney and other female voices. Her work confronts the violence of contemporary conflicts and the preservation of women’s histories in memory.

Inga Sund Hofset, "Midst. Before", 2017-2023, Oil, hide glue, gouache on cotton canvas, 160 x 210 cm

Mohamed Mohamed’s video work Prisoners Cinema explores the phenomenon in which people who spend extended time in darkness begin to perceive hallucinatory light. Inspired by Maya Deren’s observation that the “blackness of night erases the horizontal plane of the earth’s surface,” the work contrasts the conservative nature of the day with the liberating potential of the night. It reflects on nighttime labor and the invisible forces that shape our surroundings, especially through an encounter with an electrician whose work literally brings light into the night. Shot over four days with the help of twelve friends, the characters drift through the narrative like sleepwalkers, questioning what it is that we actually see. The film is a love letter to the imaginary: a path out of darkness and an attempt to reconnect with the divine, or the energy that arises from being together.

Warmly welcome!

- Jenny




This exhibition is kindly supported by Arts Council Norway and Oslo Municipality.


View Event →
Øystein Tømmerås  -  Den åttende utstillingen
Jun
14
to Jun 21

Øystein Tømmerås - Den åttende utstillingen

  • Adresse og sted for utstillingen: Galleri Haaken (map)
  • Google Calendar ICS

Den åttende utstillingen
improviserer mellom lag av digitale rester
og synsfornemmelser
tilbake til atelieret hvor lukten
av drops og sjokolade i veggene
duene som kurrer på toppen av blindrammene
blander porøs betong sammen med brune striper
fra taklekkasje i drypp drypp nedover lerretet
nedsmelting
og oppbygging med balkonger og utsikt til hverandre

Samler utsnitt til kulisser som kan bygges opp
og tas ned i nye malerier i nye rom
hvor lyset maser foran persiennene
verden dirrer utenfor
vitnemålet går for lukkede dører
og de eneste som slipper inn
gjennom utettheter i kriker og kroker
er lukten av mugg og kloakk
opp fra toalettene i etasjen under

Fester penselen i masta med heberdenske knuter
det knirker i strøkene
hvert strøk er opprør
det er fortsatt motstand i lerretet som må slås ned

Dioxazine lilla presset inn på tube
klar til å eksplodere under trykket
fra overmodent behov for selvrealisering
standoljen klistrer seg i tastaturet
en dråpe dyster koboltsikkativ
presses motstridig ut av pipetten
koloniserer gul og svart mars
realisme med synsforstyrrelser
digitalt skurr
flekker av malingsmøl
om du prøver å vaske det vekk
setter det seg bare enda mer fast

“En knøvlet krokodille,
giraffer som står på hodet
og et badekar fullt av troll”
søvnløse netter
som glir over i tidlige morgener med snøfrisk
smurt tykt utover
et hvitt lerret


---



Øystein Tømmerås (f. 1976, Trondheim) bor og arbeider i Oslo. Han er utdannet ved Statens Kunstakademi i Oslo og Kungliga Konsthögskolan i Stockholm. Tømmerås har blant annet hatt separatutstilling på Stenersenmuseet og deltatt på kuraterte gruppeutstillinger ved Kistefos-Museet, Haugar kunstmuseum, Nord-Trøndelag kunstmuseum og Bomuldsfabriken.

Øystein Tømmerås: Gjenopprettede uoppgjorte saker, 2025, 90 x 60 cm

Øystein Tømmerås: Første forsøk på å gjenopprette slettede nedtegnelser, 2025, 140 x 100 cm

Dette er den åttende utstillingen på Galleri Haaken. Hans arbeider er innkjøpt av bla. Astrup Fearnley Museet. Han har mottatt en rekke stipend og priser inkludert Statens Arbeidsstipend for etablerte kunstnere. Fra 2016-2022 var han styreleder i Landsforeningen Norske Malere (LNM).

Sjokoladefabrikken/nedsmelting
Øystein Tømmerås, 2025
240 x 180 cm


ABOUT THE GALLERY

Galleri Haaken, etablert i 1961
Representerer sentrale norske og utenlandske kunstnere.
Har igjennom årene siden åpningsutstillingen med Picasso vært en viktig innfallsport for internasjonal kunst i Norge.
Galleriet er representant for Galerie Kornfeld i Bern, verdens ledende auksjonsfirma for grafikk.


Galleri Haaken
Tjuvholmen allé 23
N-0252 Oslo

Opening hours
Tuesday - Friday 12 - 17
Saturday 12 - 16

Tel +47 2255 9197
info@gallerihaaken.com
Facebook
Instagram

View Event →
Birgit Torkehagen
Jun
14
to Jun 19

Birgit Torkehagen

  • Adresse og sted for utstillingen: GALLERI ALBIN UPP (map)
  • Google Calendar ICS
MALERI
Utstillingen står 14.- 19. JUNI 2025

Åpning 14/6 kl. 12

Birgit Torkehagen

I bildene sine har Torkehagen tidligere arbeidet i teknikker med olje, tempra, kull og nå etter hvert mer i akryl.

De blir til i grenselandet mellom det abstrakte og figurative.

Ved å jobbe intuitivt og la stemninger og følelser styre prosessen oppstår det bevegelse og indre landskap for fantasien.  

Opplevelse av farge klanger som energi og lys er viktig i denne prosessen. 

Alle dager 12-17 (mand stengt)


Åpningstider Albin Upp Galleri

Mandag 19. mai 2025 til og med søndag 1. juni 2025.

Åpningen finner sted: onsdag 21.5. 2025 kl. 1800 til 2000

Åpningstider: Tirsdag-Fredag kl. 1200-1700, Lørdag-Søndag kl. 1200-1600. Mandag stengt. 


OM GALLERI ALBIN UPP

Galleri Albin Upp har store, åpne og lyse utstillingsrom. Både i glassopåbygget til det gule huset og på gateplan i den tilstøtende teglsteinbygningen. Galleriet er åpent for bildende kunst, kunsthåndverk og foto, men er også tilgjengelig for andre kunstneriske uttrykk.

Det Gule Huset

Galleri Albin Upp er hovedgalleriet i det gule huset

Det gule huset på hjørnet av Briskebyveien og Holtegaten i Oslo har en historie som går tilbake til tidlig 1800-tall. Den gangen var stedet et småbruk under Lille Frogner Gård. I 1824 ble eiendommen løsrevet fra hovedbølet og fikk eget gårds- og bruksnummer, og opp gjennom årene har huset med sin lille hage, vært bolig for håndverkere og arbeidsfolk.

Boligflaten var liten, men i perioder rommet den faktisk to familier. Kvartalet med sine trehus ble revet på 1970-tallet, men Briskebyveien 42 ble liggende da det på den tid var mulig å takke nei til ekspropriering.

Myndighetene ble etter hvert oppmerksomme på verdien av å beholde en del gammel bebyggelse, og huset kom på byantikvarens ”gule liste” som verneverdig. En reminisens av det gamle arbeidermiljø på Briskeby.

Gamle Dager på Briskeby

Galleriets navn ”Albin Upp” stammer fra en person som lød samme navn. Han kom fra Sverige rundt forrige århundreskifte og drev sin kull- og vedhandel i huset ved siden av nummer 42. Albin Upp var en kjent personlighet i strøket, og leverte sine varer med hest og vogn til folk langt utover nabolaget. Strøkets barn syntes nok han var litt skummel, mørk og sterk i blikket, med en krok til hånd. Den hadde han kappet av som ung mann. Under arbeid fortelles det.

Galleri og Kunstkafe

Huset fikk ny eier i 1980. Og etter mye om og men ble det innvilget bruksendring fra bolighus til næringsvirksomhet. Betingelsen var at huset skulle brukes til noe miljøskapende og inkluderende. I september 1982 så «Albin Upp Galleri og Kunstkafe» dagens lys i Briskebyveien 42. Huset i sin karakteristiske stil har etterhvert blitt et landemerke i bydelen. Til glede og lyst for folk langt utover Briskebys grenser.

 

View Event →
ENNY PERLIN  -  EUREKA
Jun
14
to Jun 15

ENNY PERLIN - EUREKA

  • Adresse og sted for utstillingen: Atelier Nord (Inngang fra Sofienberggata)) (map)
  • Google Calendar ICS

Velkommen til utstillingsåpning torsdag 15. mai 2025 fra kl. 18.00

Mer informasjon om utstillingen kommer vinteren 2025.


Visit us
Olaf Ryes plass 2, Oslo.
Entrance from Sofienberggata.

Gallery opening hours
Thursday, Friday 3—6pm
Saturday, Sunday 12—5pm

Contact
+47 23 06 08 80
office@ateliernord.no
Instagram Facebook

Post adress
Postboks 2067 Grünerløkka
0505 Oslo

Om Atelier Nord

Atelier Nord er en plattform for samtidskunst med fokus på mediekunst. Vi viser et skiftende program av utstillinger, videovisninger, performancer og workshops på visningsstedet vårt på Olaf Ryes plass i Oslo.

Vi ønsker å legge til rette for et godt produksjonsmiljø og tilbyr et studio for lyd- og billedredigering. I tillegg til visningsrommet vårt benyttes kontoret vårt i 3. etasje på Olaf Ryes plass 2 til kunstnersamtaler, videovisninger og mindre utstillingsprosjekter.

Atelier Nord mottar driftsstøtte fra Norsk kulturråd og støtte fra Kulturetaten Oslo Kommune i form av subsidisert leie.

View Event →
MILKSHAKE #4   -   Christine Clemmesen, Minh Ngọc Nguyễn
Jun
14
12:00 PM12:00

MILKSHAKE #4 - Christine Clemmesen, Minh Ngọc Nguyễn

  • Adresse og sted for utstillingen: MELK (map)
  • Google Calendar ICS

MELK is excited to present MILKSHAKE #4, a duo exhibition with Copenhagen-based artists Christine Clemmesen and Minh Ngọc Nguyễn.

Two artists who explore materiality and image culture through distinct photographic approaches, yet both engage in contextualizing and questioning the boundaries of the still life genre.

Christine Clemmesen works with photography in an approach that challenges traditional representation. Her images consist of layers of narrative and experience in poetic and abstract forms. A primary focus is on the materiality of the prints, which are often on unconventional materials such as stained glass, silk, color filters and marble. The handmade artist frames function as a kind of press, where material is clamped between the image and the glass front and held as a pressed form – a sculptural translation of what a camera does.

Her focus is not on technical perfection, but on awareness of the medium. Clemmesen works anti-dogmatically with photography – regardless of whether it is analog or digital, sharp, or blurry, large or small. What is crucial is how the medium shapes the expression. The temporal dimension of photography is particularly poetic and a central part of her practice. It contains the ability to both abstract and precisely recognize the world, which makes it ideal for her investigations. This ability creates depth, where time and perception overlap and shift in a narrative that balances between documentary and fiction, and between action and composition.

Minh Ngọc Nguyễn merges pop imagery and stereotypes with a savvy, witty visual language that’s both personal and universal. Drawing on his background in commercial photography, he creates striking, humorous, and relevant images, often in the still-life realm. By remixing Southeast Asian vernacular through a distinctly European lens, informed by post-internet tropes and contemporary image culture, he builds a visual language that reflects both glossy pop culture and layered identity. 

Nguyễns artistic practice is rooted in photography – not only as a medium but also as a subject in itself. He primarily works with still life imagery, driven by a desire to explore photography’s potential to both inform and manipulate our collective understandings of culture and identity.

Drawing from his Vietnamese heritage, he investigates Eurocentric representations of his culture and the ways in which visual pop culture distills and portrays Southeast Asia at large. He examines what is considered and labeled as “Asian,” and how these portrayals have influenced his perception of cultural identity.


ABOUT

Christine Clemmesen (b. 1979) graduated from The Slade School of Fine Art in London with an MFA in Sculpture and from Glasgow School of Art with a BA in Photography.

Recent exhibitions include Møstingshus, Tørreloft, Arden Asbæk, Alice Folker Gallery, Rønnebæksholm Kunsthalle, Vandrehallen, Gæsteværelset/Tone Bonnén, and Center for Photography. She is the recipient of a number of grants and awards and was nominated in 2022 for the FOAM Paul Huf Award for her photographic work.

Minh Ngọc Nguyễn (b. 1992) holds an MFA in Photography from HDK-Valand in Gothenburg and a BA in Visual Communication from the Danish School of Media and Journalism in Copenhagen.
He has exhibited at Galleri Andréhn-Schiptjenko, CHART Art Fair, NEVVEN, Oblong, Fotografisk Center, and Röda Sten Konsthall, among others. His work is represented in the collections of KIASMA Helsinki, Danish Arts Foundation, Region Västra Götaland, Göteborg Stad, Nacka Kommun and Jönköpings kommun.


MELK

MELK is an artist-run space in Oslo since 2009, and the leading initiative for new Scandinavian photography. Our aim is to raise awareness of the scene of contemporary photographers in the region and the position of the medium today.

Opening hours during exhibitions:
Thursday & Friday 12:00–16:00
Saturday & Sunday 12:00–16:00
or by appointment

MELK
Elisenbergveien 7, 0265 Oslo

+47 92840547
post@melkgalleri.no

↗ Facebook
↗ Instagram
↗ Newsletter

View Event →
Bright Idyll / Group show with gallery artists
Jun
14
to Jun 21

Bright Idyll / Group show with gallery artists

  • Adresse og sted for utstillingen: Galleri Riis (map)
  • Google Calendar ICS

Bright Idyll

Horizons, near and far
Real or imagined
First smile, last breath
A spiritual streak
The month of May
Bursts of life, the promise of summer
What lies ahead

Rallou Panagiotou - Bright Idyll, 2022


Works by:

Morten Andenæs
Per Berntsen
Marie Buskov
Hamish Fulton
Håvard Homstvedt
Daido Moriyama
Eline Mugaas
Kristin Nordhøy
Paul Osipow
Rallou Panagiotou
Hanneline Røgeberg
Stein Rønning
Günter Umberg
Tone Vigeland
Sverre Wyller


About Galleri Riis

Galleri Riis was founded in Trondheim in 1972 by collectors Inger and Andreas L. Riis, and it has been based in Oslo since 1980. From 2011 to 2017 the gallery operated a second space in Stockholm which confirmed the gallery’s importance on the Scandinavian art scene. In August 2016, the Oslo gallery relocated to a renovated 1890’s residential building in the city centre. The current exhibition program reflects a long-standing history, with a primary focus on important contemporary art from the Nordic countries including a selective spotlight on international artists. The gallery has over the years also mounted a number of historic exhibitions with contemporary and modern masters. Galleri Riis is owned and directed by Espen Ryvarden and Kristin Elisabeth Bråten.



Contact

Arbins gate 7
NO-0253 Oslo
Norway

Tuesday – Friday 12-17
Saturday 12-15

+47 22 94 40 40
info@galleririis.no

Espen Ryvarden
Kristin Elisabeth Bråten
Anita Gadelius
Blair Kincaid

View Event →
Utstillingsåpning:  Tre kopper og fire fat
Jun
13
to Jun 14

Utstillingsåpning: Tre kopper og fire fat

  • Adresse og sted for utstillingen: Gamle Munch (map)
  • Google Calendar ICS

Annika Simonssons prosjekt grunner seg i evolusjonsteorien idé om de mest tilpasningsdyktige som en del av fremtiden. Barn og voksne kan bli med på workshop i juni og la et arbeid bli igjen for kunstneren å integrere i utstillingen. Et kunstverk i endring, tilpasset etter publikums innblandning, sted og rom.

Utstillingsåpning: 13. juni, kl. 18.

I et utstillingsprosjekt på gamle Munch inviterer kunstner Annika Simonsson publikum til å delta i en workshop som en del av utstillingen – en utstilling i stadig endring, som ikke er seg helt lik fra begynnelse til slutt.Selv om Darwin aldri direkte uttalte at «De individene som til enhver tid er best tilpasset sitt miljø, overlever», danner denne tanken grunnlaget for evolusjonsteorien. Ideen om kontinuerlig forandring gjenspeiles også i Annika Simonssons kunstneriske praksis.

Hun arbeider hovedsakelig med rester, avkapp og gjenbruk fra andre kunstneres produksjoner. I løpet av en helg arrangeres en workshop for både barn og voksne, der deltakerne får muligheten til å lage skulpturer og objekter av de samme materialene som Simonsson bruker. De som ønsker, kan la sine bidrag bli igjen, slik at Simonsson kan tilpasse dem i utstillingen.Etter et par ukers tid kan deltakerne komme tilbake og oppleve hvordan deres bidrag har blitt en del av utstillingen.

Bio

Annika Simonsson (f. 1969, Halmstad, Sverige) er utdannet ved Kunstakademiet i Trondheim og Kungl. Konsthögskolan i Stockholm. Etter studiene og tre år i Berlin har hun siden 2003 bodd og arbeidet i Oslo.Simonsson arbeider hovedsakelig med restmaterialer fra andre kunstneres produksjoner. Maleri, skulptur og tegning smelter sammen og presenteres i installasjonsform. Hun har blant annet stilt ut ved Konsthallen i Halmstad, Galleri 69 i Oslo og Høstutstillingen, hvor et av hennes verk ble innkjøpt av Bærum kommune.

Siden 2000 har Simonsson samarbeidet med Lars-Erik Svensson, og sammen har de laget en rekke utstillinger og kunstprosjekter i offentlige rom. Blant disse er Sandli omsorgsbolig og aktivitetssenter i Bergen, Campus Porsgrunn ved Universitetet i Sørøst-Norge, Galleri Hi10 i Skien og Galleri 54 i Göteborg, hvor en del av utstillingen ble innkjøpt av Kulturnämnden i Göteborg.

Siden 2015 har Simonsson arbeidet som formidlingskoordinator ved Kunstnernes Hus, med ansvar for formidlingsverkstedene knyttet til utstillingsvirksomheten rettet mot skoler og andre besøkende. Som kunstner har hun også utviklet workshops for Mini Munch-festivalen og workshops for ulike skoleprosjekter.

Foto: Annika Simonsson

Hvor

Sal A2

Passer for

Alle

Arrangør

Annika Simonsson



Velkommen til
Gamle Munch


Slå deg ned i kafeen og få kunst-, kultur og nabolagsaktiviteter inn i hverdagen.

Her kan du oppleve et mylder av arrangementer, konserter, forestillinger og utstillinger.

Åpningstider:

Mandag: Stengt
11 - 17 tirsdag - onsdag
11 - 19 torsdag
11 - 17 fredag - søndag


OM GAMLE MUNCH

Gamle Munch er et pilotprosjekt for perioden 2022 - 2025, som tester ut ny bruk av det gamle munchmuseet på Tøyen. Prosjektet er et samarbeid mellom Kulturetaten, Oslobygg og Bydel Gamle Oslo. Huset består av en kunsthall med tre saler, en stor og en liten scene, et kontorfellesskap og aktivitetsrom for nabolagsaktiviteter. I tillegg huser Gamle Munch en kafé og Oslo kommunes kunstsamling.

Programmet på huset er mangfoldig og det foregår til enhver tid forskjellige aktiviteter i tilstøtende rom og saler. Gamle Munch er bygget for utstilling av visuell kunst, altså er det dårlig lydisolert.  Det betyr at brukere av Gamle Munch må ta høyde for lydgjennomslag. Huset programmeres gjennom en årlig utlysning og utleie av lokaler.

Tøyengata 53, 0578 Oslo
gamlemunch@kul.oslo.kommune.no

Telefon: 457 31 243

View Event →
Utstillingsåpning:  Ane Hjort Guttu  -
Jun
13
6:00 PM18:00

Utstillingsåpning: Ane Hjort Guttu -

  • Adresse og sted for utstillingen: K4 Galleri (map)
  • Google Calendar ICS
Åpning 13.6 18:00
13. juni - 6. juli 2025
Åpent lørdager og søndager 13:00-15:00



«Det er et slags massivt trykk av impulser som er – fiktive. Det er sånn at jeg må lukke øynene, for ellers blir det for mange udefinerte forestillinger. Det har en slags form. Men likevel, det er veldig diffuse ting. Det er ikke en ren og tydelig stemme liksom, det er mumling bak en vegg.»

Ane Hjort Guttu er billedkunstner og filmskaper bosatt i Oslo. Arbeidene hennes tar for seg forholdet mellom frihet og makt, økonomi og offentlig rom, sosial endring og enkeltpersoners handlingsrom. Guttu er også aktiv som kurator og skribent, og hun er professor ved Kunsthøgskolen i Oslo."

/////

The program is curated by Hedda Grevle Ottesen and Adam Sindre Johnson.

The gallery is supported by Arts Council Norway, Fritt Ord and Oslo City Council for Cultural Affairs.

Contact:
k4galleri@gmail.com
Address: Københavngata 4. 0556 Oslo, Norway
k4 galleri

View Event →
Terje Roalkvam  -  Geomedtre
Jun
7
to Jun 8

Terje Roalkvam - Geomedtre

  • Adresse og sted for utstillingen: Mellomrommet Sagene (map)
  • Google Calendar ICS

Terje Roalkvams arbeider representerer en dynamikk mellom det ville og det kultiverte. Elementer hentet fra naturen er komponert med stramme blyantlinjer, eller med maskinproduserte elementer fra industriverden. Hvert objekt forsterker og balanserer to sentrale ulike formale språk som vil være gjenkjennende.

Terje Roalkvam har deltatt på en rekke separat- og kollektivutstillinger og er innkjøpt av ledende gallerier og samlinger både i Norge og utlandet. Han har hatt en rekke store utsmykkingsoppdrag.

Roalkvam (f.1948) kommer fra Valen i Sunnhordland. Bor og arbeider i Oslo. Utdannet ved Statens Håndverks- og Kunstindustriskole Oslo, Akademii Sztuk Pieknych, Warszawa.


OM M E L L O M R O M M E T SAGENE

Mellomrommet Sagene er et frittstående kunstgalleri non-profitt og arkitektkontor.

Mellomrommet ligger sentralt vis a vis Sagene kirke, med inngang fra Arendalsgata, midt mellom Sagene Bokhandel og Sagene Samfunnshus.

Kontakt:
post@mellomrommet-k1.no
+47 920 29 997

Åpningstider:
Torsdag 13:00 - 16:00
Fredag 13:00 - 16:00
Lørdag 13:00 - 16:00
Søndag 13:00 - 16:00

Adresse:
Kristiansands gate 1, 0463 Oslo
Inngang fra Arendalsgata.

View Event →
Malthe Møhr  /  Sja Mægre
Jun
7
to Jun 8

Malthe Møhr / Sja Mægre

  • Adresse og sted for utstillingen: K4 GALLERI (map)
  • Google Calendar ICS
Open Saturdays and Sundays 13:00-15:00

In the multichannel video-piece, Sja Mægre, we are presented with two different landscapes and personas on each of the two screens. 

1. In the video to the left we see fencers competing in an olympic arena, overlooked by the referees. We follow Gerard: a former  legionnaire of the French Foreign Legion while training in a park. During his training Gerard explains about his memories of serving in the legion. 

2. In the video to the right we see heavy machinery leveling the surface of the ground in a snowy landscape. A narrator tells a story of his friend who sends him videos of a sunny garden. We follow the story of a black cat portrayed on a t-shirt. 

Meanwhile, somewhere in space and time, a number of guys independently upload videos of themselves playing the same cover on guitars in solitude. They play Guts’ Theme, originally composed by Japanese musician and composer, Susumu Hirasawa, for the animated series of the manga, Berserk (1997). The many covers have been arranged and edited so that we experience the guys playing in sync. 

In Sja Mægre, Møhr explores bodily control as reactions to memory, trauma and loss, and seeks to balance storytelling within the transitional exchange of sympathy and empathy. 


Bio: 

In his multimedia work, Malthe Møhr immerses himself in the inscrutable world of mass media and pop-cultural image canons. The protagonists in his work often take on a form that explores masculine mythology and identity, inspired by animated films, advertising, and viral social media clips. The artist sees this multitude of references as the media subconscious of a generation that has experienced the generative potential of the internet with its creative possibilities and subjective forms of expression from the very beginning. The disintegration of classical aesthetic image categories is of particular importance in Møhr’s choice of motifs. What seems absurd and naïve is juxtaposed with real conflicts aimed at confronting male mythology and finding out from its core which structures are worth preserving and which need to be relearned and reshaped.

Malthe Møhr lives and works in Copenhagen and Berlin. He is currently an artist in residence at Künstlerhaus Bethanien, and was at Cité internationale des arts last year. He holds a Master in Fine Art from Malmö Konsthögskola (2022) and a BFA from the Akademie der bildende Künste Wien - Performative Sculpture.


About:

­K4 is an artist run gallery space for video art and moving image based in Oslo. K4 is a non profit, non commercial gallery, supported by idealism and love for video art.

The program is curated by Hedda Grevle Ottesen and Adam Sindre Johnson. k4 is supported by Arts Council Norway, Fritt Ord and Oslo City Council for Cultural Affairs.

The opening hours change from exhibitions to exhibitions. Please check each event.

We try to answer all applications, but in general we do not accept applications.

Contact:

k4galleri@gmail.com

Address:

Købehavngata 4. 0556 Oslo, Norway

View Event →
Damien Ajavon – Sérénade Enchantée : Mélodie du Refuge  // Kunsthall Oslo
Jun
7
to Jun 8

Damien Ajavon – Sérénade Enchantée : Mélodie du Refuge // Kunsthall Oslo

  • Adresse og sted for utstillingen: KUNSTHALL OSLO (map)
  • Google Calendar ICS
26. april-8. juni 2025. Velkommen til åpning fredag 25. april kl. 19-21

Kunsthall Oslo har gleden av å presentere Sérénade Enchantée: Mélodie du Refuge, den første institusjonelle separatutstillingen i Oslo av tekstilkunstner Damien Ajavon.

Dette nye verket tar utgangspunkt i ideen om den hemmelige hagen, et tema Ajavon har vært opptatt av i mange år. Sérénade Enchantée: Mélodie du Refuge er en fler-sanselig installasjon som forener tekstil, keramikk, duft, lyd og performance. Hagen fremstår her både som et tilfluktssted og som et symbol på makt, ladet med historiene om kolonial undertrykkelse og klasseforskjeller. Ajavon trer inn i dette rommet for å bearbeide og omskape dets strukturer. Med inspirasjon fra både afrikanske og europeiske tekstiltradisjoner utfordrer og omformer de dominerende forestillinger om skjønnhet og privilegium.

I samarbeid med musiker Francesca Heart, billedkunstner Simon Tegnander Wenzel og arkitektkollektivet Arbeidsgruppa Ny Von, åpner Ajavon hagen for andre. Sammen stiller de spørsmålet: Kan rom som dette, tidligere kalt «paradis» (fra det gamle avestiske ordet paridaiza, som betyr «inngjerdet hage»), noen gang virkelig deles? For Ajavon representerer hagen et terskelrom mellom natur og kultur, kontroll og omsorg. Hagen blir et intimt, men gjennomtrengelig rom. Den beskytter det som ikke alltid kan sees, og gir næring til livsformer og slektskap som motstår dominerende normer.

Damien Ajavon (f. 1990) er en fransk, senegalesisk og togolesisk tekstilkunstner. Deres praksis bygger på et rikt mangfold av håndverksteknikker og nedarvet kunnskap. Gjennom årene har de studert hampveving og farging av kasjmir i Italia, hattfilt i Québec, mønsterkonstruksjon i New York, digital strikking i Norge og tradisjonell Manjak-veving i Senegal.Ajavon har en mastergrad i medium- og materialbasert kunst fra Kunsthøgskolen i Oslo, og er for tiden bosatt i Skien. I 2024 deltok de i The Curse of an Unstoppable Appetite under Greenlight Triennalen, hvor de utforsket politikk rundt forbruk og økologisk krise. Deres arbeid har blitt vist nasjonalt og internasjonalt, og har fått anerkjennelse for sitt særegne bidrag til samtids tekstilkunst. Ajavon deltok i Sparebankstiftelsen DNBs stipendutstilling i 2023, og stiller for tiden ut ved TSSK i Trondheim som en del av Hannah Ryggen Triennalen. De er også én av fire kunstnere som er valgt ut av KORO til å lage permanente kunstverk til inngangspartiene i Norges nye regjeringskvartal, ett av de største statlige kunstprosjektene i landet.


OM KUNSTHALL OSLO

Kunsthall Oslo er et ikke-kommersielt rom for kunst i bydelen Bjørvika i Oslo som åpnet i september 2010. Kunsthall Oslo viser internasjonal samtidskunst med hovedvekt på nye produksjoner og er samtidig opptatt av å utforske kunstproduksjonens sosiale og historiske kontekst. Vi etterstreber flat struktur med lik lønn for fast ansatte og et felles ansvar for drift og programmering.

Åpningstider under utstillinger
Onsdag-søndag 12-17
Mandag-tirsdag stengt

Vi holde stengt 1. mai, 9. mai, 17. mai

Adresse
Kunsthall Oslo
Rostockgata 2-4
0191 Oslo

(kart)

Inngang
Kunsthall Oslo ligger i Barcode-området i Bjørvika i Oslo sentrum. Hovedinngangen er rullestoltilpasset. Inngangsbilletten koster 30 kroner, men fri entré for kunstnere, studenter, barn og forhåndsmeldte grupper.

Telefon: 21 69 69 39
E-post: info@kunsthalloslo.no
Org nr: 995 556 456

Ansatte
Will Bradley, koordinator – will@kunsthalloslo.no +47 90701872
Øyvind Mellbye, teknisk ansvarlig/produsent – oyvind@kunsthalloslo.no +47 97433237
Ifrah Osman, program utvikling – ifrah@kunsthalloslo.no +47 94476082
Neslihan Ramzi, kommunikasjonsansvarlig – neslihan@kunsthalloslo.no +47 45660811

Gallerivakter og montører:
Ella Aandal
Sampson Addae
Hamda Barise
Calle Segelberg
Lea Lilay

View Event →
FREDRIK RADDUM  -   Lint in the Navel of the World and Abstract Interiors
Jun
7
to Jun 8

FREDRIK RADDUM - Lint in the Navel of the World and Abstract Interiors

  • Adresse og sted for utstillingen: Galleri Brandstrup (map)
  • Google Calendar ICS

Galleri Brandstrup is pleased to present "Lint in the Navel of the World and Abstract Interiors," a new solo exhibition by Fredrik Raddum featuring recent bronze and wood sculptures produced over the past two years. Known for his absurdist, satirical, and profoundly human take on contemporary life, Raddum continues to walk the fine line between humor and existential reflection in this new body of work. The exhibition opens Thursday May 8, at 6 PM.

The title gestures playfully toward philosophy and mythology. In ancient belief systems—from Delphi to Cusco—the “navel of the world” was understood as a sacred center of meaning. Here, Raddum subverts the term, turning the gaze inward to our modern tendency toward self-absorption. The works in the exhibition reflect this friction between a desire for deeper meaning and the mundane, often chaotic nature of our everyday lives. As if through dust on the lens or static in the signal, his sculptures become disruptions in the machinery of modern existence—quirky, poetic glitches that force us to pause.

Lady Elephant

The exhibition includes patinated bronze figures, often painted in detail, and wooden sculptural furniture without clear function. Some pieces lean into quiet joy and observation—such as Loitering in the Night, a sleepwalker with its head turned backward, wandering with wide-open eyes ready to absorb the world. Others, like Mr. Multiple, grapple with inner dissonance: six heads search in different directions, a fractured self digging for answers in the noise of modern life. The mobile-like bronze Umbilicus Mundi dangles body parts in all directions—an emblem of instability, suggesting a loss of center.

A central question in the exhibition emerges: what does it mean to be human in a fragmented world? Drawing inspiration from philosophers like Arne Næss and psychologists like Per Einar Binder, Raddum’s figures embody the tension between autonomy and ambiguity. The bird in Apricitas nests peacefully atop a human head, evoking a stillness that allows room for thought, hesitation, and renewal. This is the space where everything becomes possible—where absurdity and freedom coexist.

With his newest works in wood—crafted entirely in his studio using locally sourced material—Raddum shifts toward a more intimate, tactile presence. The pale surfaces and softened forms contrast with the darker, more dystopian bronze figures. These abstract interiors, while quieter in appearance, continue to resonate with Raddum’s signature wit and existential curiosity.

Ultimately, "Lint in the Navel of the World and Abstract Interiors" invites viewers into a world both familiar and off-kilter, where sculpture becomes a mirror for our contradictions, doubts, and hopes—playfully reminding us that in the absurdity of life, there is space for both laughter and reflection.


BIOGRAPHY - FREDRIK RADDUM

Fredrik Raddum is educated at the National Academy of Art in Oslo, Norway and is known for his figurative sculpture and installation art.

Since ancient times, artists have tried to portray human autonomy trough figurative sculpture, with mimesis as the highest goal. In Raddum’s art, one can see how a contemporary culture with modern technology has moved past the bases of art as a beautified version of reality. Raddum’s art resembles a dystopian cartoon, as a drawn sculpture from his self-created universe.

Like the pioneering pop artists from the sixties USA, Raddum finds his nihilist motives in image banks of mass media and Western culture. However, as we look closer, the dystopian theme comes forth in his art on a thin line between the tragically and the humorous: with his seemingly harmless works, he addresses existentialist and political themes with a sense of humor and a keen eye for the absurd. There is always a subtle, intelligent social satire in mind without obvious display of critical attitude.

In his art, there are also many similarities to the Neo-Pop Artist Jeff Koons, both in his use of shiny materials, and critical themes such as human consumption. As in Koons’ art, Raddum always drops subtle hints encouraging the viewer to think beyond the initial encounter. The main difference between the two artists is how Raddum actually depicts the consequences and fall of man, whereas Koons only flaunts the glossiness of the objects up til the point of brake.

Views on Spontaneous Human Combustion – Head, 2013

In later years, Raddum has taken on the Japanese film. The genera “Kaidan Eiga” is known for is movies tragic endings, which stands in contrast with Raddum’s visual language, who makes them seem more like fun fairytales. Most of Raddum’s artworks, however, revolves around his favorite subject: the late-modern man’s life and identity.


ABOUT GALLERI BRANDSTRUP

Galleri Brandstrup, founded by Kim Brandstrup and Marit Gillespie in 2000 at the historic Madserud Gård in Oslo, was a pioneer in relocating to Oslo's emerging gallery district, Tjuvholmen, in March 2010, where we continue to thrive. Our gallery is renowned for its representation of Nordic masters and influential figures in contemporary Nordic art. We proudly collaborate with some of today’s most innovative and globally recognized artists, including our exclusive representation of Marina Abramović and Joseph Kosuth in Scandinavia, reflecting our close ties with the Sean Kelly Gallery in New York.

Committed to showcasing artists with distinctive conceptual and visual expressions, we host monthly exhibitions year-round in our gallery space. We maintain strong relationships with Norwegian and Scandinavian museums and foundations, leading to numerous significant exhibitions. Notably, we organized the "Mark Quinn" exhibition in collaboration with White Cube Gallery, London, and Kistefos Museum, Norway, in 2011.

Our extensive museum collaborations include Marina Abramović's "Entering the Other Side" at Kistefos Museum (2014), Sverre Bjertnæs at Haugar Vestfold Kunstmuseum (2018), and Per Kleiva's memorial exhibition at Kunstnernes Hus (2018). Recent projects include Steinar Haga Kristensen at Trondheim Kunstmuseum (2021), Lars Ramberg at Bomuldsfabriken Kunsthall (2021), Apichaya Wanthiang at the Munch Museum (2022), Diana Al Hadid at Bomuldsfabriken Kunsthall (2023), Sverre Bjertnæs with Fredrik Værslev at Vestfossen Kunstlaboratorium (2024), and Steinar Haga Kristensen at Kunstnernes Hus (upcoming 2025).

In addition to our gallery exhibitions, we specialize in bringing contemporary art to both public and private spaces. Our focus lies in site-specific and thematically driven installations, often realized in collaboration with in-house or external artists. Our site-specific projects prioritize meticulous planning and consistent regulation throughout the process. These projects entail close cooperation with artists, clients, and, at times, architects, interior designers, and landscapers.

Among our memorable site-specific projects is Joseph Kosuth's "A Monument of Time" at Krona Kultur og Kunnskapssenter in Kongsberg, Norway. It stands as the largest commissioned contemporary art project in Norway, featuring 136 neon elements integrated into the walls as a tribute to the town's history. Another remarkable endeavor is Kjell Erik Killi Olsen's large-scale bronze sculpture "Woman Seeking the Wind" in Vilnius, Lithuania, and Fredrik Raddum's installation "The Sky is the Limit" at Skatt Øst for the Norwegian Ministry of Finance.

In 2014, Galleri Brandstrup, in collaboration with Eli Lilleng Ertvaag, established our sister gallery, BGE Contemporary Art Projects in Stavanger, Norway. For more information, please visit www.bgeart.com.

 

CONTACT

Galleri Brandstrup
Tjuvholmen allé 5
N-0252 Norway
View Map

Phone +47 22 54 54 54
galleri@brandstrup.no

Opening Hours
Mon: Closed
Tue – Thursday: 12 – 5 pm
Fri – Sat: 12 – 4 pm

Follow us
Facebook
Instagram

View Event →